Curta Um Curta - Como Cuidar de um Bebê Elefante (The Elephant Whisperers)

Um casal indiano - os carismáticos Bommam e Belli - resgata um bebê elefante órfão (e ferido) de nome Raghu, se esforçando ao máximo para que ele se torne um animal forte e saudável. A trama do curta em documentário Como Cuidar de um Bebê Elefante (The Elephant Whisperers) é de uma simplicidade comovente. O que não impede a pequena obra de cerca de 40 minutos, dirigida por Kartiki Gonsalves, de ser um verdadeiro elogio à importância da vida - de qualquer vida -, tendo como âncora o respeito à natureza e aos ecossistemas (e no sul da Índia são muitos os conflitos entre humanos e animais). Aqui o ponto alto é o afeto.

 

Riquíssimo em imagens aéreas, contemplativas, silenciosas, bucólicas, o filme acompanha a persistência e o otimismo sorridente do casal central que fortalecerá, com o passar do tempo, seus vínculos com esse simpático "filho meio improvisado" (e o fato deles também terem seus traumas a superar, torna tudo mais emocionante). Disponível na Netflix, a produção foi indicada ao Oscar 2023 na categoria Documentário em Curta-Metragem, apostando na ambientação harmoniosa e ritualística, e nas belas imagens, dignas de Discovery Channel, como algumas de suas fortalezas. É difícil ficar alheio. Ou não pensar na vastidão do mundo.

 

Picanha.doc - Navalny

 De: Daniel Roher. Documentário, EUA, 2022, 98 minutos.

"Num País autoritário ou você é um líder pró-autoritarismo. Ou luta contra esse mesmo autoritarismo." (Alexei Navalny)

Vamos combinar que, morando no Brasil, a gente já está meio que habituado a um certo "surrealismo político" - foram quatro anos de governo Bolsonaro, afinal. Ainda assim, a história vista no documentário Navalny - um dos indicados ao Oscar em sua categoria e que está disponível na HBO Max - é tão absurda que, se fosse apenas um filme talvez tivéssemos certa dificuldade em acreditar. Alexei Navalny é um advogado e ativista russo, famoso por ser um dos principais adversários políticos do governo de Vladimir Putin. Em seu canal de Youtube, ganhou popularidade na vibe vtzeiro ao denunciar a corrupção das estatais russas, se colocando como uma espécie de líder de oposição - aliás, em meio a protestos ele chegou a concorrer a cargos eletivos sob a promessa de proceder com reformas que interrompam o ciclo de supostas ilicitudes no País.

Mas por quê fazer um filme sobre Navalny? Aliás, ele não parece até meio irrelevante para além da agitação das redes sociais? Por causa dos eventos ocorridos em agosto de 2020, quando ele foi internado em um hospital em estado grave, com suspeita de envenenamento durante um vôo de Tomsk para Moscou - em um ato provavelmente orquestrado pela agência russa FBS. Internado em coma e retido pelo governo, ele só foi liberado pelas autoridades do Estado para seguir o tratamento em Berlim, após muitos protestos de familiares, dos advogados e de apoiadores. E o que a obra do diretor Daniel Roher faz é justamente acompanhar esses bastidores que envolvem desde as dificuldades em ser oposição de um governo com predileções populistas, passando pelas consequências de criticar os poderosos, até chegar ao envenenamento seguido de prisão. O que chamaria a atenção do mundo para o caráter criminoso do ato, numa tentativa de silenciar um adversário político.

Figura controversa, Navalny é descrito, sim, com algum viés tendencioso, mas sem paixões exageradas - ainda que a obra, evidentemente, tome partido. Se por um lado ele é apresentado como pai e marido amoroso que parece estar numa cruzada meio solitária contra os líderes do Kremlin - que ele afirma guardar semelhança com a Rússia czarista (!) -, por outro, o documentário não se furta em exibir, ao menos em partes, o passado nebuloso do sujeito, que chegou a ter forte conexão com partidos ligados à extrema direita. E a naturalidade com que ele fala sobre a importância dos partidos nazistas - sim, acreditem - numa espécie de formação de "frente ampla" ultranacionalista na tentativa de contrapor o governo Putin chega a ser assombrosa. Sim, Lula fez uma frente ampla por aqui com Simone Tebet, com Geraldo Alckmin e até com o União Brasil, se for preciso. Na Rússia, essa junção política ecoa certo retrocesso igualmente totalitário - e há quem não esqueça das posições racistas e xenófobas de Navalny no passado. Um mal necessário de momento? Mas até que ponto? Discurso anticorrupção? Hipocrisia? Já vimos esse filme (ou circo) midiático em outros lugares?

Focando muito mais no absurdo do tratamento desumano à rivais políticos do que em análises mais profundas de conjunturas russas, a obra se converte, de forma meio involuntária, em um excelente thriller político que não faria feio nas mãos de diretores consagrados do gênero, como o falecido Alan J. Pakula. Com detalhes interessantes da investigação que chegaria aos responsáveis pela tentiva de assassinato - com um curioso método de tentativa e erro que envolve até mesmo uma sequência de trotes telefônicos -, chegando até mesmo a explicações científicas assombrosas sobre o tipo de veneno utilizado, o filme não deixa de ser uma metáfora perfeita para os tempos políticos atuais. Que, aliás, ganham eco em outros países. Admito que assistir a esse filme, tornou ainda mais absurdo o encontro entre Bolsonaro e Putin, com anúncio de apoio do primeiro ao segundo, antes de eclodirem os ataques à Ucrânia. Quais as intenções por trás daquela prosaica reunião? Sinceramente, eu não sou muito chegado em teorias conspiratórias. Mas em se tratando de extremistas políticos brasileiros e o seu completo desvario na tentativa de manutenção de poder, só posso dizer: vai saber né.

Novidades em Streaming - Passagem (Causeway)

De: Lila Neugebauer. Com Jennifer Lawrence, Brian Tyree Henry, Jayne Houdyshell e Linda Emond. Drama, EUA, 2022, 96 minutos.

"E se o Afeganistão não foi o único trauma?" Quando a gente acompanha o diálogo entre Lynsey, uma "veterana" de guerra vivida por Jennifer Lawrence, e James, seu mecânico e amigo meio improvisado, encarnado de forma comovente por Brian Tyree Henry (aliás, em papel que lhe rendeu indicação ao Oscar), no filme Passagem (Causeway), a gente percebe que as batalhas interiores que envolvem dores, perdas e luto sejam maiores do que sugerem o campo e batalha. Sim, a gente tende a achar, não sem certa razão, que absolutamente nada pode ser pior do que uma guerra. Mas o que explicaria o desejo tão ardente da ainda jovem Lynsey em retornar para o front? De volta à sua Nova Orleans Natal após uma explosão ter lhe causado uma hemorragia cerebral durante a guerra, Lynsey tenta juntar os cacos em meio a dolorosas sessões de fisioterapia, que se alternam com uma relação bastante conturbada com sua mãe, Gloria (Linda Emond).

Claramente a sua rotina parece ser a de uma pessoa que não pertence mais àquele lugar. Mas quais os caminhos para uma possível reconexão? Para uma reaproximação com esse habitat? Com a família - que é completada por um irmão que está preso por envolvimento com o tráfico? Em uma de suas saídas de casa para tentar arranjar emprego - na guerra, Lynsey atuava na área de engenharia, não estando tão habituada a apertar gatilhos -, o antigo carro de sua mãe funde (uma picape velha, que ela leva para uma oficina mecânica). É no local que ela será atendida por James que, de forma meio desajeitada, oferecendo uma carona aqui, lhe convidando para uma cerveja (ou um sorvete) ali, se aproximará dela. Talvez até se apaixonará. Tentando assim demovê-la da absurda ideia de retornar para a guerra como o único caminho possível para algum tipo de paz. E para que as memórias traumáticas da cidade, assim, possam se apagar.

Ao cabo trata-se de uma obra pequena e cheia de instantes sutis sobre o poder da amizade e a respeito da importância da empatia como um caminho que possa nos retirar do buraco em que estamos. Enquanto assistia ao filme dirigido por Lila Neugebauer (uma das realizadoras da série Maid, da Netflix), pensava naquele chavão que diz algo sobre "nunca sabermos como está a vida ou o corre do outro por não estarmos em sua pele". E essa é uma falha meio que geral nossa: quantas vezes mostramos interesse genuíno pelo outro? Quando nessa vida que uma menina loira, bonita, mais ou menos bem nascida de Nova Orleans faria amizade com um mecânico negro, que lhe atende? Não demora para que saibamos que James também carrega os seus traumas - e a sequência em que ambos estão dentro da piscina e trocam confidências, é uma das que faz valer a sessão.

Ok, talvez o filme possa dar uma exagerada em alguns aspectos, mas, o que ele parece querer nos mostrar é que é possível ver a luz que está lá em cima, após sair do andar de baixo - e isso não é papo de autoajuda, eu juro! Reflexões, arrependimentos, anseios, desejos, coisas que preferiríamos esquecer, chances de recomeçar. Quem nunca? A vida real é cheia de surpresas boas e ruins e é sempre tempo de respirarmos um pouco e tomarmos um sorvete (ou um banho de piscina). Indo do pessimismo niilista à esperança quase ingênua, a obra tem aquela cara de "drama indie que faz sucesso no Festival de Sundance", devendo fisgar sem dificuldades os fãs do cinema alternativo. A memória para Lynsey - ou a falta de - é um problema que acompanhamos já no começo de sua jornada, quando ela é acompanhada pela gentilíssima cuidadora Sharon (Jayne Houdyshell). E conseguir lembrar do passado talvez possa ser a motivação (ou a passagem) que falte para que novas memórias sejam formadas. E para que, enfim, se possa seguir.

