Novidades em Streaming - Alcarràs

De: Carla Simón. Com Jordi Pujol Dolcet, Ainet Jounou, Josep Abad, Xenia Roset e Berta Pipó. Drama, Espanha, 2022, 120 minutos.

Agricultura familiar x agronegócio. Êxodo rural x sucessão. Tradição x modernidade. São muitos os antagonismos que surgem, sutilmente, no bucólico Alcarràs - vencedor do Urso de Ouro no Festival de Berlim 2022 e enviado da Espanha para a mais recente edição do Oscar, que está disponível na plataforma Mubi. Dirigido por Carla Simón - do igualmente belo Verão 1993 (2017) - esta é daquelas obras em que até parece que não tem muita coisa acontecendo, mas que ganha força justamente por apresentar as complexidades da vida no campo (e das relações familiares dentro desta) de forma extremamente orgânica, naturalista. Aliás, poucas vezes assisti a um filme sobre as dificuldades (e burocracias) que envolvem a rotina de uma família de produtores - no caso, os Solé - que fosse tão realista. É época da safra de pêssego em uma pequena propriedade da Catalunha e todos, de avós a netos - além de peões - estão ocupados com a colheita.

Mas essa rotina idílica, ainda que exaustiva, não demorará a ser quebrada: arrendatários das terras que ocupam, os Solé não possuem nenhuma documentação que comprove a posse dos lotes que usam pra cultivar as frutas - que teriam sido concedidas pelo proprietário em uma espécie de troca de favores que remonta ao período da Guerra Civil Espanhola. Sem a formalização eles perdem qualquer possibilidade de barganha quando o filho do dono anuncia o desejo de retomar o terreno (após a morte do pai) para a instalação de uma usina de energia fotovoltaica (com dezenas de placas solares). De mãos atadas, o patriarca da família, Rogelio (o veterano Josep Abad), tenta todo o tipo de negociação possível - o que envolve cestas de produtos orgânicos oferecidos como presente e até mesmo a entrega de figos de uma figueira antiga que teria sido plantada pelos antepassados. Tudo em vão. Ao que tudo indica aquela será, de fato, a última safra. Restando esperar, em meio a série de pequenas lutas (e mesmo disputas) familiares ou não.

Ao cabo, o que vemos aqui é uma verdadeira colcha de retalhos, com a câmera indo e vindo de um personagem à outro dessa numerosa família. Não bastasse o enorme "pepino" que eles precisam resolver, no foro íntimo também haverá uma série de tensões, de discussões, de brigas que levarão a situação ao limite - muitas delas protagonizadas por Quimet (Jordi Pujol Dolcet), que encarna o agricultor esforçado, com sua onipresente camisa xadrez, de forma absurdamente realista. Aliás, se alguém me dissesse que ele é, de fato, fruticultor, eu acreditaria. Já a sua irmã Gloria (Berta Pipó) precisa lidar com o marido meio magalão Cisco (Carles Cabos), que mantém uma dúzia de pés de maconha escondidos em meio a um milharal, que é cultivado em parceria com Roger (Albert Bosch), o filho mais velho de Quimet. Há ainda outras duas filhas, a adolescente Mariona (Xenia Roset), além da pequena e graciosa Iris (Ainet Jounou), que movimentam a narrativa com as suas preocupações comezinhas, meio típicas da juventude (uma dança que deve ser realizada na festa local ou mesmo brincar com os primos).

Muita coisa acontece e Quimet ainda precisa lidar com uma série de protestos por melhores preços aos agricultores, num movimento que parte da Cooperativa da qual a família faz parte. Nesse sentido, o realismo não reside apenas nas cenas do pomar, da colheita, do manejo, da irrigação e da rotina, com tratores e outros equipamentos (a verossimilhança é incrível). É nos pormenores que a experiência ganha força, nas conversas que vão pelos cantos, nos acontecimentos que saem das frestas e na necessidade de que haja, ao cabo, um mínimo de senso de união para que todos possam sair bem dos percalços - e talvez seja por isso que a sequência de galinhagem a beira da piscina, durante um almoço de família, seja tão emocionante. Ao cabo a gente passa, aos poucos, a se importar com todos aqueles que vemos - trata-se afinal de um coletivo de pessoas complexas, de personalidades múltiplas, nunca óbvias. Meio que não se sabe o que esperar para além do sacrifício cotidiano, que precisa lidar com a tecnologia e com a modernidade que bate à porta (e que tenta lhes envolver, o que também fraturará a aliança familiar). Contemplativa, vibrante, ensolarada e autêntica, mas que utiliza seu microcosmo para uma análise mais ampla da sociedade, a obra funciona mais ou menos como os painéis solares que geram tanta discórdia - reservam energia, resgatando-a de onde nem parece haver. Um achado.

Nota: 8,5

Novidades em Streaming - Babilônia (Babylon)

De: Damien Chazelle. Com Margot Robbie, Brad Pitt, Diego Calva, Jean Smart e Flea. Comédia / Drama, EUA, 2022, 188 minutos.

Caótico. Mágico. Intenso. Apaixonante. Bombástico. Poético. Dá pra usar uma série de adjetivos sem muito medo de errar quando o assunto é Babilônia (Babylon) - mais recente obra de Damien Chazelle (de La La Land: Cantando Estações, 2016). Levemente esnobado na cerimônia do Oscar desse ano, o filme oferece uma experiência hiperbólica, maximalista e metalinguística, tendo como pano de fundo a Hollywood dos anos 20 e o percurso feito por seus astros e estrelas em um cenário de transição do cinema mudo para o falado. E tudo em meio a eventos políticos diversos, como o entre guerras e a Quebra da Bolsa de Nova York em 1929 que, de alguma maneira, se refletiria nas preferências do público do período. Não é demais lembrar que o cinema mal engatinhava mas, numa espécie de alegoria de quem finalmente chega a "vida adulta", acompanharemos uma história de ascensão e de posterior queda, de alternância de poder, de preconceitos, de sonhos e de expectativas alcançadas (ou não).

No começo tudo parece ser diversão quando mergulhamos com todos os sentidos possíveis em uma festa luxuosa e luxuriosa em uma mansão de um grande executivo da indústria. É nesse local que seremos apresentados, na medida do possível, a três figuras que serão peça central na narrativa: Jack Conrad (Brad Pitt), talvez a maior estrela de Hollywood no auge do cinema mudo mas que, já com algum tempo de estrada, começará aos poucos a experimentar certo ostracismo, Nellie LaRoy (Margot Robbie), uma desinibida e confiante aspirante a atriz que deseja alcançar o estrelato e que entra de penetra no local e Manny Torres (Diego Calva), um garçom de celebridades que, no fundo, também almeja algum tipo de oportunidade na indústria. Entre idas e vindas e encontros e desencontros a obra evidenciará como sonhos podem se tornar realidade na mesma velocidade em que a máquina moedora que orbita o universo das celebridades sempre parecerá pronta para triturar a sua próxima "vítima".

Criticado por um certo excesso, o filme tem nesse aspecto, na realidade, um de seus grandes méritos. Por quê em matéria de bastidores, tudo parece ser abundante quando o assunto são as produções de cinema - seja no que diz respeito às vidas pomposas, passando por escândalos (ou mesmo apoio) da imprensa sensacionalista - aqui simbolizada pela jornalista de entretenimento Elionor St. John (Jean Smart) -, até chegar às festas regadas a muito álcool, sexo, drogas e outras loucuragens. Indo de lá para cá, de um cenário a outro, acompanharemos o trio central em suas jornadas pessoais, sendo sempre orbitados por outras figuras - diretores, executivos da indústria, produtores -, todos com seus interesses. Se cruzando aqui e ali, Joseph, Nellie e Manny funcionarão como fio condutor, tendo de lidar com carreiras pessoais que desmoronam, sentimento de fama passageira e, acima de tudo, histórias de vida extraordinárias que, de alguma maneira, também dependerão do aleatório, do inusitado, do estar no lugar certo, na hora certa, pra acontecer.

Repleto de citações a artistas da época - e mesmo o fictício trio central parece embasado em astros reais (a história mais conhecida seria a de Nellie, supostamente inspirada em Clara Bow) -, a obra ainda é um prodígio em seu equilíbrio entre diversão, drama e tensão. Se numa das primeiras sequências somos surpreendidos, por exemplo, com o instante em que um elefante evacua na cara de um motorista, mais adiante perceberemos como a infelicidade se apropriará da alma de Joseph, quando ele notar que, com o advento do cinema falado, seus dias de glória chegarão ao fim, na mesma velocidade com que o sol se põe (pra ficar numa metáfora que aparece no próprio filme). Tecnicamente soberba, a produção é um exagero comovente de cores, de música, de figurinos, de cenários grandiosos, que quase ultrapassam os limites entre ficção e realidade. Aqui, o que vale é o espetáculo, quase como uma rima perfeita do que é o cinema em si. É meio difícil resistir a tudo isso. Quase impossível não ficar hipnotizado durante as mais de três horas de duração do projeto. Ele pode até perder o foco aqui e ali, se desviar do caminho esperado em alguma medida. Soar meio longo espichado em um ou outro momento. Mas tudo faz parte desse cenário de enormidades. Talvez seja o grande injustiçado do Oscar. Ou vai ver fui eu que me envolvi demais.