Nota: 7,0

 

 

Pérolas da Netflix - A Fera do Mar (The Sea Beast)

De: Chris Williams. Com Zaris-Angel Hator, Karl Urban e Jared Harris. Animação / Aventura, EUA, 2022, 119 minutos.

Devo admitir a vocês que só fui prestar atenção nesse A Fera do Mar (The Sea Beast) depois da indicação ao Oscar na categoria Animação e, que grata surpresa! Trata-se de uma obra carismática, bonita e que transmite uma mensagem de tom pacifista e de preservação do meio ambiente, de forma a subverter um pouco a lógica da clássica narrativa da "jornada do herói" (algo que nos acostumamos a ver também em desenhos). Não significa, ao cabo, que não haja heroísmo aqui e sim evidenciar que a bravura ou a coragem pode ter muito mais a ver com confrontar sistemas que se perpetuam do que simplesmente lutar uma batalha física, sangrenta - de armas, canhões, espadas e outros. Ok, eu sei que o ideal de filmes mostrando que a guerra é péssima não chega a ser exatamente uma novidade. Mas em tempos tão brutos como os que vivemos, martelar essas ideias parece ser algo cada vez mais necessário. Ainda mais quando o assunto são os pequenos e a maneira como estamos criando essa geração que será a próxima.

A arte, afinal, humaniza. Nos faz pensar, refletir. E, quanto antes isso acontecer, melhor. Então fica aqui o aceno positivo à essa nomeação que fez o filme de Chris Williams (um dos diretores do divertido Operação Big Hero) - que, aliás, está disponível na Netflix - ser uma espécie de convidado de última hora à maior premiação do cinema. A trama nos joga pra uma Era - não se sabe exatamente qual - em que os humanos convivem com feras aterrorizantes que vagam pelos mares. Caçar esses monstros significa ser celebrado e respeitado não apenas pelos imperadores, mas também pelo povo - como é o caso do lendário Jacob Holland (Karl Urban) que é tipo um braço direito do Capitão Crown (Jared Harris) em suas jornadas. Tudo corre mais ou menos de acordo com o script até o dia em que a dupla sai para a caçada de uma enorme e perigosa baleia vermelha - ocasião em que se deparam com a inesperada presença da órfã Maisie Brumble (Zaris-Angel Hator) no convés. Cheia de personalidade, a intrusa pretende participar das aventuras.

Maisie, assim como muitos outros pequenos é uma órfã que, justamente, perdeu seus pais quando estes envolviam-se em uma caçada em alto-mar. De posse de livros que relatam essas jornadas cheias de heroísmo e glórias - sempre narradas de forma bastante laudatória por seus autores -, a jovem acredita ter a predisposição para a batalha em seu DNA. E se para Jacob já não bastassem os desafios do mar em si, agora ele também precisará cuidar de Maisie e, bom, não é preciso ser nenhum adivinho pra saber que dali sairá uma inusitada amizade. Especialmente depois que a dupla for "capturada" pela grande baleia vermelha, sendo conduzida até a ilha em que mora com outras feras marítimas. E será nessa hora que a pequena passará a perceber que a história que é contada por seus antepassados, talvez não seja exatamente como ela imaginava. O que envolverá uma sequência de cenas comoventes de interação entre Maisie, Jacob e o monstrengo gigante (difícil não se emocionar na parte das flechas, por exemplo).

Tecnicamente soberba, a animação aborda temas como empatia, quebras de paradigmas e até enfrentamento a sistemas autoritários de forma sutil, sem fazer parecer que estamos diante de um simples panfleto. Alternando momentos comoventes, com outros mais engraçados - aliás, a gente acaba rindo de instantes meio inusitados, como na parte do primeiro encontro entre o trio já embaixo da água (um momento paralisante para todos, com ótimo uso da fotografia e da trilha sonora), ou mesmo no momento em que Jacob sofre em meio a uma singela pescaria - o filme não deixa a ação de lado, ainda que, lá adiante, faça pensar sobre o absurdo de uma guerra que provavelmente não terá fim. Bonita, respeitosa e inteligente, a obra ainda brilha na subversão da lógica do papel do vilão - e de como aqueles que são doutrinados por certos tipos de política tendem a ser as grandes vítimas em determinados cenários. Aquecimento global, pandemia, extremismo de direita. Sim, sei que talvez esteja avançando para além da análise de uma simples animação. Mas a chave aqui é confrontar a ignorância: o que essa obra faz de forma divertida, consistente e de forma a agradar adultos e crianças.

Pitaquinho Muscal - Lucas Santtana (O Paraíso)

Quem acompanha a carreira de perto a carreira do baiano Lucas Santtana sabe que a versatilidade de sua música não está relacionada apenas à estilos - que saltam da bossa nova ao pop solar, com uma escala na sem concessões "MPB de novela" -, mas também às letras, invariavelmente atentas ao que acontece ao redor. Sim, aqui e ali ele pode até falar de amor ou investir em dilemas mais cotidianos, com seu violão cru sempre à tiracolo. Ainda assim, ele parece incapaz de ficar alheio à temas relevantes, sejam eles políticos, sociais, culturais - como no caso do recente O Céu É Velho Há Muito Tempo (2019), uma pequena joia musical que, por trás das melodias harmoniosas e sutis, escondia uma visceralidade cheia de potência na crítica à extrema direita brasileira. O que era comprovado por canções de títulos autoexplicativos, tipo Brasil Patriota ou a absurdamente sublime Um Professor Está Falando com Você.

Já em O Paraíso, seu nono disco de estúdio, o debate margeia o aquecimento global, as crises relacionadas ao meio ambiente e a importância de uma maior conscientização a respeito do assunto. O resultado é uma coleção de canções mais movimentadas que as do trabalho anterior, com o acréscimo de percussões, sopros e sintetizadores solares que, ainda que preservem a homogeneidade, também mantém a rotação mais em alta. Elegante e onírico, lírico e contemplativo, o registro parece querer redefinir o conceito de Paraíso, utilizando a própria Terra como metáfora para esse espaço idílico. Um bom exemplo dessa beleza diversificada pode ser observada na singela Vamos Ficar na Terra (Ô Ninha, vamo ficar na Terra / Aqui dá pra plantar e o que se colhe come / Pra matar a sede, bebe água na fonte / Tem rio e cachoeira pra tomar um banhozinho). Atualmente morando em Paris, o artista parece ter a sua percepção aguçada por essa estada na Europa, indo no limite entre a doçura e a crueza, como no caso da inacreditavelmente linda La Biosphère. É um discaço que, certamente, já salta na frente entre os melhores do ano.

Nota: 9,0

Cinema - Holy Spider

De: Ali Abbasi. Com Zar Amir Ebrahimi e Mehdi Bajestani. Drama / Suspense, Dinamarca / Alemanha / França / Suécia, 2022, 115 minutos.

Vamos combinar que nos últimos anos a gente cansou de ouvir os representantes de extrema direita do País afirmarem que estavam em uma "cruzada do bem contra o mal". Embalados em uma aura supostamente sacra - o que envolveu um verdadeiro aparato religioso de templos evangélicos, pastores, bíblias e cantores de música gospel - os bolsonaristas investiram-se da suposta missão divina de extirpar do País a demoníaca ala de esquerda do Brasil. A mistura de fanatismo religioso e pânico moral retroalimentados por fake news, se consolidaria como uma das principais estratégias dos grupos conservadores no sentido de tentar moldar uma sociedade que estivesse de acordo com suas crenças. Qualquer desvio de rota que não fosse representativo dos valores da família tradicional, ou que significasse um mínimo de pluralidade, de diversidade, já seria o suficiente para o recrudescimento de discursos de ódio, de preconceitos, de intolerância. Estado laico? Nada disso, o mito sempre dizia que as "minorias deviam se curvar às maiorias". O tipo de radicalização que, evidentemente, encontrava eco entre os fanáticos.

Sim, a gente sabe que o Irã não é o Brasil - e que lá a obstinação religiosa pode ter desdobramentos ainda mais controversos (pra dizer o mínimo). Como costumo dizer, o problema dos fiéis não é crença em si e sim o fã-clube. Aquela capacidade de levar até o limite os seus dogmas, na tentativa de tentar impor a todo custo a sua religião - o que envolve desde marginalização de outras crenças (no Brasil, especialmente as de matriz africana), intervenção da esfera religiosa na discussão de políticas públicas (como no caso do aborto ou da bizarra tentativa de implantação de uma Escola Sem Partido) e oposição à minorias ou a grupos marginalizados. Isso sem falar nos casos de corrupção que essa equação é capaz de gerar - como no episódio que envolveu o Ministério da Educação (e a pateticamente institucionalizada propina em barras de ouro). Em meio a tudo isso entra ainda o discurso moralista, de restabelecimento de algum tipo de ordem e de salvação contra os pecados - e é aqui que entra, finalmente, o filme que é objeto dessa resenha, no caso o assombroso Holy Spider, que está em cartaz nas salas de cinema do País e que foi o enviado da Dinamarca ao Oscar (chegou até a short list).

Na trama dirigida por Ali Abbasi - do desconfortável e excêntrico Border (2018) - acompanhamos a história inspirada em eventos reais do assassino em série Saeed (Mehdi Bajestani) que sob a desculpa de "limpar as ruas da decadência", estrangulou 16 prostitutas na sagrada cidade iraniana de Mashhad. Acreditando estar fazendo o certo - sob as bençãos de Alá - Saeed vive uma vida doméstica convencional, enquanto trabalha no dia a dia na construção civil. Mas é no turno da noite que ele se converte naquele que se tornaria conhecido como Assassino Aranha - alcunha dada por conta do método utilizado por ele (o que envolvia atrair as vítimas para o seu próprio apartamento, enquanto a esposa e os três filhos estavam ausentes). As autoridades não parecem estar lá muito interessadas em resolver efetivamente o caso - a ordem é ignorar crimes ligados à religião. Situação que só será alterada com a obstinada jornalista Areez (Zar Amir Ebrahimi, que venceu o prêmio de Atriz no Festival de Cannes desse ano), que chega de Teerã determinada a investigar mais de perto os violentos crimes.

É claro que a tarefa não será fácil - e o machismo que ainda ronda certos países mais conservadores é evidenciado já na chegada de Areez ao hotel que, sem ter um marido a tiracolo, quase é impedida de fazer o check in no local. E será nesses pequenos instantes que Abbasi reforçará suas ideias - seja na violência que poderá ser não apenas física mas psicológica ou mesmo no descaso da polícia. Em um dos melhores diálogos, por exemplo, o investigador da polícia afirma que o trabalho da jornalista é o de "informar as pessoas e não assustá-las, de não perturbar a opinião pública". Ao que ela responde que ela não precisa assustar a sociedade: "ela já está assustada". Aliás, qualquer semelhança com o Brasil da pandemia talvez não seja coincidência. Com ótima trilha sonora e fotografia que reforça o caráter claustrofóbico de noite mais escura que a noite, o filme ainda apresenta uma ou outra surpresa, com direito a uma conclusão pouco otimista e que talvez explique, ao menos em partes, esse ressurgimento ocasional de políticas extremistas.

Sem romantizar excessivamente o assassino - o tipo de crítica que envolve outros programas de true crime -, a obra mostra que o fascismo, a misoginia e o preconceito podem estar muito mais próximos do que imaginamos (e vai saber dos segredos daquele simpático vizinho idoso que frequenta a missa todos os domingos e que diz que vota no Bolsonaro "contra tudo que está aí, né?"). Sim, pode parecer exagero de minha parte comparar um serial killer com os extremistas de direita que circulam livremente pelas esquinas de nosso País. Mas em um cenário em que um torturador é tido como herói por uma fatia bem grande da sociedade, não é de se duvidar de nada. "Ninguém vê nada em uma noite tão escura" argumenta Saeed enquanto conduz mais uma de suas vítimas ao covil. Talvez o problema seja esse mesmo: se ocorrer um genocídio de crianças indígenas na frente do "cidadão de bem", ele é capaz de fechar os olhos e fingir que não viu. Mas experimenta falar em aborto. Ou mesmo possibilitar às mulheres a decisão sobre o que fazer com que seus próprios corpos. É a hora que a "aranha" arma a sua teia.

Nota: 9,0

Treze Considerações Sobre os Indicados ao Oscar 2023

A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas revelou na manhã desta terça-feira (24/01) os indicados ao Oscar 2023. A cerimônia está marcada para o próximo dia 12 de março - o que abre uma boa janela para que consigamos nos atualizar sobre os principais lembrados. Como de praxe aqui no Picanha, a gente faz uma listinha com Treze Considerações sobre os indicados, destacando ausências sentidas, esnobes, surpresas e outros.

1) Em primeiro lugar a satisfação em ver dois filmes maravilhosos como Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e Nada de Novo no Front sendo lembrados com onze e nove nominações respectivamente - em uma campanha que ganhou força na reta final e retirou outras obras, como Os Fabelmans, de um certo favoritismo. É claro que Os Banshees de Inisherin também chega forte, já que também teve nove indicações. Mas em geral isso nos faz perceber que, para além do investimento em campanha, na atualidade, é preciso que o filme também seja muito bom. É meio que o efeito Parasita que segue reverberando.

 

2) Ainda na categoria principal, devo admitir que gostei demais de ver o ainda inédito Triangle os Sadness entre os lembrados - ainda não vi a obra, mas como sou um grande fã do trabalho de Ruben Östlund, tenho absoluta certeza de que vou gostar (aliás, resenha por aqui assim que o filme estiver disponível). Achei meio surpreendente a presença de Entre Mulheres na categoria principal já que o filme da Sarah Polley perdeu força na reta final. Há quem ache que valeria a pena dar esse tipo de visibilidade para Pinóquio de Guillermo Del Toro, por exemplo. Ou mesmo A Baleia. Enfim, enfim...

3) Sobre perda de força, filmes que foram muito comentados nas prévias, como Império da Luz, Babylon, Amsterdam, Ela Disse, The Son e Até os Ossos foram perdendo espaço para outros, conforme a temporada avançava. A grande maioria desses filmes em ainda não assisti para dar o veredicto. Mas como dizem alguns críticos para alguns filmes seria melhor não estrear: aí a campanha poderia permanecer em alta. E ninguém teria chance de ver a bomba que é!

4) Falando em bomba, sinceramente, dada a repercussão negativa de Blonde, me recusei a assistir as quase três horas do filme da Netflix - que ontem foi "agraciado" com oito indicações para o Framboesa de Ouro, aquela brincadeira que sempre dá visibilidade as piores produções da temporada. Ainda assim, a Ana de Armas foi lembrada na categoria Atriz. Ela fez um trabalho melhor que a Viola Davis por A Mulher Rei? Ou que a Danielle Deadwyler por Till? Oscar so white de novo? Ou não? Bom, fica para a polêmica. O Blonde tá anotado aqui: se sobrar tempo ainda assisto antes da noite derradeira do Oscar.

5) Ainda nas categorias de atuação, gostei demais da lembrança de Paul Mescal como ator pelo comovente Aftersun - ainda que isso talvez tenha significado deixar o Tom Cruise de fora. E ainda sobre surpresas, creio que nenhuma tenha sido mais absurda (positivamente?) do que a lembrança de Andrea Riseborough pelo alternativo To Leslie. A campanha parece ter sido modesta, envolvendo menos estúdio e mais pessoas, o que chega a alterar um pouco a lógica do "o dinheiro é que manda" To Leslie ainda não estreou por aqui, mas devo dizer que essa nominação aumentou consideravelmente a curiosidade. 

 

6) E o Brendan Fraser? Será que vence em sua primeira nominação da história?

7) Importante comentar: havia a chance, mas nenhuma das duas produções brasileiras que figuravam nas short lists foram lembradas - nem Sideral de Carlos Segundo, na categoria Curta-Metragem, nem O Território, coprodução entre Brasil, Estados Unidos e Dinamarca, que corria por fora na categoria Documentário. Mais uma vez assistiremos a maior premiação do cinema de "fora", sem chance alguma. Ao passo que os nossos hermanos chegam bem cotados pelo excelente Argentina, 1985 que, não custa sonhar, pode tirar a vitória de Nada de Novo no Front na categoria Filme em Língua Estrangeira.

8) Aliás, sobre a categoria Filme em Língua Estrangeira, aqui talvez esteja o maior esnobe de todos: no caso o do coreano Decision to Leave. Bom para o singelo A Menina Silenciosa, que acabou abocanhando a vaga. Havia uma forte especulação na mesma categoria sobre a presença do badalado Bardo: Falsa Crônica de Algumas Verdades. Mas também ficou de fora.

9) Sobre a categoria documentário é até meio normal haver surpresas: agora, jamais poderia imaginar Moonage Daydream de fora. Uma baita - e inesperada - surpresa.

 

10) Em Fotografia também foi meio inesperada a ausência de Top Gun: Maverick que, em algumas bolsas de apostas era dada como presença certa. Aqui rolou um prêmio de consolação pra Bardo: Falsa Crônica de Algumas Verdades e Império da Luz - este último fotografado por Roger Deakins (o que é sempre um diferencial).

11) E o Brian Tyree Henry lembrado na categoria Ator Coadjuvante? Acho que nem o maior fã do filme Passagem poderia esperar tamanha surpresa.

12) Muito se falou sobre a canção original do Pinóquio de Guillermo Del Toro, Ciao Papa, que acabou de fora da lista final. Mas a disputa entre Lady Gaga (Top Gun: Maverick) e Rihanna (Pantera Negra: Wakanda Para Sempre) deve dar o que falar.

13) Havia comentaristas, como o ótimo Dalenogare, que acreditavam que o Treze Vidas: O Resgate, da Amazon, poderiam aparecer em alguma das categorias - inclusive de Filme. Se havia essa possibilidade, o resultado, com nenhuma indicação pode ser considerado apenas um fiasco. Que só confirma a dificuldades da Amazon na hora de fazer campanha.