Nota: 8,0

10 Considerações Sobre a Cerimônia do Oscar 2023

1) Vamos combinar que, em linhas gerais, foi um Oscar sem muitas surpresas. Por mais que houvesse algumas dúvidas na hora de decidir quem venceria nessa ou naquela categoria, na maioria dos casos deu a lógica. Ou muito perto disso. Por exemplo, em Atriz talvez muita gente acreditasse - eu, entre eles -, que Cate Blanchett poderia faturar sua terceira estatueta da história por Tár. Mas a real é que Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo cresceu muito na reta final. O que se refletiu em muitas das principais premiações - como Ator Coadjuvante (Ke Huy Quan), Atriz Coadjuvante (Jamie Lee Curtis), além de Roteiro Original e Filme (pros Daniels) e, claro, Michelle Yeoh (como Atriz).

2) Aliás, o Dalenogare falou no canal dele que uma das grandes quebras de paradigmas da vitória de Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo envolve a modalidade de campanha - algo que tem a ver com a janela de lançamento. Nos Estados Unidos, o filme dos Daniels estreou no final de março do ano passado. E foi crescendo durante a temporada, com o boca a boca, aumento do número de salas de exibição e uma trajetória que iniciou modesta e que foi se fortalecendo. E tudo com investimentos baixos. Algo parecido já havia ocorrido com Parasita. O que liga um sinal de alerta para as produtoras e meio que embaralha a lógica que estabelecia como fundamental, para efeitos de Oscar, lançar um filme próximo da temporada de premiações - em dezembro ou janeiro. Será mesmo? Nesse sentido, será que não vale a pena a visibilidade de um ano inteiro? 

3) Nesse sentido, ponto pra A24 também. A produtora foi a recordista de indicações nesse ano, com 18, sendo 11 somente pra Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo (que, aliás, abocanhou sete estatuetas). A Baleia abocanhou outros dois troféus, para Brendan Fraser (Ator) e para Maquiagem e Penteados. A A24 tem pouco mais de dez anos de existência. E é objeto de um verdadeiro culto por parte dos fãs de cinema, sendo quase sempre sinônimo de qualidade. Se tiver A24 no projeto pode ir na fé.

4) Sobre o Brendan Fraser eu posso até ter torcido o nariz pra A Baleia - e até mesmo achado meio exagerada a atuação dele no filme. Mas não dá pra negar que esta é uma bela história de volta por cima. De astro de filmes de aventura à vítima de abusos sexuais tendo como resultado uma carreira praticamente sepultada, não dá pra negar que ver a sua vitória foi um dos mais comoventes instantes da premiação. Aliás, havia muitos estreantes entre os indicados nas categorias de interpretação e ver a alegria genuína destes na hora de receber o prêmio foi simplesmente sensacional. Ke Huy Quan, por exemplo, citou a mãe, recordando o fato de ter estado em um campo de refugiados no passado. E como cereja do bolo da vitória do ator vietnamita: o prêmio ser entregue por Harrison Ford, com quem ele contracenou em Indiana Jones, quando era um menino de apenas 12 anos.

5) Com a premiação polarizada entre Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo e Nada de Novo no Front foram inúmeras as produções que saíram de mãos abanando. Aliás, filmes que chegaram com força à reta final da temporada, casos de Os Banshees de Inisherin, Os Fabelmans e até mesmo Elvis, que contou com uma campanha massiva da Warner. Todos zerados!

6) Ainda que o Oscar estivesse menos representativo no que diz respeito à pessoas negras ou a mulheres - nenhuma diretora foi lembrada -, há que se considerar a vitória de Entre Mulheres na categoria Roteiro Adaptado, como um excelente prêmio de consolação. Especialmente para uma obra que tinha um baixo número de nominações.

7) Sobre representatividade, há que se destacar o fato de Michelle Yeoh, de Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo, ter sido a primeira asiática da história a vencer um Oscar. Outra conquista valiosa foi a da figurinista Ruth Carter, que alcançou o bicampeonato com o trabalho na continuação de Pantera Negra, se tornando assim a primeira negra a alcançar o feito em quase cem anos de entregas do carecão dourado. E, por fim Naatu Naatu realmente superou Lady Gaga e Rihanna na busca por melhor canção. Um pontinho "lateralizado" na busca por diversidade.

8) Pra quem participou dos bolões houve uma série de barbadas, como nos casos das categorias Animação (Pinóquio de Guillermo Del Toro), Filme em Língua Estrangeira (Nada de Novo no Front), Documentário em Curta-Metragem (Como Cuidar de Um Bebê Elefante), Efeitos Visuais (Avatar) e Som (Top Gun: Maverick). Tanto que no Bolão improvisado que participei com o amigo Henrique, a derrota foi por apenas um pontinho. Em favor dele.

9) Tô até agora em dúvida sobre se o In Memorian cometeu uma gafe em deixar vários nomes conhecidos de fora ou se isso faz parte de um tipo de critério de seleção da Academia, na hora de exibir os nomes no telão. Por que, vamos combinar, por mais que Triângulo da Tristeza não tenha ganhado nemhuma estatueta, foi no mínimo esquisito ver a jovem Charlbi Dean, que morreu de forma trágica aos 32 anos e que é uma das protagonistas do filme de Ruben Östlund, ausente da homenagem póstuma. Sim, Lenny Kravitz tocando foi bacana e tal, mas achei essa ausência, especificamente, extremamente deselegante.

10) E só pra não deixar passar batido, em linhas gerais foi uma cerimônia ótima, dinâmica, bem conduzida. Gosto do estilo de Jimmy Kimmel nas piadas - aquela coisa de dar a cutucada mas não ser exagerado. Entre as melhores piadas, adorei ele brincando sobre o fato de James Cameron ter sido ignorado na categoria ator: "O que eles acham que ele é, uma mulher?" Ou sobre as chances de briga estarem consideravelmente maiores, já que eram cinco os irlandeses indicados: "Temos muita diversidade, já que temos astros de todos os cantos de Dublin", completou. Por mim, pode continuar na apresentação numa boa.

E que venha a próxima temporada!

Curta Um Curta - O Menino, A Toupeira, A Raposa e o Cavalo (The Boy, the Mole, the Fox and the Horse)

"Vocês me conhecem por completo, né? Sim. E vocês ainda me amam? Ainda mais."

Um dos projetos mais afetuosos, gentis e carismáticos lançados nesse ano. Assim pode ser resumido O Menino, A Toupeira, A Raposa e o Cavalo (The Boy, the Mole, the Fox and the Horse), animação em curta-metragem que é uma dos favoritas ao Oscar desse ano em sua categoria. Visualmente bela, a obra dirigida por Peter Baynton e que está disponível na Apple TV+, acompanha um menino que se vê perdido em um amplo descampado coberto por neve, no meio do nada. De forma meio inesperada ele faz amizade com uma amistosa toupeira apaixonada por bolo, que lhe auxiliará na tentativa de encontrar o caminho de casa. No trajeto, eles enfrentarão uma série de obstáculos, como frio, tempestades, sensação de isolamento e até "inimigos" que surgem em meio à natureza.

Absolutamente adocicada, otimista e cheia de lições sobre amadurecimento, a obra trem sido criticada por parte do público que tem considerado meio exageradas as diversas frases de autoajuda que surgem no decorrer da narrativa e que parecem escritas por algum tipo de coach. Só que não podemos perder de vista que, ao cabo, trata-se de uma obra infanto-juvenil que é baseada em um livro do escritor Charlie Mackesy. E, vamos combinar, a construção se dá de forma tão delicada e singela que é simplesmente impossível não se sentir tocado pela experiência. Em certa altura o menino chora e pede desculpas ao cair durante uma cavalgada com seu amigo cavalo. Ao que este retruca, reanimando-o: "As lágrimas caem por uma razão. Elas são a sua força e não a sua fraqueza". Sério, é impossível não se comover. Dos curtas de animação que vi, é meu favorito na luta pela estatueta dourada.

Cinema - Entre Mulheres (Women Talking)

De: Sarah Polley. Com Claire Foy, Jessie Buckley, Rooney Mara, Ben Whishaw e Frances McDormand. Drama, EUA, 2022, 104 minutos.