Indicados

Melhor Filme

   Nada de Novo no Front
   Avatar: O Caminho da Água
   Os Banshees de Inisherin
   Elvis
   Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo
   Os Fabelmans
   Tár
   Top Gun: Maverick
   Triângulo da Tristeza
   Entre Mulheres

Melhor Ator

    Austin Butler (Elvis)
    Colin Farrell (Os Banshees de Inisherin)
    Brendan Fraser (A Baleia)
    Paul Mescal (Aftersun)
    Bill Nighy (Living)

Melhor Atriz

    Cate Blanchett (Tár)
    Ana de Armas (Blonde)
    Andrea Riseborough (To Leslie)
    Michelle Williams (Os Fabelmans)
    Michelle Yeoh (Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo)

Melhor Atriz Coadjuvante

    Angela Bassett (Pantera Negra: Wakanda Para Sempre)
    Hong Chau (A Baleia)
    Kerry Condon (Os Banshees de Inisherin)
    Jamie Lee Curtis (Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo)
    Stephanie Hsu (Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo)

Melhor Ator Coadjuvante

    Brendan Gleeson (Os Banshees de Inisherin)
    Brian Tyree Henry (Passagem)
    Judd Hirsch (Os Fabelmans)
    Barry Keoghan (Os Banshees de Inisherin)
    Ke Huy Quan (Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo)

Melhor Direção

    Martin McDonagh (Os Banshees de Inisherin)
    Daniel Kwan e Daniel Scheinert (Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo)
    Steven Spielberg (Os Fabelmans)
    Todd Reid (Tár)
    Ruben Ostlund (Triângulo da Tristeza)

Melhor Animação

    Pinóquio por Guillermo del Toro
    Marcel the Shell with Shoes On
    Gato de Botas 2: O Último Pedido
    A Fera do Mar
    Red: Crescer é uma Fera

Melhor Curta Animado

    The Boy, The Mole, The Fox and the Horse
    The Flying Sailor
    Ice Merchants
    My Year of Dicks
    An Ostrich Told Me The World is Fake and I Think I Believed It

Melhor Roteiro Original

    Os Banshees de Inisherin
    Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo
    Os Fabelmans
    Tár
    Triângulo da Tristeza

Melhor Roteiro Adaptado

    Nada de Novo no Front
    Glass Onion: Um Mistério Knives Out
    Living
    Top Gun: Maverick
    Entre Mulheres

Melhor Curta em Live-Action

    An Irish Goodbye
    Ivalu
    Le Pupille
    Night Ride
    The Red Suitcase

Melhor Design de Produção

    Nada de Novo no Front
    Avatar: O Caminho da Água
    Babilônia
    Elvis
    Os Fabelmans

Melhor Figurino

    Babilônia
    Pantera Negra: Wakanda Para Sempre
    Elvis
    Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo
    Sra. Harris vai a Paris

Melhor Documentário

    All That Breathes
    All the Beauty and the Bloodshed
    Fire of Love
    A House Made of Splinters
    Navalny

Melhor Documentário em Curta-Metragem

    The Elephant Whisperers
    Haulout
    How Do You Measure a Year?
    The Martha Mitchell Effect
    Stranger at the Gate

Melhor Som

    Nada de Novo no Front
    Avatar: O Caminho da Água
    Batman
    Elvis
    Top Gun: Maverick

Melhor Direção de Fotografia

    Nada de Novo no Front
    Bardo, Falsa Crônica de Algumas Verdades
    Elvis
    Império da Luz
    Tár

Melhor Edição

    Os Banshees de Inisherin
    Elvis
    Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo
    Tár
    Top Gun: Maverick

Melhores Efeitos Visuais

    Nada de Novo no Front
    Avatar: O Caminho da Água
    Batman
    Pantera Negra: Wakanda Para Sempre
    Top Gun: Maverick

Melhor Maquiagem

    Nada de Novo no Front
    Batman
    Pantera Negra: Wakanda Para Sempre
    Elvis
    A Baleia

Melhor Filme Internacional

    Nada de Novo no Front (Alemanha)
    Argentina, 1985 (Argentina)
    Close (Bélgica)
    EO (Polônia)
    The Quiet Girl (Irlanda)

Melhor Trilha Sonora Original

    Nada de Novo no Front
    Babilônia
    Os Banshees de Inisherin
    Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo
    Os Fabelmans

Melhor Canção Original

    Diane Warren – “Applause” (Tell It Like a Woman)
    Lady Gaga – “Hold My Hand” (Top Gun: Maverick)
    Rihanna – “Lift Me Up” (Pantera Negra: Wakanda Para Sempre)
    M.M. Keeravaani e Chadrabose – “Naatu Naatu” (RRR)
    Ryan Lott, David Byrne, Mitski – “This Is a Life” (Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo)

Cinemúsica - Filadélfia (Philadelphia)

De: Jonathan Demme. Com Tom Hanks, Denzel Washington, Antonio Banderas, Mary Steenburgen e Jason Robards. Drama, EUA, 1993, 126 minutos.

"I was bruised and battered and I couldn't tell what I felt / I was unrecognizable to myself" / I saw my reflection in a window I didn't know my own face" (Streets of Philadelphia - Bruce Springsteen)

Vamos combinar que basta ouvir os primeiros acordes da melodia de Streets of Philadelphia, de Bruce Springsteen, para que a nossa memória seja invadida por imagens de Filadélfia (Philadelphia), filme estrelado por Tom Hanks e Denzel Washington. Assim como já aconteceu em outras ocasiões - seja com Mrs. Robinson, cantada pela dupla Simon & Garfunkel em A Primeira Noite de Um Homem (1967) ou Everybody's Talkin' interpretada por Harry Nilsson em Perdidos na Noite (1969) -, o fato é que aqui canção e filme se misturam, sendo quase impossível dissociar uma da outra. As ruas da Philadelphia estão lá enquanto a nossa mente vaga pelas suas esquinas, ruas, bairros, cheias de pessoas com suas vidas, rotinas e... preconceitos. Na obra de Jonathan Demme, que recém saía da consagração máxima por O Silêncio dos Inocentes (1991) - onde passou o rodo no Oscar -, o tema era o vírus da AIDS e as formas de lidar com a doença que, se já não era assim uma novidade no mundo, ainda era fruto de muita discriminação.

Uma revisão na obra nos faz perceber que algumas questões talvez não tenham envelhecido tão bem - especialmente no que diz respeito ao esforço do diretor para tornar a história mais palatável para o público médio (estávamos no começo dos anos 90, afinal). O amor entre Andrew Beckett (Hanks) e seu namorado Miguel (Antonio Banderas), por exemplo, é mostrado de forma bastante discreta, sem excessos. Aliás, não há sequer um beijo mais caloroso entre ambos e, certamente, isso teve a ver com a forma de (tentar) gerar total empatia pelo advogado encarnado de forma bastante apaixonada por Hanks. Gay assumido, ele não enfrenta problemas com a amorosa família. Mas no escritório onde atua, ele é demitido no que parece ser uma manobra orquestrada pelos sócios do local, a partir do momento em que percebem que ele é portador do vírus HIV - o que envolve a sabotagem de importantes documentos de um dos principais clientes da empresa. Desligado por suposta incompetência? Ou preconceito em estado bruto?

Aos trancos e barrancos ele contrata o competente advogado Joe Miller (Denzel Washington) para defendê-lo no caso. Só que o problema é que Miller é tão preconceituoso quanto os demais - e é aqui que está um daqueles clássicos arcos narrativos que envolve relacionamentos que iniciam turbulentos mas que, ao cabo, se convertem em uma grande amizade (e não dá pra negar que segue sendo absolutamente emocionante conferir dois atores do calibre de Hanks e Washington em tela, contracenando juntos). Abordado por Demme com delicadeza e arestas bem aparadas, o tema central se torna objeto de reflexão a respeito do absurdo da intolerância. Explicar para o público que a AIDS não era transmitida com apertos de mão, abraços ou beijos era necessário em uma época de pouca informação. E isso o filme faz de forma comovente, ao abraçar Andy de forma carinhosa - com Hanks "retribuindo" com uma de suas mais impressionantes interpretações da carreira (que lhe daria, com justiça, o seu primeiro Oscar como Ator).

A propósito do Oscar, Streets of Philadelphia, encomendada por Demme a Springsteen, também venceria a premiação máxima do cinema na categoria Canção Original. A canção fez tanto sucesso que se tornaria a mais famosa do compositor americano na Inglaterra. Para o clima ao mesmo tempo melancólico e afetuoso do filme, ela cai como uma luva, o que é complementado pelos versos doloridos e levemente enigmáticos - Eu estava machucado e surrado e eu não poderia dizer o que sentia / Eu estava irreconhecível para mim mesmo / Eu vi meu reflexo numa janela, não conhecia meu próprio rosto. No livro Almanaque da Música Pop no Cinema, do jornalista Rodrigo Rodrigues (que infelizmente faleceu de Covid), ele lembra que a música foi incluída no álbum All Time Greatest Songs, o que dá uma dimensão da sua importância. No auge do CD, o disco incluiria ainda outras gemas pop, como Philadelphia de Neil Young, Lovetown, de Peter Gabriel e uma versão de Have You Ever Seen the Rain?, do Creedence Clearwater Revival, interpretada pelos Spin Doctors. Mas é Streets of Philadelphia que se converteria num verdadeiro símbolo de combate ao preconceito contra pessoas contaminadas pela AIDS. Hoje esse tema parece até superado. Parece, vale lembrar. Mas em 1993, não dá pra negar, foi uma ousadia e tanto.

Cinema - Os Fabelmans (The Fabelmans)

De: Steven Spielberg. Com Gabriel Labelle, Michelle Williams, Paul Dano e Seth Rogen. Drama, EUA, 2022, 151 minutos.

É um filme afetuoso, nostálgico, divertido, leve esse Os Fabelmans (The Fabelmans). Aquele tipo de experiência de fácil digestão, com uma história que servirá perfeitamente para reunir famílias ao redor do mundo para comoventes sessões coletivas. Não dá pra negar que quando Spielberg abraça esse tipo de projeto ele o faz com carinho, trabalhando as sensações de forma minuciosa, até que elas invariavelmente culminam em algum tipo de catarse emotiva. Dito tudo isso, significa que é o melhor trabalho na história do diretor, como o trailer e alguns setores da crítica me levaram a acreditar? Olha, a meu ver não. Não percamos de vista, afinal, que Spielberg é responsável por clássicos atemporais como Tubarão (1975), A Lista de Schindler (1993) e O Resgate do Soldado Ryan (1998) - só pra ficar em alguns. A minha teoria é a de que o que pegou aqui é que já fazia algum tempo que o realizador não lançava algo que fosse meio que unanimidade de público e crítica. Cavalo de Guerra (2011), Lincoln (2012), Ponte de Espiões (2015), The Post: A Guerra Secreta (2017). Todos grandes filmes. Tecnicamente bem feitos, bem costurados, com bons elencos e roteiro. Mas, inesquecíveis? Como foi um Jurassic Park (1993), por exemplo? Um ET: O Extraterrestre (1982)?