Existe uma sequência ao mesmo tempo sutil e consistente na hora de evidenciar o tipo de violência que sofrem as mulheres que protagonizam Entre Mulheres (Women Talking) - obra que está em cartaz nas salas do País e é uma das indicadas à categoria Melhor Filme no Oscar que ocorre no próximo domingo. Nela, Greta (Sheila McCarthy), uma das anciãs do grupo, retira a sua prótese dentária da boca, afirmando que tem dificuldade em se adaptar à ela, por esta ser "muito grande". Seria uma sequência despretensiosa, talvez, não fosse um flashback que a mostra aos prantos, com a boca ensanguentada. Aliás, um dos méritos de Sarah Polley (do ótimo Longe Dela, 2006) na construção da narrativa é o de não apostar necessariamente na violência gráfica exibida o tempo todo, para fazer valer o seu argumento. Nessa comunidade o histórico de agressões está em um segundo plano, mas ele é motivo central. Ele existe. E é preciso fugir. Ou ficar e lutar.

Confesso que não tinha lido muito sobre a obra até assisti-la e admito que fui pego de surpresa quando, lá pelo meio do filme aparece um carro de som alertando os moradores da localidade para que saiam de casa para responder ao censo. Detalhe: censo de 2010. Sim, por que quando a história começa - sob o lembrete de ser "um exercício de imaginação feminina" - temos a impressão de que iremos acompanhar algum tipo de narrativa que remonta ao passado. Ao século 18 ou 19, ou a alguma período em que as mulheres estavam em plena luta por direitos iguais. Mas não é demais lembrar que em 2010 - ou mesmo em 2023, nesse tempo em que coachs redpillados com masculinidade frágil, ganham a vida sendo misóginos - o debate sobre feminismo e equidade de gênero segue em alta. A trama de Entre Mulheres, aliás, toma por base o texto original de Miriam Toews que se baseia em eventos reais que envolveram uma comunidade cristã da Bolívia.

Aliás, a religião aqui é peça chave na condução da narrativa. No começo do filme, após a denúncia de mais um episódio de abuso sexual contra as mulheres de uma comunidade fechada, sem praticamente nenhum contato com o mundo exterior, as moradoras do local se reúnem em um celeiro para uma espécie de votação em que determinarão o que farão dali pra frente, quando o homem que foi preso provisoriamente, retornar ao convívio delas. Conforme os diálogos avançarem, perceberemos que perdoar será um exercício mais do que necessário para que seja garantida a misericórdia divina. O medo move todas ali. Mas é preciso construir uma ideia de forma coletiva. Em vinte e quatro horas. Antes que tudo volte a ser como era. Com os episódios de estupro, torturas, incesto, pedofilia e outros tipo de violência, voltando à "rotina".  Ao cabo, trata-se de uma obra sobre o poder do diálogo. E sobre a importância da representatividade. Como construir uma comunidade mais justa e igualitária onde às mulheres possam alcançar direitos básicos como poder ler? Escrever? Participar das decisões? Votar? Pensar de forma coletiva?

Com um elenco soberbo, o filme evolui em meio a diálogos ternos, impactantes e em alguns momentos até divertidos que evidenciam ainda a importância da sororidade e do respeito às diferenças como forma de alcançar um objetivo maior. Salomé (Claire Foy), por exemplo, é mais impetuosa e está de saco cheio das coisas como acontecem ali. Já Mariche (Jessie Buckley) tem dificuldade em estabelecer uma linha limite entre a submissão ao marido e a reparação desejada, tendo ainda duas filhas pra criar. Por outro lado Ona (Rooney Mara) sugere uma certa independência de quem se pretende mãe solo de um filho que sequer foi desejado. São muitas e diversificadas vozes que são completadas por exemplo com a traumatizada Mejal (Michelle McLeod) e pela não binária Melvin (August Winter). Todas colocando no papel os prós e contras de ficar e lutar ou simplesmente deixar o passado pra trás, subir nas carroças e buscar uma nova vida em outro local. "Sua história será diferente da nossa" relembra a narradora ainda no começo do filme. E reconfigurar papeis em tempos tão reacionários e conservadores como os nossos, deve ser um movimento permanente. E, assim esperamos, sem retrocessos.

Nota: 8,0

Cinema - Tár

De: Todd Field. Com Cate Blanchett, Nina Hoss, Sophie Kauer, Némie Merlant e Mark Strong. Drama, EUA, 2022, 158 minutos. 

Em uma das tantas ótimas sequências de Tár, a maestrina Lydia Tár (Cate Blanchett) discute longamente com Max (Zethphan D. Smith-Gneist), um dos seus alunos no conservatório Julliard sobre a possibilidade de reger uma obra de Johann Sebastian Bach. De forma meio envergonhada, tímida - o que é explicitado pela insistência de seu movimento de pernas (que sugere certo nervosismo) -, Max se enche de coragem para dizer à Lydia que não possui nenhum interesse em Bach. "Honestamente como uma pessoa de cor, não binária, eu diria que a vida misógina de Bach torna meio impossível para mim levar sua música a sério". Lydia na sequência debocha do assunto lembrando que, sim, Bach deixou 20 filhos para o mundo. Assim como um volume considerável de composições. O que a faz questionar em seguida o que as suas prodigiosas habilidades no leito conjugal teriam a ver com sua arte. Bach, que nasceu em 1685 e talvez seja um dos mais importantes compositores e regentes da história, é, aparentemente o mais novo cancelado. Vamos subir a hashtag #bachmisogino no Twitter!

Pode até soar como tema menor dentro de uma obra tão cheia de floreios, de magnitude e de volúpia como é o caso dessa, mas a atual cultura do cancelamento e as decorrentes campanhas de ódio que se instalam com facilidade galopante nas redes sociais com o intuito de destruir reputações, parece estar no cerne do filme de Todd Field - do ótimo (e distante) Pecados Íntimos (2006). O assunto, aqui e ali, retorna à narrativa, seja em meio a uma discussão prosaica sobre Schopenhauer, que teria jogado uma mulher da escada no passado (!) - "não está claro se essa falha pessoal seria relevante para o seu trabalho", recorda Andris (Julian Glover), espécie de mentor intelectual de Lydia -, ou seja em meio a um debate sobre Gustav Mahler que, com seu comportamento machista, talvez tivesse barrado a ascensão de sua própria esposa, Alma, à época. Exemplos de artistas com vidas pessoais no mínimo questionáveis e obras de arte irretocáveis não faltam. O que fica como legado? Pelo que eles serão lembrados no futuro? No frigir dos ovos, Lydia afirma a Max que a música feita por homens brancos e heterossexuais de antigamente também podem gerar sublimação. Elevação. Especialmente quando os novos condutores conferem à essas composições a sua personalidade.

Só que o problema para a própria Lydia Tár é que ela não está vivendo no Século 17. Ou não está tentando cavar um espaço em meio a uma sociedade tão abissalmente patriarcal como a de outrora. Nesse sentido, caberia a ela participar mais ativamente dessa discussão? Levantar essas bandeiras? Ou fazer como na conversa com Max? No decorrer de pouco mais de duas horas da obra, perceberemos não apenas a complexidade da experiência humana - com suas virtudes, falhas e múltiplas facetas. Quando começa, o filme leva mais de cinco minutos lendo a impecável biografia da maestrina, repleta de feitos notáveis e de grandes contribuições para as artes, para a cultura, para a educação, para o mundo. Com direito até mesmo a apresentações gratuitas durante a pandemia. Mais adiante, nos depararemos com seus desvios de caráter, suas fraquezas morais, que sugerirão uma personalidade egocêntrica que, talvez, esteja utilizando de sua fama para agir como uma verdadeira predadora sexual, que coopta jovens musicistas, descartando-as a seu bel prazer (ou conforme ela se sinta satisfeita de alguma forma). O que, em tempos de redes sociais fervorosas e campanhas permanentes de ódio pode significar facilmente a ruína.

Não, não estou passando pano, mas de alguma forma nunca fica claro se Lydia Tár agia como agia (não me cancelem por ter dúvida, por favor, também não sei se Bach era mesmo misógino). Há uma montagem em vídeo com o claro propósito de lhe prejudicar. Comportamentos ambíguos - especialmente como resposta a uma tragédia. Só que Field constroi esse ambiente de tensão crescente de forma sutil, inteligente, sem muita pressa. Ocupando os espaços aos poucos. Preenchendo a tela. Há, por exemplo, os barulhos discretos e crescentes que vão surgindo na casa da protagonista, que poderiam sugerir, de forma alegórica, uma espécie de rima para aquilo o burburinho de sua alma. Há túneis geometricamente infinitos, que parecem sem saída. Ambientes claustrofóbicos, fechados. Tudo acompanhado de uma elogiável tapeçaria linguística, uma grande eloquência poética, que faz com que realizemos um verdadeiro mergulho nos bastidores da arte (seus trejeitos, políticas, investidores, burocracias, jogos de interesse). E há ainda as interpretações, com destaque para Blanchett que, talvez, fature seu terceiro Oscar da carreira. Ao cabo, é uma experiência intensa, daquelas que reverbera e que sai para além dos limites do seu meio. E que talvez chegue às redes sociais. Lydia Tár foi cancelada! Vocês se lembram disso? Ou só da música dela? Pesquisem. E tirem suas conclusões. 