E já que eu me meti a teorizar, um outro ponto que pega com Os Fabelmans me parece ser o do filme que recebe o selo de "feito pra toda a família". Todo mundo pode ser sem medo, sem receio, sem surpresas desagradáveis. Condição que se une ainda a um outro modismo, que é o dos diretores que se inspiram em suas próprias trajetórias pra, de forma metalinguística, investir em uma narrativa de paixões e de desejos juvenis - que, lá no fundinho, podem ou não incluir o cinema, as artes, a cultura, a política, o esporte, como no caso dos recentes Belfast (2021), Licorice Pizza (2021) e A Mão de Deus (2021), com Kenneth Branagh, Paul Thomas Anderson e Paolo Sorrentino se valendo de reminiscências que envolvem narrativas repletas de elementos de fácil identificação por parte do público. Dito tudo isso ainda há um último aspecto que, aparentemente, também costuma funcionar bem nesses casos: ao cabo Os Fabelmans é um filme para quem gosta de filme. Para quem ama cinema e tudo o que envolve essa arte. Enquanto acompanhava a história do pequeno Sammy Fabelman (vivido na infância por Mateo Zoryan e na adolescência/juventude por Gabriel Labelle) só conseguia recordar da minha própria experiência com o cinema. Do meu primeiro filme. De quando cai a ficha e dá aquele click na gente.

E esse é o tipo de beleza que jamais poderá ser retirado não apenas deste, mas de qualquer filme do Spielberg, que tem essa capacidade única de fazer com que a gente VIVA um filme - para além de assistir. A trama de Os Fabelmans já é relativamente conhecida e se baseia em memórias de infância do próprio diretor - que se apaixonará pela telona, após assistir com seus carinhos pais Mitzi (Michelle Williams) e Burt (Paul Dano), uma sessão de O Maior Espetáculo da Terra (1952), obra gigantesca de Cécil B. De Mille, que ganharia o Oscar de Melhor Filme naquela temporada (aliás, sob muitos questionamentos, por sinal, dado o caráter megalômano do projeto). Sempre com uma câmera na mão, o pequeno recorrerá às próprias irmãs e aos amigos escoteiros para dar vida a vídeos domésticos que, aos poucos, passarão a chamar a atenção pelo caráter visionário e engenhoso de sua elaboração - a despeito das dúvidas do cartesiano pai, um engenheiro requisitado que viria a trabalhar na IBM e que funciona como uma espécie de oposto à sonhadora e impulsiva mãe, uma pianista que, por conta das vicissitudes da vida, nunca "aconteceu". São dois lados, ambos amorosos, que atuarão como polos que orbitam o pequeno, em meio a dilemas e incertezas domésticas que movimentarão a história, ecoando na vida de todos.

Apostando em uma série de instantes de celebração à arte de fazer filmes - as peças amadoras do pequeno Fabelman surgirão, aqui e ali, recheadas por inacreditáveis improvisos que compensam as dificuldades técnicas (eu particularmente adorei aquela que recria o efeito de balas ricocheteando em um muro) - a obra ainda é uma inspiradora e típica história de persistência e de luta por um ideal. O calor humano está por toda a parte e mesmo momentos mais doloridos são pontuados por uma ambientação etérea, quase elegíaca, como na hora em que Mitzi dança vivamente, enquanto a contraluz faz com que ela surja em cena como uma espécie de assombração onírica, elegante. São momentos de turbulência que nos ajudam a lembrar que, quando o assunto é família, nem tudo são flores. E que sempre haverá a necessidade de se recalcular a rota para que tudo volte para os eixos. Simples, direto, espirituoso, o filme é daqueles vai ao coração, sendo impossível não abrir um sorriso ao final (que conta com uma inacreditavelmente maravilhosa participação especial). Para o Oscar é um dos favoritos à principal categoria. As credenciais são as melhores.

Nota: 8,0

Novidades em Streaming - O Menu (The Menu)

De: Mark Mylod. Com Anya Taylor-Joy, Ralph Fiennes, Nicholas Hoult e John Leguizamo. Comédia / Suspense, EUA, 2022, 107 minutos.

Não vou negar a vocês: assistir a um bando de clientes pomposamente afetados, em um restaurante de luxo tão exclusivo que só comporta doze pessoas, sofrendo nas mãos de um chef excêntrico - que vai no limite entre o vulgar e o genial - é absolutamente catártico! Aliás, a gente está numa fase em que excelentes obras utilizam sua trama, seus roteiros, não apenas para criticar a mesquinharia e a soberba dessa elite tosca que costuma nos rodear - muitas vezes constituída por sujeitos mimados, arrogantes e ignorantes -, mas também para avançar um pouquinho a mais em direção a uma espécie de ideal indenizatório. Mais ou menos como Luis Buñuel faria em clássicos como O Anjo Exterminador (1962). Ou como Ruben Östlund tem feito em toda a sua filmografia - com destaque para o recente e ainda inédito por aqui Triângulo da Tristeza (2022). E o que dizer da inadiável série The White Lotus? Sim, a burguesia - essa burguesia exibicionista e vazia - fede. E aqui está o diretor Mark Mylod (de Succession) e o seu O Menu (The Menu), pra nos lembrar mais um pouquinho disso.

Na trama, um seletíssimo grupo de clientes do carésimo restaurante Hawthorne - daquele tipo que milionários frequentam e que exigem reservas com uma vida de antecipação - se encaminha placidamente para viver uma noite de gastronomia requintada e de excelência, experiência que será proporcionada pelo taciturno e extravagante chef Julian Slowik (Ralph Fiennes, em um papel que ela parece ter nascido para fazer). No grupo de comensais tem de tudo um pouco - de astro de cinema decadente que tenta uma espécie de reposicionamento na carreira (John Leguizamo) e sua assistente (Aimee Carrero), passando por uma crítica gastronômica de nariz empinado (Janet McTeer), que está na companhia do editor da revista que ela trabalha (Paul Adelstein), até chegar no trio de novos ricos da bolsa de valores - aqueles hétero top padrão, que acreditam que o mundo precisa se dobrar a eles pelo simples fato de terem alcançado algum sucesso financeiro. Além deles há ainda um casal de antigos clientes (Judith Light e Reed Birney) que, pelo visto, frequentam o local mesmo sem sentir prazer algum nisso. Eles podem pagar, afinal, mesmo sem saber direito o que estão consumindo.

Mesmo jogando luz de um para outro e indo de mesa em mesa para trazer detalhes da personalidade de cada um desses clientes um tanto pretensiosos, a narrativa centra sua força no casal Margo (a sempre ótima Anya Taylor-Joy) e Tyler (Nicholas Hoult) que, de tão incompatíveis, serão o ponto de partida para a jornada desastrosa que invadirá a madrugada. Margo é aquele tipo de garota de modos simples, que talvez só quisesse bater uma a la minuta ou mesmo um xizão, bebendo um chope e jogando conversa fora. Já Tyler é aquele que sonha em adentrar esse universo, encontrando um significado profundo nas exóticas e nada ortodoxas criações de Slowik. Em um momento, o chef entrega ao grupo apenas um prato com molhos, sem pão, sem massa, sem nada. Há um conceito por trás? Tyler acredita que sim. Se maravilha com aquele projeto alimentar que não entrega nada que não seja apenas afetação e extravagância. Para Margo é um claro sinal de que há algo muito errado. O que só piorará quando o Slowik entregar prosaicas (e personalizadas) tortillas. É divertido e bizarro. Aterrorizante, mas sutil. Histriônico, mas libertador.

Ao cabo é aquele tipo de obra difícil de resumir, mas que se alinha por exemplo a Glass Onion: Um Mistério Knives Out (2022) na mescla de comédia com terror, à moda dos livros de Agatha Christie. Não há assim uma grande profundidade na análise, que não seja a de colocar o dedo na ferida do comportamento patético da aristocracia, que não se furta a consumir alimentos exóticos e de alto valor agregado, não se preocupando muito com o quanto estão gastando, ao mesmo tempo em que milhares de pessoas no mundo passam fome. É mais ou menos como a polêmica dos jogadores da seleção brasileira comendo carne banhada a ouro durante a Copa. Ou mesmo o caso do restaurante que virou meme ao ofertar a inusitada (e porca) experiência gastronômica de consumir calda de chocolate com as mãos lambuzadas pelo doce. E ainda pagando elevados valores. Há algo ilegal nisso tudo? Provavelmente não. Imoral? Talvez. O que nos resta? Se divertir vendo um chef alucinado levando esses conceitos da alta gastronomia ao limite do aceitável misturando terra, rocha, água, fungos, algas, frutos do mar, vida, sangue, fluídos e morte. Arte. Complexa. E saborosa ao extremo.

Nota: 8,5

 

Tesouros Cinéfilos - Reunião (Mass)

De: Fran Kranz. Com Ann Dowd, Jason Isaacs, Martha Plimpton e Reed Birney. Drama, EUA, 2021, 110 minutos.

Pesquisa feita pela organização Everytown for Gun Safety apresenta um dado alarmante: o número de tiroteios em escolas dos Estados Unidos é o maior dos últimos dez anos - foram 193 no recente ano letivo. Cento e noventa e três pessoas saíram de suas casas num dia qualquer, para abrir fogo contra colegas, amigos, estudantes - por motivações variadas, que vão de bullying sofrido, proximidade com grupos extremistas (especialmente os de direita) e sensação de isolamento. A mesma entidade afirma ainda que quatro milhões e seiscentas mil crianças nos Estados Unidos vivem em casas onde há uma arma carregada e de acesso fácil. A organização quer leis que determinem que a arma fique longe do alcance das crianças. E também recomenda a prestação de apoio psicológico porque, na maioria dos casos, o atirador dá sinais de que poderia agir de forma violenta. Mas os sinais nem sempre são fáceis de interpretar - o que preocupa famílias e especialistas no assunto.

Acidentes domésticos, brigas, suicídios - pesquisadores acreditam que o crescimento exponencial de mortes em tiroteios está diretamente relacionado aos recordes de compras de armas registradas nos últimos anos (e o tipo de política de violência e de morte estimulada não apenas por Donald Trump, mas também por Jair Bolsonaro que, já foi tarde graças à Deus, também não ajuda muito). Aliás, bem vindo o REVOGAÇO. Todo esse preâmbulo que faço aqui é apenas para dizer que o soberbo e pungente Reunião (Mass) - a estreia do diretor Fran Kranz - tem esse tipo de tragédia como pano de fundo. Mas o ângulo da abordagem é bastante diferente daquele a que estamos acostumados: aqui não acompanhamos a rotina dos jovens envolvidos nos episódios ou mesmo os eventos que levam a essa ou aquele atitude extrema. Não há cenas da preparação para o ato, não há tiros sendo disparados ou mesmo uma sequência com gritos, correria, sangue ou polícia chegando. Muito menos um aparato semidocumental à moda Elefante (2003), o filme de Gus Van Sant.

Aqui o centro da narrativa é aqueles que ficam. Pais dos assassinados. E do assassino. E sobre como encontrar forças para continuar, após um evento que alterará a existência deles para sempre. Vingança? Justiça? Quais as possíveis explicações? Os pais do assassino poderiam ter percebido algo de diferente em seu comportamento? Poderiam ter sido mais incisivos na tentativa de evitar a desgraça? Havia algum indício de distúrbio mental? De ímpeto destrutivo? Os jogos de videogame mais violentos tem algum papel nisso? E a criação excessivamente católica, envolvendo culpa constante, medo e repressão também pode ter sido decisiva? É difícil saber. Não há uma resposta definitiva. É um conjunto complexo de variáveis que parecem menos simples do que supõem as motivações políticas, o acesso facilitado à deep web, a paranoia ou as teorias conspiracionistas. Para os pais que tiveram seu filho morto em um evento brutal e absurdo a dor é pior, em dobro, em triplo. Quadruplicada. O que reivindicar? Como ter algum acesso a algum tipo de justiça maior, mais "divina", que vá para além da morte do próprio homicida - que se suicida após abrir fogo contra mais de uma dezena de pessoas aleatórias em uma sala?

Sinceramente, esse é daqueles filmes que não dão muitas respostas, mas nos fazem refletir. Como pais, como adultos, na tentativa de indicar sinais, de dar apoio, de afastar as angústias, os anseios juvenis, os medos, as inseguranças. Na trama, o casal enlutado Jay (Jason Isaacs em excelente caracterização) e Gail (Martha Plimpton) se encontra com Richard (Reed Birney) e Linda (Ann Dowd, em interpretação comovente), para uma espécie de acareação sobre o assunto. O cenário é uma Igreja, com catequistas ensaiando cânticos por todo o lado, imagens de Cristo espalhadas aqui e ali e uma claustrofobia pulsante, que emana de um gabinete fechado que não tem mais do que quinze metros quadrados. Quase duas horas de conversa. De dores, de comoção, de sentimentos que se espalham, de tentativas desesperadas de tentar juntar os cacos onde não parece haver qualquer esperança. Tudo feito com um roteiro bem costurado, cheio de diálogos brilhantes, que convertem a experiência em uma obra íntima e profunda, que nos faz desabar, que nos deixa preocupados, atormentados, chorosos. A explicação pode estar em qualquer canto, mas uma certeza a gente há de ter: quanto mais armas disponíveis, mais possíveis as tragédias se repetirem. Não precisa nem ser especialista para saber disso. E aí não há família, não há professor, não há paróquia que impeça.

 

Pitaquinho Musical - Sara Não Tem Nome (A Situação)

"Pare pra eu descer / Essa viagem já foi longe demais". Repetida como um mantra na marchinha de carnaval Pare, faixa de abertura do álbum A Situação - o segundo da mineira Sara Não Tem Nome e continuação da estreia Ômega III (2015) -, a frase acima funciona como uma espécie de pequeno recorte, que ecoará por todas as curvas do novo trabalho da artista. Lançado apenas uma semana depois dos atos terroristas ocorridos em Brasília, o registro não poderia ter melhor timing, com suas canções que vão no limite entre o deboche e a crítica social, como no caso da imperdível Agora (Será que o mercado vai lavar / Suas mãos invisíveis?). 

 

Apostando na mistura de shoegaze minimalista, com dream pop enfumaçado e folk rock caudaloso, a cantora mescla divagações cotidianas e bastante íntimas que, ao cabo, jogam luz no contexto político, social e cultural de um Brasil caótico, que precisa lidar com o delírio coletivo de uma extrema direita raivosa e completamente descolada da realidade. O resultado são canções de títulos autoexplicativos, como é o caso de Cidadão de Bens, que reflete de maneira exemplar o mundo doente, perverso, hipócrita e falsamente moralista que vivemos (Morto / Por dentro / Sua alma já se foi / Faz tempo / Cidadão de bens / Cidadão de bens). O ano começa da melhor forma possível com um disco que é um petardo que faz a crítica, enquanto sorri cinicamente, de ladinho, pra quem escuta.

Nota: 8,5

Cinema - Decisão de Partir (헤어질 결심)

De: Park Chan-wook. Com Park Hae-il e Tang wei. Drama / Suspense / Romance, Coréia do Sul, 2022, 138 minutos.

Existe uma sequência bastante simbólica - mais uma entre tantas - de Decisão de Partir (헤어질 결심) que, instantaneamente, se tornaria uma das minhas preferidas do mais recente filme de Park Chan-wook. Nela, o detetive Jang Hae-joon (Park Hae-il) reconstrói o trajeto que, ele supõe, possa ter sido percorrido até a ocorrência de um assassinato - o que envolve a escalada de um rochedo bastante íngreme. Em certa altura ele atinge um local conhecido como Pico do Óleo, um espaldar bastante liso, que o faz escorregar, quase cair. Como uma espécie de Sísifo do Oriente ele persiste, resvalando aqui, avançando ali. Tal qual o personagem do ensaio clássico escrito pelo existencialista Albert Camus, ele pretende encontrar algum sentido - nesse caso, em um crime sem solução. Mas, ao cabo, parece se deparar apenas com um ambiente desconexo, sem lógica. A escorregada metafórica talvez demore para servir de evidência para algo que parece estar sendo esfregado desde o começo em sua cara. E talvez essa demora em perceber, faça com que seja tarde demais.

Sim, pode parecer meio filosófico mas, aqui e ali, isso também é parte da experiência dessa obra que foi a enviada da Coreia do Sul para a próxima edição do Oscar e que tem grandes chances de ser uma das finalistas na categoria Filme em Língua Estrangeira (e a conquista do prêmio de Direção no mais recente Festival de Cannes não deixa de ser uma bela credencial). A trama é uma espécie de homenagem a Alfred Hitchcock em um thriller noventista de roteiro fragmentado, montado como se pequenas peças se unissem até formar uma ampla tapeçaria. Como detetive, Hae-joon está intrigado com a morte inesperada do alpinista Ki Do-soo (Seung-mok Yoo) - um sujeito que parece ter bastante experiência com esse tipo de esporte. Ele se atirou? Ou foi empurrado? A principal suspeita recai na misteriosa e enigmática esposa Song Seo-rae (Tang wei). "Quando ele não retorna de suas escaladas penso que ele finalmente possa ter morrido" comenta a jovem no primeiro interrogatório. "Finalmente", sussurra para si próprio o detetive, desconfiando da palavra utilizada.

Os diálogos cheios de ambiguidades se unem ao comportamento excessivamente estoico e, de alguma forma, resignado da viúva. Não bastasse expressar praticamente nenhuma emoção ao saber da morte do próprio marido, ela ainda retorna ao trabalho imediatamente - ela é cuidadora de idosos. "Cuidar de velhos vivos vêm antes de meu marido morto", argumenta. Para Hae-joon é tudo muito estranho, o que faz com que ele monte uma espécie de acampamento no entorno de Seo-rae, espionando à distância sua rotina, sempre munido de um binóculo, tentando reunir algum tipo de prova que, efetivamente, possa incriminá-la. Se aproximando cada dia mais da sua investigada, o detetive vai se enredando em uma trama que parecerá apenas dar voltas em torno do mesmo assunto. Sem muitas novidades no caso, eles vão ampliando a sua intimidade - o que pode ser constatado em instantes que vão no limite entre a apresentação de provas e o flerte, como no momento em que a jovem sobe o seu vestido para mostrar um arranhão que poderia ter sido feito pelo morto (e que poderia ser a evidência de algo).