Nota: 9,0

Picanha.doc - Vulcões: A Tragédia de Katia e Maurice Krafft (Fire of Love)

De: Sara Dosa. Com Katia Krafft, Maurice Krafft e Miranda July. Documentário, Canada / EUA, 2022, 93 minutos.

"Prefiro uma vida curta e intensa a uma longa e monótona". (Maurice Krafft)

Se tem uma coisa meio mágica nos documentários indicados ao Oscar - que, inevitavelmente, são os que atraem a atenção de um público maior -, é a possibilidade de tomar contato com histórias que nem sempre são tão conhecidas. Ao menos para nós, brasileiros. E é exatamente esse o caso de Vulcões: A Tragédia de Katia e Maurice Krafft (Fire of Love), que está disponível na plataforma Disney+. Na trama acompanhamos parte da fascinante história de Katia e Maurice, dois cientistas que se veriam unidos por uma paixão em comum: os vulcões. Com uma rica coleção de imagens de arquivo - que podem até não ter tanta qualidade, mas que são invariavelmente impressionantes -, o filme da diretora e roteirista Sara Dosa captura a rotina de ambos, indo no limite entre o perigoso e o poético, entre o ousado e o majestoso. Num tipo de investigação que, de alguma forma, também serve como uma espécie de metáfora para a natureza eventualmente curiosa do ser humano. 

O caráter praticamente indomável e imprevisível dos vulcões não significará jamais um limite para a dupla. Que se aproximará bastante desses "organismos" em busca de fragmentos de rochas, restos de cinzas, gases e de outros materiais para estudo. Como foram pioneiros na captura de imagens de vulcões em erupção, o resultado é uma verdadeira coleção de rios de lava, explosões pirotécnicas, crateras gigantescas e nuvens voluptuosas de fumaça que formam uma espécie de balé tão onírico quanto inesperado. Diante de um cenário em que a maioria das pessoas tentaria se afastar, eles se aproximam, com seus equipamentos, barracas e outros. O que os converteria em figuras bastante populares entre os anos 60 e 80, com diversas aparições em programas de TV, documentários produzidos e outros registros produzidos. Aliás, fundamental nos tempos atuais, o trabalho dos Krafft serviu para chamar a atenção dos riscos que envolvem as comunidades existentes em regiões com vulcões ativos.

Um bom exemplo disso envolve a conhecida Tragédia de Armero, na região de Tolima, na Colômbia, no ano de 1985. Na ocasião o vulcão Nevado del Ruiz entrou em erupção após quase 70 anos de dormência e, ainda que as autoridades locais tenham sido alertadas para os riscos, os fluxos piroclásticos resultariam na morte de mais de 23 mil pessoas, com os deslizamentos de lava, terra e outros detritos alcançando cerca de 50 quilômetros por hora. O segundo desastre vulcânico mais mortal da história, diga-se. E por mais traumático e dolorido que o episódio tenha sido, ele serviu para chamar a atenção do mundo para a importância do trabalho dos vulcanólogos, de geólogos e de químicos. O que ampliaria o investimento em sistemas de alerta e eventuais planos de evacuação, quando necessários. Com esse "dedinho" de ciência também tendo a participação do casal, com sua infinita coleção de registros.

Apostando em uma espécie de alegoria entre o calor o amor, entre o ardor e a paixão, o filme registra Katia e Maurice como espíritos independentes que, ainda que cheios de diferenças, se uniriam em volta de estudos de estruturas geológicas imponentes, como os vulcões Mauna Loa, Stromboli, Santa Helena e mesmo o Unzen, no Japão, que lhes tiraria a vida em 1991, após serem surpreendidos por uma inesperada mudança na direção do vento e do clima no dia de sua erupção. Com trilha sonora de Nicolas Godin (da dupla francesa Air) e narração da multiartista Miranda July, a obra foca no legado dos Krafft, de forma bem humorada e até tensa - como no instante em que Maurice resolve navegar sobre uma lagoa de ácido sulfúrico a bordo de um bote. Curioso, experimental e eventualmente filosófico o filme surpreende também por nunca soar enfadonho, excessivamente didático ou cansativo. Vae conferir. 

Curta Um Curta - Haulout

Quais os caminhos para abordar os impactos das mudanças climáticas no mundo de forma sutil, mas envolvente? Talvez o pequeno documentário em curta-metragem Haulout, que está disponível no Youtube, possa ser parte da resposta. Um dos indicados em sua categoria para a edição do Oscar desse ano, o filme dirigido por Maxim Arbugaev e Evgenia Arbugaeva nos joga para uma região remota do Ártico - uma espécie de praia gelada -, onde conhecemos um solitário biólogo marinho (seu nome também é Maxim), que monitora as atividades do local. De maneira inesperada ele verá a sua cabana envolta por milhares de morsas, que procuram algum refúgio diante do aumento da temperatura na região. Muitas delas morrerão.

Se já não bastasse o sentimento desalentador de isolamento, a ocorrência tornará tudo ainda mais claustrofóbico. Praticamente impedido de sair de sua habitação, Maxim passará a ser acompanhado em sua rotina pelos animais barulhentos que, devido a temperatura inadequada do oceano, não conseguem sair dali. É uma obra dura que mostra como a natureza cobra seu preço. E de como provavelmente estamos em uma corrida contra o relógio na tentativa de refrear os desastres ambientais. Quase não há diálogos. As sequências são gélidas, palpavelmente frias. Até mesmo doloridas em alguma medida. Um desavisado poderá achar tudo apenas estranho, ou inusitado. Mas o letreiro do final dará conta de esclarecer. Tão contundente quanto trágico.

Cinema - A Baleia (The Whale)

De: Darren Aronofsky. Com Brendan Fraser, Hong Chau, Sadie Sink e Samantha Morton. Drama, EUA, 2022, 117 minutos.

Pobre coitado desse protagonista de A Baleia (The Whale). Afinal de contas a culpa católica para Charlie (Brendan Fraser) parece ser tanta que a única forma de encontrar algum tipo de redenção talvez seja pagando com a própria vida. Ou ao menos esse parece ser um dos subtextos dessa alegoria meio torta proposta por Darren Aronofsky que, desde Cisne Negro (2010) não acerta a mão. Baseada em uma peça de teatro de Samuel D. Hunter, a trama acompanha um recluso professor de inglês com obesidade mórbida que se esforça para tentar se aproximar de Ellie (Sadie Sink), a sua única filha adolescente. O que envolve reservar à jovem - que não consegue esconder a repulsa que sente pelo próprio pai -, todo o dinheiro que ele guardou (cerca de US$ 120 mil). Aliás, dinheiro que poderia ser aplicado em uma série de tratamentos que provavelmente prolongariam a vida do sujeito - que sofre de uma severa condição cardíaca.

Só que o fato é que Charlie tem uma "mancha" em seu passado que envolve o abandono da família quando Ellie tinha apenas oito anos, para que ele pudesse viver um relacionamento com um de seus alunos. Um tipo de evento que, em cidades pequenas, pode ser ainda mais traumático - ainda mais quando o componente religioso parece estar de vigília a cada esquina. Ellie garante que a ojeriza ao pai nada tem a ver com a sua aparência. E confesso que lá pela décima vez em que ela verbaliza o seu ódio meio que dá uma cansada. Por que não podemos confundir empatia com pena. E Aronofsky parece forçar tanto a barra, pesar tanto a mão para que a gente goste daquele obeso de olhos permanentemente tristes - que sequer liga a webcam nas lives com alunos, tamanha é a vergonha -, que chega a dar um pouco de vergonha alheia ver ele pedindo desculpas tantas vezes para Liz (Hong Chau), a enfermeira que é sua amiga. É quase alguém implorando para ser amado.