Sutil mas soberbamente montado, o filme vai sendo construído sem pressa, indo no limite entre o violento e o bem humorado, entre o elegante e o enigmático. Um vestido que parece ser de uma cor, mas é de outra. Um cenário vandalizado sem muita explicação. Uma manteiga de cacau carinhosamente aplicada nos lábios. Uma música cheia de significados que toca repetidamente. O cheiro de cigarro que sai da roupa. Uma frase de Confúcio que parece resumir tudo. De forma inteligente, Chan-wook, assim como já havia feito com os ótimos Oldboy (2003) e A Criada (2016) brinca com as possibilidades técnicas e de narrativa, aproximando e afastando, confundindo e organizando (e o espectador mais desatento pode não simpatizar tanto, por exemplo, com efeitos curiosos como aqueles que colocam o detetive e sua investigada na mesma sala, mesmo quando eles permanecem a distância, separados por paredes ou janelas). É uma forma de reforçar o vínculo afetivo que vai se estabelecendo aos poucos e que poderá ser decisivo na hora de permanecer. Ou partir. Um filmaço.

Nota: 9,0

 

 

Livro do Mês - Diorama (Carol Bensimon)

Em junho de 1988 eu tinha apenas sete anos, mas lembro de forma muito nítida das chamadas do Correio do Povo em letras garrafais, que atualizavam o leitor sobre o famigerado Caso Daudt. Eu ainda era criança para ter a real dimensão os desdobramentos do crime que pararia o Estado - no caso o assassinato do deputado José Antônio Daudt, em circunstâncias jamais esclarecidas. Mas tenho essa recordação. De que era algo sério, impactante. E que permaneceria na memória dos gaúchos - como se fosse um diorama entre o nítido e o abstrato, a recriar aquele acontecimento ocorrido bairro Moinhos de Vento. Em que dois tiros de espingarda foram ouvidos. Aliás, Diorama é também o título do quarto livro da escritora gaúcha Carol Bensimon - e meu primeiro contato com a obra da autora. Por sinal, a representação artística tridimensional, bastante realista, que recria cenas cotidianas para fins de exposição ou entretenimento é a metáfora mais que perfeita para o caso nunca solucionado. Mas que parece assombrar as famílias envolvidas.

Morando há muito tempo nos Estados Unidos, a protagonista do romance, Cecília Matzembacher, é uma taxidermista que trabalha em um museu de história natural restaurando animais. É um ofício meticuloso, minucioso que visa a preservar a memória de espécies diversas a partir da reformulação de seus ecossistemas. Em resumo, trata-se de extrair a pele para reconstruir animais mortos - o que antigamente também se conhecia pelo pelo verbo "empalhar". Em meio a rotina de trabalho ao lado do colega Greg - com quem divaga sobre a vida, cotidiano e amores (a relação de Cecília com o músico Jesse está em crise), ela recebe uma ligação vinda diretamente de Porto Alegre: após um AVC, Raul Matzenbacher, o pai de Cecília está mal de saúde. Só que retornar para a capital gaúcha será revisitar memórias de infância que, 30 anos depois, pareçam presas a um passado distante. Ainda que, como já dito, sigam ainda vivas. Mais ou menos como as corças ou lobos que protagonizam os cenários vibrantes construídos construídos com esmero por Cecília.

Ocorre que, anos atrás, Raul foi acusado de assassinar o deputado e seu colega de bancada no PMDB, José Carlos Satti. Cecília na época tinha nove anos e pouco compreendia daquilo que ocorria no seu entorno - fossem as animadas caçadas no meio do mato no interior de São Gabriel ou mesmo a rotina de convivência com os irmãos Vinícius e Marco, com quem passava os dias entre audições de Echo and the Bunnymen, Depeche Mode e The Cure. Rememorar esse cenário que culminaria no Caso Satti (a adaptação do Caso Daudt) é reencontrar um núcleo familiar esfacelado, que é completado pela mãe Carmen, uma dondoca porto-alegrense que, nos dias de hoje, se orgulha de defender políticos de extrema direita em uma luta abstrata contra o comunismo. Aliás, Carmen pode ser a chave para a motivação do crime, já que, encorajado pelo ciúme - não apenas da mulher, mas dos ideias políticos progressistas e oxigenados de Satti - Raul pode ter se sentido impelido à violência extrema. Ou não?

Repleto de ambiguidades e de idas e vindas, Bensimon constroi seu livro com uma prosa saborosa que discute, nas entrelinhas, temas como o homossexualismo em uma região conservadora, a preservação da camada de ozônio (uma novidade nos agora distantes anos 80) e mesmo a espetacularização de casos de violência. Em uma rima direta com os dioramas em si - e a possibilidade de permitir uma viagem nostálgica a partir desse tipo de montagem -, a autora refaz acontecimentos do passado, juntando uma e outra peça, na tentativa de esclarecer o real envolvimento de seu pai no crime. Uma tarefa complexa que envolve uma família disfuncional e um crime que se entrelaça com o universo dos amimais empalhados. "Em Diorama, os Matzenbacher são um retrato [...] dos valores tortos de 'defesa da família' tentando justificar um ato de violência. Ao fim e ao cabo, ficará evidente que o mal que a família causa é muito maior do aquele que supostamente está do lado de fora", comentou a escritora em entrevista ao Estado de Minas, explicando como esse tipo de violência encontra eco na atualidade. 

Tesouros Cinéfilos - A Menina Silenciosa (An Cailín Ciúin)

De: Colm Bairéad. Com Catherine Clinch, Carrie Crowley, Andrew Bennet e Michael Patric. Drama, Irlanda, 2022, 96 minutos.

Em tempos de tanta brutalidade e violência como os que vivemos, devo confessar que me fez muito bem assistir a uma obra tão afetuosa e gentil como este A Menina Silenciosa (An Cailín Ciúin) - enviada da Irlanda à próxima edição do Oscar e que está entre as 15 da short list na categoria Filme em Língua Estrangeira. Aliás, esse é o tipo de produção que renova um pouco a esperança na humanidade, nos fazendo refletir sobre a importância da gentileza como um caminho para nos livrar do ódio. Na trama, somos apresentados à jovem Cáit (Catherine Clinch), menina de olhos curiosos e observadores, que parece muito mais acostumada a ouvir do que falar. O que talvez possa ser explicado pela existência em meio a turbulência de uma família numerosa, chefiada por um pai negligente e abusivo (Michael Patric) e por uma mãe estressada e aflita (Kate Mic Chonaonaigh) - que está novamente grávida e não parece saber direito como agir em meio a um cenário doméstico de caos generalizado.

E, como uma forma de tentar desafogar a casa na iminência da chegada de um novo filho, Cáit é enviada, compulsoriamente, para a casa da prima da mãe - uma carismática e elegante senhora de nome Eibhlín (Carrie Crowley) que, ao lado do taciturno marido Séan (Andrew Bennet), toca uma propriedade de produção de leite. E não demora para que a cautela inicial da pequena, evidenciada pelo seu olhar sempre amplo, ainda que tímido, vá dando lugar à confiança conforme os dias passam naquele verão do começo dos anos 80. De forma hábil, o diretor estreante Colm Bairéad pontua os contrastes entre ambas as casas, mostrando a importância do acolhimento como alternativa para a efetivação da convivência pacífica. Com fala mansa e absolutamente segura, Eibhlín passa a conduzir a educação de Cáit, estimulando sua independência e demonstrando um tipo de amor que simplesmente não existe no ambiente doméstico de sua família de sangue.

E, nesse sentido, não deixará de ser divertido ver como Cáit se sentirá mais à vontade para conversar com seus pais "emprestados" - as interações com Séan chegam a ser engraçadas em alguma medida. O que não significará, ainda, que os adultos permanecerão alheios aos componentes educacionais da criação da menina - e a sequência em que Séan mostra contrariedade com uma atitude da jovem para, em seguida, mostrar como ele lhe tem amor, são apenas comoventes, como comprovará o momento que envolve um singelo biscoito posto sobre uma mesa. Sem pressa, com uma fluidez lenta, evocativa, a obra brilha justamente nesses pequenos instantes íntimos de interação - seja no cabelo penteado carinhosamente ou nos esforços em se mostrar útil na hora de limpar a sala de ordenha, uma contrapartida da pequena. Como uma espécie de Anne With An E em forma de filme, aqui temos uma relação que vai se fortalecendo aos poucos, com o espectador sendo cúmplice de descobertas, acontecimentos, revelações e memórias.

Significa que tudo está as mil maravilhas? Não, e os traumas do passado que envolvem o casal anfitrião de Cáit serão descortinados de maneira espaçada, por meio de pequenas pílulas, que permitirão ao espectador, aos poucos, compreender quais as dores que eles carregam. É tudo bastante sutil, o que envolve soluções engenhosas do roteiro, que vão desde a existência de um pai negligente que esquece de entregar a mala da própria filha (efeito de uma bebedeira) ou mesmo a presença de uma vizinha excessivamente tagarela, que dá com a língua nos dentes revelando verdades inesperadas. Só que a base da relação de todos ali será a confiança. A compreensão. O calor humano. A maneira pacífica de encarar as agruras da vida. "Muitas pessoas perdem a oportunidade de não dizer nada", comenta Séan em um momento de digressão. Aqui o silêncio impera, há um tom evocativo no todo, de sutilezas, de economia. O que não significa, ao cabo, dizer pouco.

Na Espera - Beau Is Afraid (Filme)

O pessoal está bastante animado com o combo de A24, Ari Aster e Joaquin Phoenix. E não é para menos, já que a expectativa para Beau Is Afraid, novo filme do diretor de Hereditário (2018) e Midsommar: O Mal Não Espera a Noite (2019), é alta - sendo ampliada pela divulgação do trailer divertido e melancolicamente excêntrico nesta terça-feira (10/01). A sinopse oficial da obra - ainda sem data de estreia no Brasil - fala sobre "um homem paranoico de meia idade que embarca em uma jornada épica de retorno para casa para tentar encontrar a sua mãe".