Da mesma forma, o seu comportamento aparentemente autodestrutivo - sempre se empanturrando de pizzas, de snacks ultraprocessados e de gordurosos sanduíches de almôndegas -, não parece combinar com a mesma pessoa que vai para o Google pesquisar o que significa uma pressão arterial de 238 x 134. Ou mesmo a insuficiência cardíaca congestiva, que é o diagnóstico repassado por Liz. Tipo, por ser gay e por ter abandonado a família em prol de um grande amor que, mais tarde, ele viria a perder em um episódio de intolerância religiosa, agora fará com que ele engorde como se fosse aquele personagem de Seven: Os Setes Crimes Capitais (1995), que se mata de tanto comer? Tentar um tratamento ao mesmo tempo em que busca uma reaproximação com a ex-mulher (vivida por Samantha Morton) para tentar dar a melhor educação para a filha não seria um melhor caminho? Ou os Estados Unidos são tão cruéis em matéria de sistema e saúde que se internar num hospital significaria deixar uma dívida de milhões que só seria saldada lá pela quinta geração? Bom, talvez o sonho americano seja mesmo um pesadelo.

E outra, tudo bem que Charlie está poupando, mas, custaria comprar umas luminárias que dessem um pouco mais de vida praquele apartamento sorumbático? E por quê o Aronofsky tem que abrir o filme com uma cena em que o protagonista surge se masturbando de maneira sôfrega enquanto assiste a uma cena soft porn gay? A ideia não era fazer o público médio ter um mínimo de compaixão por aquele homem? E vocês não acham que uma cena assim já não pode gerar certo asco no "cidadão de bem" que é capaz de interpretar os LGBTs como pessoas depravadas e solitárias que só poderão encontrar a cura divina através da religião? Pra quê esse sensacionalismo todo? Aliás, nem falei do tal do Thomas (Ty Simpkins), o missionário cristão que não parece ter nada mais pra fazer na vida que não seja bater a porta de Charlie pra encher o saco. E que forçação de barra é essa na metáfora envolvendo a baleia Moby Dick, do livro?  Lá pelas tantas me dei conta que até a interpretação de Fraser eu estava achando meio caricatural. Exagerada. Não consegui sentir apego. Conexão com aqueles que assistia. Torcer por destinos melhores. E é uma pena ver a oportunidade de discutir temas tão relevantes sendo desperdiçada.

Nota: 3,0

Curta Um Curta - The Flying Sailor

Acho que o que pega mesmo no curta-metragem em animação The Flying Sailor - um dos indicados ao Oscar desse ano em sua categoria - é o fato de que não apenas é baseado em eventos reais já que a história por trás é simplesmente inacreditável. Foi em 1917 na província de Nova Escócia, no Canadá, que a explosão de Halifax ficaria conhecida no mundo todo. Na ocasião, o SS Mont-Blanc, um navio de carga francês carregado de explosivos, colidiu com uma embarcação norueguesa, em um estreito que ligava o Porto de Halifax à Bacia de Bedford. O resultado foi uma explosão que devastou o distrito, matando cerca de duas mil pessoas, fora outras nove mil que ficaram feridas.

Dirigido por Amanda Forbis e Wendy Tilby - que foram indicadas ao Oscar anteriormente por Wild Life (2011) - o filme recria o evento, narrando o episódio que envolve um marinheiro que explodiu pelos ares voando dois quilômetros longe da tragédia e... sobrevivendo! Metafísica, poética e levemente existencial, a experiência nos conduz a uma espécie de quase morte vivida pelo protagonista, com uma série de fragmentos de sua vida cruzando a sua mente. Vencedor de diversos prêmios, o filme possui apenas oito minutos e emprega técnicas de 3D e 2D, além de utilizar fotografias, gerando uma ousada mistura de comédia, suspense, abstração e filosofia. E a boa notícia: pode ser conferido na íntegra no Youtube!

Curta Um Curta - O Efeito Martha Mitchell (The Martha Mitchell Effect)

Uma visionária? Alguém a frente de seu tempo? Ou apenas uma mulher delirante? Disponível na Netflix e um dos documentários em curta-metragem indicados ao Oscar em sua categoria, O Efeito Martha Mitchell (The Martha Mitchell Effect) conta a história de bastidores da ex-esposa de John Mitchell, procurador-geral dos Estados Unidos durante o Governo Nixon. Inicialmente uma figura carismática, midiática e onipresente, Martha passou a ser renegada pelos próprios líderes do Partido Republicano, quando denunciou uma série de atividades ilegais envolvendo funcionários da Casa Branca, e que culminariam no Caso Watergate - famoso escândalo de espionagem aos democratas, que culminaria na renúncia de Nixon.

Por sua disposição em verbalizar seus sentimentos (o que envolvia inclusive ligações para o próprio gabinete do presidente Nixon), Martha foi presa e colocada sob vigilância em um quarto de hotel improvisado, sob a alegação de ter uma doença mental - aliás, o "efeito Martha Mitchell" do título, envolve justamente o processo de considerar que determinada pessoa está delirando, sendo que ela pode estar falando a verdade. Com uma vasta quantidade de imagens de arquivo - entrevistas, aparições, fotografias -, o documentário dirigido por Anne Alvergue e Debra McClutchy tem senso de humor e coloca o dedo na ferida na hora de evidenciar quais os limites adotados por líderes políticos quando o assunto envolve silenciar quem quer que seja. É uma pequena aulinha de história que vale conferir.

Cinema - Close

De: Lukas Dhont. Com Eden Dambrine, Gustav De Waele, Léa Drucker e Émilie Dequenne. Drama, Bélgica, 2022, 105 minutos.

[ATENÇÃO: ESSE TEXTO TEM SPOILERS]

Léo (Eden Dambrine) e Rémi (Gustav De Waele) são dois meninos na faixa dos 13 anos, que moram na zona rural da Bélgica. Melhores amigos fazem absolutamente tudo juntos: brincam, andam de bicicleta, tocam oboé, dormem. Aliás, dormem até na mesma cama. A relação é íntima, cheia de afeto e bastante naturalizada pelas famílias de ambos os garotos. Tudo corre mais ou menos bem até o final do verão, quando eles começam a estudar no Ensino Médio. Novas vivências, experiências. Amizades. Em certo dia uma das colegas pergunta, de forma bastante despretensiosa, se eles estão juntos. Se são namorados, uma vez que o carinho entre eles é palpável. Léo estranha a pergunta. Fica incomodado. Nega veementemente. Tudo piora quando eles passam a sofrer bullying de outros colegas. Comentários homofóbicos. Que brotam do entorno. Léo resolve que, talvez, seja melhor se afastar de Rémi. Uma decisão que, definitivamente, impactará a vida de todos.

Poucas vezes a construção da noção de masculinidade na juventude foi abordada de forma tão comovente como no ótimo Close, filme do diretor Lukas Dhont - do igualmente belo e trágico Girl (2018) - que entra em cartaz nos cinemas nessa semana. Para os pais de Léo e Rémi não parece haver nada que desabone a amizade entre os dois adolescentes. Amorosa, a família de Léo trabalha no cultivo de crisântemos - e a primavera que vai e vem, com suas cores vigorosas que se alternam com o preparo do solo e de manejo da resteva na entressafra, servem como uma metáfora mais do que perfeita para uma relação de idas e vindas que será abalada pelo preconceito. No caso o preconceito enraizado. Que emerge de forma estrutural, ainda que não necessariamente claro. Há algo ao redor. E que às vezes é meio difícil de mensurar. Está no recreio no pátio. Numa risadinha que vem não se sabe de onde. Um vozerio ao fundo. Um encontrão com o valentão. Uma provocação aqui e ali.

Na intenção de manter certo distanciamento de Rémi, Léo, resolve entrar para o time de hóquei sobre o gelo do educandário - um esporte, sabe-se, de contato físico. Até de alguma forma violento. Aos poucos os encontros dos meninos vão ficando mais espaçados, para tormento de Rémi. Eles já não dormem juntos. Não pedalam juntos. Até mesmo brigam. Partem para a agressão física. Amor e ódio em uma corda que parece bastante esticada, firmada na mesma base. Até o dia em que uma tragédia acontece. Uma pancada emocional daquelas pra desgraçar qualquer espectador. Ao cabo, Close é um filme de sutilezas, de silêncios, de planos fechados que contribuem para esse suave passeio em um terreno repleto de ambiguidades. Em certa altura Rémi toca o oboé, enquanto Léo brinca: "quando você for famoso eu vou estar na primeira fila gritando por você!". "Não faça isso, vou morrer de vergonha", retruca o candidato a músico. "É por isso mesmo que vou fazer", retruca Léo às gargalhadas. Há algo ali que vai no limite entre o ingênuo e o malicioso, entre o inocente e o manhoso. E a gente quase nunca consegue saber se o que havia ali era mais do que uma amizade. Se é que isso importa alguma coisa.