No material de divulgação também é mencionada a ousadia "engenhosamente depravada" do roteiro, que é mantido em segredo pelos realizadores. Além de Phoenix, o elenco do filme também conta com Parker Posey, Amy Ryan, Richard Kind, Kylie Rogers, Patti LuPone e Nathan Lane, entre outros. O ano mal começou e esta já se consolida como uma das mais aguardadas produções do ano!

Novidades em Streaming - Glass Onion: Um Mistério Knives Out (Glass Onion: A Knives Out Mistery)

De: Rian Johnson. Com Daniel Craig, Janelle Monáe, Edward Norton, Kate Hudson, Kathryn Hahn e Dave Bautista. Comédia / Policial, EUA, 140 minutos.

Acho que o segredo pra se divertir com Glass Onion: Um Mistério Knives Out (Glass Onion: A Knives Out Mistery) é reduzir ao máximo as expectativas. Foi com esse espírito que fui conferir essa continuação de Entre Facas e Segredos (2019) - que está disponível na Netflix. E foi assim que consegui me entreter durante pouco mais de duas horas. Por que, afinal, o que a gente espera de um filme que mistura suspense e comédia (nesse caso, mais comédia do que suspense)? Dar algumas risadas? Ser surpreendido? É isso. E tudo começa pelo elenco absurdamente carismático - e não dá pra não ficar envolvido acompanhando Edward Norton na pele de um magnata da área da tecnologia, Kate Hudson como uma influencer do mundo da moda, Kathryn Hahn encarnando uma política da ala progressista, Leslie Odom Jr. como um cientista meio picareta ou Dave Bautista, que interpreta um sujeito famoso na plataforma twitch por seus vídeos equivocados e machistas - mas que atraem uma horda de fãs. Todos ali são amigos e estão entre os convidados de Miles Brown (Norton) para um final de semana em uma ilha paradisíaca grega, da qual é proprietário.

E o começo do filme não poderia ser mais divertido, com Birdie Jay (Hudson), Claire DeBella (Hahn), Lionel Toussaint (Odom Jr.) e Duke Cody (Bautista), recebendo um enigmático estereograma - um baú com uma ilusão de ótima que, quando destravada, possibilitará aos destinatários acessar oficialmente o convite de Miles. Miles, pelo visto, é um fã de charadas, de adivinhações e de quebra-cabeças misteriosos e tem o hábito excêntrico de convocar seus amigos para que eles, justamente, participem de uma espécie de jogo. Aqui, no caso, o mistério envolve a própria morte do anfitrião - de mentirinha, claro. Só que a presença da antiga sócia de Miles na ilha, Andi Brand (Janelle Monáe) e, mais do que isso, do detetive Benoit Blanc (Daniel Craig) em pessoa, gerarão certo estranhamento no grupo. Sobre a primeira, ninguém imaginava que ela fosse até e ilha, mesmo tendo sido convidada (ela teve perdas em um imbróglio jurídico no passado, que estremeceu as relações). Já, Blanc, bom, para Blanc é tudo ainda mais estranho já que ele sequer foi convidado. Ainda que alegue ter recebido o convite/baú.

Como nas clássicas histórias de mistério à moda da Agatha Christie - e que já marcariam a primeira experiência da saga -, não é preciso ser muito adivinho para saber que algo errado, ali adiante, vai acontecer. A tensão parece estar por toda a parte, movida por segredos do passado e, mesmo personagens secundários, como a assistente de Jay, Peg (Jessica Henwick) ou a namorada de Cody, Whiskey (Madelyn Cline) poderão ter lá suas motivações para algum tipo de atitude criminosa. Ou não? Para o espectador caberá ir descasando essa espécie de cebola translúcida com uma série de camadas, na intenção de enxergar o que está no centro. Sim, algumas vezes pode parecer bem óbvio, outras nem tanto. Mas parte da diversão vem justamente nesse processo de suspensão da descrença que envolve aceitar aquilo que se está assistindo como algo dentro do campo das possibilidades. Até mesmo porque os diálogos e situações funcionam.

Um bom exemplo desse conjunto satisfatório envolve a facilidade com que Blanc resolve o enigma de Miles, já na primeira noite de jantar - um passo a passo impressionante, descritivo e muito bem montado. Mas é claro que tudo não passará de desculpa para que nos mantenhamos atentos, em meio a chantagens, conversas cheias de segredos pelos corredores e pistas espalhadas - especialmente após um crime real acontecer debaixo do nariz de todos os presentes! É um tipo de quebra-cabeças de baixa complexidade que nos deixa satisfeitos conforme vamos acompanhando o encaixe das peças - ou os rumos do roteiro. Se permitindo, aqui e ali, uma ou outra crítica ao vazio atual do culto às (sub)celebridades - especialmente as do universo das big techs ou do mundo da moda - a obra de Johnson ainda tem um final maior do que parece ser. É catártico. Explosivo. E hilário. 

Nota: 8,0

Novidades em Streaming - X: A Marca da Morte (X)

De: Ti West. Com Mia Goth, Brittany Snow, Martin Henderson, Jenna Ortega e Kid Cudi. Suspense / Terror, EUA, 2022, 106 minutos.

Se tem uma coisa que gosto nesse subgênero do slasher pós-terror que tem como cenário uma cidade pequena aleatória do sul dos Estados Unidos, é essa capacidade de gerar suspense ou medo por meio de uma simples imagem estática (ou não) - seja ela uma casa de madeira decadente, um idoso decrépito que surge no cenário de fundo, ou mesmo o matagal denso que se mescla com restos de entulho enferrujado. O que poderia parecer um simples nada, em uma obra como X: A Marca da Morte (X), para além das homenagens ao estilo, é tudo. Ainda no começo do filme, por exemplo, a jovem Maxine (Mia Goth) entra em um lago daqueles típicos do interior, rodeado por vegetação nativa. A imagem aérea vai do bucólico ao tenso em questão de segundos, quando percebemos a existência de um jacaré dentro da água. Um daqueles elementos que quebra essa lógica de suposta calmaria. E que vai aos poucos nos preparando para outros, maiores, e, certamente mais perturbadores, problemas.

E não é de hoje que caipiras do interior dos Estados Unidos - à moda de O Massacre da Serra Elétrica (1987) misturado com Amargo Pesadelo (1972) - despertam medo. Formado por aquele grupo de pessoas idosas, brancas, patriotas, anacrônicas e muitas vezes preconceituosas. Que gostam do Trump - e do combo Igreja, espingarda e gado - e que, muito provavelmente, se orgulham de seus antepassados, que lutaram ao lado dos escravagistas na Guerra da Secessão, eles não poderiam ser vilões melhores para um grupo de jovens do Texas com a libido lá no alto, que está procurando alguma propriedade isolada da área rural do Estado para gravar um filme pornô caseiro. O ano é 1979 e a popularização desse tipo de fita parece ser uma realidade, o que faz o produtor Wayne (Martin Henderson) se juntar aos candidatos a astros Bobby-Lynne (Brittany Snow) e Jackson (Kid Cudi) para uma série de gravações em uma fazenda erma, ocupada por um excêntrico casal de octogenários. 

 

Aliás, a "acolhida" do sexteto - além de Maxine, Wayne, Bobby-Lynne e Jackson, completam o time o cinegrafista RJ (Owen Campbell) e a produtora e namorada deste Lorraine (Jenna Ortega, antes do furor causado por Wandinha) - não poderia ser pior: desconfiado daquilo que ele considera uma invasão, o anfitrião Howard (Stephen Ure), um idoso decrépito que mais parece saído de um filme b de zumbis, já os recebe de espingarda na mão. "Se isso é uma invasão de propriedade eu tenho o direito de atirar em você", grita para um surpreso Wayne. É um sinal - mais um - de que as coisas dali pra frente não correrão bem. E, bem, estamos em uma produção norte americana que homenageia esse tipo de obra em que pessoas que transam e são bem resolvidas sexualmente, tendem a sofrer. A morrer. De preferência com mortes dolorosas, que fariam o Deus do Velho Testamento se orgulhar. E, nesse sentido, talvez não seja por acaso a presença persistente de um televangelista que surge de forma recorrente sempre que a TV da casa está ligada. Ou mesmo a conveniente fotografia granulada, esmaecida, que contribui para que se crie a ambientação ideal para o horror.

Sim, porque ao cabo, por mais que o filme se repita em alguns padrões, ele jamais deixa de exalar personalidade, especialmente ao discutir nas entrelinhas os efeitos da hipocrisia da sociedade, do fanatismo religioso, do apego às convenções e até da sexualidade e dos fetiches - e a frase proferida por Maxine mais de uma vez, lembrando que "não aceitará uma vida que não mereça" também é um ideal de reconhecimento dessa lógica. Já em outro momento, após a chegada à cabana e o estranhamento do contato com o velho anfitrião, Wayne comenta: "nós excitamos as pessoas. E isso as assusta". Com um senso de humor ferino, a obra é hábil na homenagem e na conexão com o passado, como no instante em que RJ morre apunhalado por uma sequência brutal de facadas, executadas com uma edição de cortes rápidos e de sangue vermelho vibrante que jorra (bem adequada para alguém que se diz um fã de Psicose). Um cenário pacífico, plácido, tranquilo. O interior dos Estados Unidos e as suas mais profundas camadas e perversidades. Escondidas em galpões e em porões. O banho de sangue que nem a polícia conseguirá compreender. As famílias de bem também dão medo. E podem assustar muito mais do que os espíritos sobrenaturais.

Nota: 8,5