Vencedora do Grand Prix do último Festival de Cannes e indicada ao Oscar na categoria Filme em Língua Estrangeira, a obra também tem parte de sua força nas interpretações - especialmente dos meninos. Descoberto por acaso por Dhont durante uma viagem de trem, Dambrine, com seu olhar melancólico, decidido e enigmático, consegue transmitir uma série de sentimentos mesmo em instantes mais econômicos ou pouco expansivos. Ainda que verbalize o quão incomodado ele está durante uma sessão de terapia coletiva diante da hipocrisia de todos ali, é o seu olhar que entrega o que está sentindo. Um olhar lacrimoso, vigoroso. Que retornará durante um comovente "reencontro" com Sophie (Émilie Dequenne), a mãe de Rémi. Não é preciso dizer nada. O gesso simbólico precisa ser quebrado para que o braço possa voltar a se mexer. Pra que a existência siga mesmo diante de um cenário de ausência. De vazio. Os crisântemos florescem bem nutridos, fortes. Ainda que as cores do jardim, ao que parece, jamais voltem a ser as mesmas. É pesado. E lindo.

Nota: 9,0

Picanha.doc - Tudo o que Respira (All That Breathes)

De: Shaunak Sen. Documentário / Drama, Índia / Reino Unido, 2022, 97 minutos.

Um grupo de aves de rapina voa quase como num balé fluído, coreografado, em um céu azul escuro denso. A câmera lenta os acompanha de forma vagarosa, sem pressa. A trilha sonora entre o eletrônico e o onírico produz em efeito evocativo, de caos sincronizado. De forma contrastante a metrópole acinzentada surge urbana, povoada, caótica. Concreto, lixo, esgoto, cabos, tubos, metal. Corujas, ratos, macacos, porcos, moscas, cães - a natureza buscando uma sobrevida em um cenário que quase se assemelha ao de uma distopia futurista em que as coisas deram muito errado. Estamos em Nova Delhi, capital da Índia. E não demora para compreendermos que Tudo o que Respira (All That Breathes), documentário indicado ao Oscar 2023 - e que está disponível na HBO Max -, é menos sobre os irmãos que se ocupam de resgatar milhafes-pretos e mais sobre a nossa relação com a natureza como um todo. 

Em tempos de aquecimento global, de falta de cuidado com o meio ambiente, de iniciativas modestas que careceriam de mais visibilidade, qual o legado que deixaremos, afinal? Claro, a recuperação do milhafre-preto, essa ave de rapina carnívora que tem grande contribuição pelo seu perfil necrófago (se alimenta de restos mortais de pombos e ratos, por exemplo, sendo bastante vista nos grandes centros urbanos), funciona aqui como uma metáfora importante da preservação - e o esforço dos irmãos Nadeem, Salik e Saud é não menos do que comovente. Só que, por mais adaptado que o animal seja à presença humana, estamos vivendo um pequeno "probleminha" de poluição atmosférica meio exagerada na atualidade. O que faz com que a ave sofra. Se despenque de seu voo. Por maior que seja o seu improviso na hora de lutar pela sobrevivência.

Sensorial e cheio de simbolismos, o filme do diretor Shaunak Sen é daqueles que se estende em suas longas tomadas. Não há pressa e é justamente esse senso de demora em meio a tanta urgência, que parece nos deixar meio nauseados. Em uma sequência, por exemplo, dois dos irmãos resolvem adentrar um rio absolutamente sujo - mas sujo num modo que dá a impressão de eles estarem entrando em uma piscina de petróleo - para salvar UM pássaro. Um, apenas um. Que caiu para além da margem. E está machucado. Um esforço de quem não apenas ama a natureza, mas vê naquilo um tipo de propósito quase místico, meio divino. "A mãe explicava pra nós que quando cuidávamos dos milhafres recebíamos de volta créditos religiosos (sawab)", argumenta um deles. As lembranças se fundem em meio a memórias que quase se convertem em delírios sobrenaturais. Nem parece combinar tanto com aquele cenário de apocalipse em tempo real.

Aliás, o componente religioso é parte integrante da narrativa - tanto que em meio a um salvamento e outro nos deparamos com alguma TV ou rádio ligados, que noticiam alguma crise envolvendo refugiados e de como a Índia está de braços abertos para os seus irmãos paquistaneses ou de Bangladesh (mas desde que eles não sejam islâmicos, claro, porque a "tolerância" deles tem limite). E, nesse sentido, é quase impossível não pensar no abnegado trabalho dos irmãos como uma espécie de esforço de formiguinha em meio ao caos do mundo - sem muitas perspectivas, com pouca esperança. Ainda que, aqui e ali, uma matéria no NY Times tenha lhes dado visibilidade, possibilitado acesso a algum recurso. Um dos irmãos lembra, sobre as questões políticas e religiosas, que a "violência é um ato de comunicação". Estamos, ao cabo, em um mundo violento. Que agoniza. Que clama por socorro. Um milhafre rouba o óculos de Saud, em uma cena inusitada. É um dos únicos instantes em que ele dá risada. O trabalho, afinal, chama. Não para. Já são 20 anos nessa lida. E nada indica que irá mudar.

Cinema - Triângulo da Tristeza (Triangle of Sadness)

De: Rubem Östlund. Com Charlbi Dean, Harris Dickinson, Woody Harrleson, Dolly De Leon e Zlatko Buric. Drama / Comédia, Alemanha / França / Reino Unido / Suécia, 2022, 150 minutos.

Em uma das primeiras sequências de Triângulo da Tristeza (Triangle of Sadness), nova obra do sempre ótimo Ruben Östlund e uma das indicadas à Melhor Filme no Oscar 2023, o jovem e lindo casal formado pela influencer Yaya (a tragicamente falecida Charlbi Dean) e pelo aspirante a modelo Carl (Harris Dickinson) discute longamente sobre quem deve pagar a conta de um jantar em um restaurante chique em que estão. Ela, pelo visto, ganha mais do que ele e ele culpa o "feminismo de merda" como uma mera muleta inútil no que diz respeito a essas questões mais práticas do dia a dia. "Se os direitos são iguais, as contas não deveriam ser divididas por igual?" é o que parece haver em seu cérebro ruminante. A cena segue, vai pro táxi onde o debate continua, em meio ao barulho incômodo de um limpador de para-brisas velho - que serve para ampliar o caráter caótico (e até absurdo) daquela conversa. Era pra ser uma noite feliz, que não fosse pautada apenas por dinheiro. Não é o que acontece.

Assim como ocorre no ótimo The Square: A Arte da Discórdia (2017), bastam alguns minutos do filme para que percebamos que Östlund aponta sua câmera, novamente, para a natureza mesquinha das classes mais abastadas, para a hipocrisia desses estratos sociais e para o abuso de poder que decorre desse cenário. Da mesma forma que o personagem do ator Jake Lacy não consegue relaxar em um hotel de luxo na primeira temporada de The White Lotus, por acreditar que o quarto que lhe foi disponibilizado não era pomposo o suficiente para a sua estada, aqui temos esses senso de vazio ampliado por vidas esquemáticas em que o que importa é conta bancária e, claro, a imagem - e os seguidores no Instagram, que retroalimentarão esse universo. Yaya e Carl receberam gratuitamente, de uma companhia de viagens, os ingressos para um cruzeiro de luxo - a imagem deles é o que compra a experiência. Eles são bonitos, afinal. Em troca? Fotos, vídeos e todo o aparato feitos por Yaya, com o apoio de um desconsolado Carl, que parece até compreender a inutilidade daquilo tudo, ainda que nunca cogite deixar de participar da "farsa".

Ao cabo, como em qualquer filme de Östlund, é sempre uma experiência muito satisfatória acompanhar como ele cola um tema no outro, convertendo a obra em uma sequência de esquetes que não fariam feio em um programa de TV moderno, oxigenado e que não teria vergonha de colocar o dedo na ferida a respeito de temas como as falhas do capitalismo, a inutilidade do debate político e a podridão humana. "Eu vendo merda pra vocês consumirem", anuncia em meio a viagem o ricaço russo Dimitry (Zlatko Buric) - um magnata da indústria de fertilizantes para a agricultura, de aparência meio grotesca. Sim, é um trocadilho, mas que funciona perfeitamente como uma rima divertida que envolve a primeira sequência do filme, em que um grupo de modelos - entre eles Carl - ensaia para uma peça publicitária da Balenciaga (aquela famosa marca que comercializa roupas esfarrapadas por preços exorbitantes, o que eu chamo carinhosamente de "tirar burguês pra trouxa").

Colando todas as partes de forma coesa, debochada, cínica, o diretor vai montando a sua colcha de retalhos que culminará em uma sequência absolutamente perturbadora, quase insuportável, durante um jantar com o capitão (Woddy Harrelson) no convés - instante em que, de forma bastante gráfica, Östlund exporá o que existe, na realidade, nas entranhas daquele povo. Um povo que sequer se envergonha em humilhar a tripulação da embarcação, obrigando-os a participar de ações a contragosto (como na cena do banho de mar) e até contribuindo para demissões, em pleno andamento da viagem. A roda não pode parar - e quem tá pagando, quem detém o dinheiro, é quem manda. De alguma forma é disso que somos lembrados o tempo todo. De que aquele sujeito que supervaloriza um prato com Nutella, é o mesmo que se acredita um filantropo por eventuais ações de caridade ou em causas sociais. "Dessa forma você pode ficar mais tranquilo em não pagar impostos o suficiente ou não contribuir com a sociedade como um todo", pontua Dimitry. O final genial nos faz pensar quais os caminhos para que esses contrastes fossem minimizados. É dolorido, sórdido, mas bem humorado. Onde quer que Buñuel esteja, não há dúvida de que ele aplaude seu "pupilo".

Nota: 8,5

Curta Um Curta - Le Pupille

Diretora de obras sensíveis e potentes como As Maravilhas (2014) e Lazzaro Felice (2018), Alice Rohrwacher utiliza no agridoce Le Pupille - um dos indicados ao Oscar na categoria Curta-Metragem e que está disponível no Disney+ - o mesmo tipo de expediente, ao contar a história de um grupo de meninas em um internato católico às vésperas do Natal. Em tempos de guerra e de escassez de suprimentos (e de esperanças), as meninas são procuradas por moradores dos arredores para orações e palavras de conforto - aliás, conforto que elas jamais parecem encontrar na irmã Fioralba (Alva Rohrwacher, irmã da diretora), a madre superiora que coordena o local num estilo meio fascista. Tanto que em uma sequência tão enternecedora quanto rígida, Fioralba proíbe as jovens de cantar e dançar uma canção de letra supostamente pervertida (melhor mesmo é ouvir as novidades sobre os soldados, as mortes e a guerra na rádio estatal).

Na noite do dia 24, as meninas interpretam uma espécie de presépio vivo - e a rigidez de seus movimentos, somada aos tons de voz quase imperceptíveis, fornecem o clima de tensão permanente com que elas convivem no local. E a situação só piora quando uma vizinha, em meio a uma súplica, presenteia as habitantes do internato com um bolo gigantesco onde, supostamente, teria utilizado 70 ovos em sua elaboração. Como resistir a essa tentação? A madre, sem muito constrangimento, demove as garotas da refeição - a oferta à Cristo como sinal de sacrifício é mais importante. Mas não podemos esquecer que em locais do tipo sempre haverá uma "rebelde" - papel que cabe, aqui, de forma meio involuntária à Serafina (Melissa Falasconi), uma pequena de olhos curiosos e modos tímidos. Mas o mundo dá voltas e o resultado é uma experiência levemente onírica, cheia de calor humano e que faz a crítica ao fanatismo religioso sem pesar a mão. E que ainda tem um final deliciosamente inesperado.

Tesouros Cinéfilos - Eo (Eo)

De: Jerzy Skolimovski. Com Sandra Drzymalska, Isabelle Hupert e Lorenzo Zurzolo. Drama, Polônia / Itália, 2022, 86 minutos.

Um burrinho num rolê completamente aleatório nos fazendo perceber, não sem certa melancolia, que talvez o mundo fosse bem melhor para os animais se o ser humano simplesmente não existisse. Mais ou menos dessa forma meio torta é que podemos resumir o curioso Eo (Eo) - o enviado da Polônia ao Oscar e um dos finalistas na categoria Filme em Língua Estrangeira. Contemplativo, desalentador e eventualmente cômico, o filme do experiente diretor Jerzy Skolimovski (do sombrio Quatro Noites com Anna, 2008) acompanha as idas e vindas do burrinho que dá nome ao filme - um simpático animal cinza de olhos inocentes e de uma persistência comovente. Inicialmente integrante de um coletivo circense, Eo é "libertado" pelas autoridades, sob a alegação de maus tratos aos animais - pra desespero de sua carinhosa cuidadora Kasandra (Sandra Drzymalska). Enviado a uma propriedade improvisada pela Prefeitura o protagonista percebe que, desamarrado, sua vida não será assim tão mais fácil.

Isso porque, em suas andanças, Eo se verá como uma espécie de espírito errante que se encontra solto mas está preso, que vaga pela Terra mas é encontrado. Em seu caminho, se deparará com um grupo diversificado de seres humanos que poderão ser gentis ou inesperadamente cruéis. O mundo, ao cabo, é imprevisível. Em alguma medida cheio de mistérios. E a cada novo encontro do protagonista com quem quer que seja, seremos permanentemente colocados em suspense, como se já soubéssemos de antemão quais os tipos de maldade de que é capaz o homem, quando o assunto é a sua relação com  os animais. Um bom exemplo disso podemos perceber quando Eo "invade" uma partida de futebol amador meio que sem querer - ele é levado ao local por um dos atletas. Quando um dos times é derrotado, a culpa, vejam só, recai sobre o burro - aquele bicho de mau agouro que não era pra estar ali. E que, enfim, precisa sofrer as consequências (ao menos na ideia do grupo de malucos).

De perfil experimental, a obra naturalmente é muito mais contemplativa, morosa, do que necessariamente movimentada - sensação ampliada pela cenografia ampla e pela fotografia de tintas excêntricas, quase surrealistas. Conforme se desloca de um ponto a outro, Eo cruza florestas, ultrapassa riachos, montanhas, matas fechadas e outros ambientes tão bucólicos quanto inóspitos. Nas mãos de agricultores das redondezas ele até poderá ser bem tratado. Mas até quando? Quando sua antiga cuidadora vai ao seu encontro - ela o localiza ou, ao menos aparentemente, sabe de seu paradeiro -, o nosso herói se agita. Fica inquieto. Tenta desesperadamente ir atrás de sua dona - de quem recebia uma dose muito mais generosa de carinho. De afago. Para nós, espectadores, que enxergamos o entorno pelos seus olhos, só nos restará torcer. Enquanto Eo se movimenta daqui pra lá, tentando ao máximo se comunicar de alguma maneira. Sem sucesso, claro.

Em alguma medida, é possível afirmar que talvez essa não seja uma obra indicada para aqueles que não toleram sequências de violência contra animais - por mais que toda a coreografia venha com um aviso a tiracolo de não ter havido nenhum abuso nesse sentido durante as filmagens. Porque o espantoso e agressivo, afinal, vai para além da vida do burro - com a alegoria da brutalidade, da selvageria e da agressividade chegando ao entorno, mais adiante do olhar passivo do bichinho. Em certa altura um caminhoneiro é simplesmente degolado. Em outro instante uma senhora quebra, literalmente, os pratos com seu enteado, antes de beijá-lo na boca (e a relação incestuosa é esfregada em nossa cara sem grandes assombros). Um pássaro morre. O rio parece querer drenas a alma. É tudo um tanto lírico, intercalando beleza com crueza, enquanto a trilha sonora evocativa soa espantosa e épica. É um filme curto, mas que parece longo. Que acarinha mas faz sofrer. Skolimovski já tem 84 anos e talvez esteja meio que de saco cheio dos seres humanos. E, de alguma maneira, talvez ele apenas queria nos lembrar que a morte é meio inevitável. Por mais pessimista que isso soe.

Cinema - Os Banshees de Inisherin (The Banshees of Inisherin)

De: Martin McDonagh. Com Colin Farrell, Brendan Gleeson, Kerry Condon e Barry Keoghan. Comédia / Drama, EUA / Irlanda / Reino Unido, 2022, 114 minutos.

Vamos combinar que, ainda nos dias de hoje, a gente tende a romantizar as relações de amizade. Como se, uma vez estabelecido esse tipo de vínculo, ele teria de durar a vida toda. Dá pra dizer adeus a um amigo de longa data? Sem remorsos, sem dores, sem rancores? Acho que não há quem não tenha vivido ou passado por isso. As pessoas mudam, afinal. Tem suas trajetórias, suas bagagens, evoluem - ou não. Ficam estagnadas lá, no mesmo lugar, conversando sobre os mesmos assuntos, as mesmas mesquinharias. A meu ver, em tempos polarizados - olha aí essa palavrinha de novo - esse aspecto parece se acentuar ainda mais. As afinidades nas relações avançaram também para o campo político. Como pessoa que trafega no campo progressista, eu não consigo conceber uma convivência diária e direta com quem flerta com a extrema direita. Ou simplesmente quem vota no Bolsonaro. E há muitos amigos das antigas, ex-colegas de faculdade, que simpatizam com o "mito". Talvez muitas pessoas passassem por cima disso. Pelo bem da amizade. Pelo amor. Famílias não se afastam, eventualmente? Casais deixam de existir? Por quê com os amigos é tão mais difícil?

Pois o que o diretor Martin McDonagh parece pretender com Os Banshees de Inisherin (The Banshees of Inisherin) é teorizar um pouco a respeito disso. E se num certo dia o seu melhor amigo acordasse e, ao encontrar você, naquele bar de sempre, dissesse um "deu, não quero mais, daqui pra frente é cada um pro seu canto". É isso que Colm (Brendam Gleeson) faz com Pádraic (Colin Farrell) em um dia nebuloso qualquer, em uma ilha no costa da Irlanda, em meio à Guerra Civil local. Como sempre faz em sua rotina, Pádraic acorda cedo, faz o manejo dos animais e vai até a casa de Colm para convidá-lo para a taverna do pequeno vilarejo - o que fazem juntos a sabe-se lá quantos anos, religiosamente. Só que Colm cansou dessa rotina. Dessa vidinha vazia. E comunica isso à Pádraic com uma sinceridade excruciante - e a dor sentida pelo seu melhor amigo parece reforçada pela expressão permanente de "cachorro pidão", que Farrell consegue elaborar com suas enormes sobrancelhas de taturana, sem nenhum dificuldade.

Compreender os motivos que possam estar por trás da decisão de Colm se tornam uma espécie de questão de honra para Pádraic, que forçará a barra até o limite do tolerável, o que levará seu "ex-melhor amigo" a uma série de decisões extremas - uma delas bem ao estilo de humor do diretor de Três Anúncios Para Um Crime (2017), com direito a automutilação e uma boa dose de delírio absurdista. Cambaleando pela vila meio desorientado sem seu melhor amigo a tiracolo, Pádraic encontrará no jovem Dominic (o sempre ótimo Barry Keoghan), uma espécie de conselheiro meio involuntário (ainda que o rapaz pareça ter algum tipo de déficit cognitivo). Já a sua irmã Siobhan (A ótima Kerry Condon), se exasperará com aquela situação. Pessoa inteligente, adepta da leitura, recebe uma proposta de emprego que poderá ser o caminho para deixar para trás aquela localidade erma, tão bela quando atrasada, parada no tempo. Aliás, essa estagnação é o que parece afligir também a alma de Colm: adepto da música e talvez de outras artes (como a decoração de sua pequena casa sugere), parece ter se enchido de Pádraic, justamente por sua incapacidade de avançar para além de um certo limite no que diz respeito à complexidade das ideias. Ele é um sujeito amável, sem dúvida. Bondoso, certamente. Mas Colm parece determinado a deixar algum tipo de legado que seja algo a mais do que o "tá lá o cara que passou suas tardes tomando cerveja preta inexoravelmente durante sete décadas".

E, ao cabo e em matéria de história em si, o filme é mais ou menos isso. Um fiapo que se espalha e, aqui e ali, faz a gente conjecturar sobre o assunto - em partes como fiz naquela divagação do primeiro parágrafo. Com sua força centrada nas interpretações (todas lembradas no Oscar), esse é aquele tipo de obra que não carece de grandes eventos para que aconteça - as explosões que sugere a guerra em andamento ecoam da ilha, mas, quem se importa. Em certa altura o policial sem muito caráter Peadar (Gary Lydon), afirma que conseguiu um frila para executar alguns presos políticos no local. "Em que lado da disputa eles estão?". Pouco interessa, afirma Peadar, que completa sua sentença dizendo que mataria o próprio Colm por um dinheiro tão bom. É nesse vazio de ideias que contrasta com a natureza exuberante que vagam os personagens. Solitários, ordinários, com suas rotinas repetitivas, simplórias. Siobhan consegue fugir a tempo, enquanto os homens do local não compreendem os motivos da irmã de Pádraic nunca ter casado. Provavelmente não havia ninguém para ela ali. Só que ela foi muito mais corajosa, certamente, do que Colm, interrompendo esse ciclo mais cedo. O personagem de Gleeson percebe tardiamente o quanto de tempo ele perdeu. As situações limite podem ser apenas simbólicas. Mas, de alguma forma, resumirão os tormentos que estão em sua alma de artista.

Nota: 8,5

Curta Um Curta - Como Cuidar de um Bebê Elefante (The Elephant Whisperers)

Um casal indiano - os carismáticos Bommam e Belli - resgata um bebê elefante órfão (e ferido) de nome Raghu, se esforçando ao máximo para que ele se torne um animal forte e saudável. A trama do curta em documentário Como Cuidar de um Bebê Elefante (The Elephant Whisperers) é de uma simplicidade comovente. O que não impede a pequena obra de cerca de 40 minutos, dirigida por Kartiki Gonsalves, de ser um verdadeiro elogio à importância da vida - de qualquer vida -, tendo como âncora o respeito à natureza e aos ecossistemas (e no sul da Índia são muitos os conflitos entre humanos e animais). Aqui o ponto alto é o afeto.

 

Riquíssimo em imagens aéreas, contemplativas, silenciosas, bucólicas, o filme acompanha a persistência e o otimismo sorridente do casal central que fortalecerá, com o passar do tempo, seus vínculos com esse simpático "filho meio improvisado" (e o fato deles também terem seus traumas a superar, torna tudo mais emocionante). Disponível na Netflix, a produção foi indicada ao Oscar 2023 na categoria Documentário em Curta-Metragem, apostando na ambientação harmoniosa e ritualística, e nas belas imagens, dignas de Discovery Channel, como algumas de suas fortalezas. É difícil ficar alheio. Ou não pensar na vastidão do mundo.

 

Treze Considerações Sobre os Indicados ao Oscar 2023

A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas revelou na manhã desta terça-feira (24/01) os indicados ao Oscar 2023. A cerimônia está marcada para o próximo dia 12 de março - o que abre uma boa janela para que consigamos nos atualizar sobre os principais lembrados. Como de praxe aqui no Picanha, a gente faz uma listinha com Treze Considerações sobre os indicados, destacando ausências sentidas, esnobes, surpresas e outros.

1) Em primeiro lugar a satisfação em ver dois filmes maravilhosos como Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e Nada de Novo no Front sendo lembrados com onze e nove nominações respectivamente - em uma campanha que ganhou força na reta final e retirou outras obras, como Os Fabelmans, de um certo favoritismo. É claro que Os Banshees de Inisherin também chega forte, já que também teve nove indicações. Mas em geral isso nos faz perceber que, para além do investimento em campanha, na atualidade, é preciso que o filme também seja muito bom. É meio que o efeito Parasita que segue reverberando.

 

2) Ainda na categoria principal, devo admitir que gostei demais de ver o ainda inédito Triangle os Sadness entre os lembrados - ainda não vi a obra, mas como sou um grande fã do trabalho de Ruben Östlund, tenho absoluta certeza de que vou gostar (aliás, resenha por aqui assim que o filme estiver disponível). Achei meio surpreendente a presença de Entre Mulheres na categoria principal já que o filme da Sarah Polley perdeu força na reta final. Há quem ache que valeria a pena dar esse tipo de visibilidade para Pinóquio de Guillermo Del Toro, por exemplo. Ou mesmo A Baleia. Enfim, enfim...

3) Sobre perda de força, filmes que foram muito comentados nas prévias, como Império da Luz, Babylon, Amsterdam, Ela Disse, The Son e Até os Ossos foram perdendo espaço para outros, conforme a temporada avançava. A grande maioria desses filmes em ainda não assisti para dar o veredicto. Mas como dizem alguns críticos para alguns filmes seria melhor não estrear: aí a campanha poderia permanecer em alta. E ninguém teria chance de ver a bomba que é!

4) Falando em bomba, sinceramente, dada a repercussão negativa de Blonde, me recusei a assistir as quase três horas do filme da Netflix - que ontem foi "agraciado" com oito indicações para o Framboesa de Ouro, aquela brincadeira que sempre dá visibilidade as piores produções da temporada. Ainda assim, a Ana de Armas foi lembrada na categoria Atriz. Ela fez um trabalho melhor que a Viola Davis por A Mulher Rei? Ou que a Danielle Deadwyler por Till? Oscar so white de novo? Ou não? Bom, fica para a polêmica. O Blonde tá anotado aqui: se sobrar tempo ainda assisto antes da noite derradeira do Oscar.

5) Ainda nas categorias de atuação, gostei demais da lembrança de Paul Mescal como ator pelo comovente Aftersun - ainda que isso talvez tenha significado deixar o Tom Cruise de fora. E ainda sobre surpresas, creio que nenhuma tenha sido mais absurda (positivamente?) do que a lembrança de Andrea Riseborough pelo alternativo To Leslie. A campanha parece ter sido modesta, envolvendo menos estúdio e mais pessoas, o que chega a alterar um pouco a lógica do "o dinheiro é que manda" To Leslie ainda não estreou por aqui, mas devo dizer que essa nominação aumentou consideravelmente a curiosidade. 

 

6) E o Brendan Fraser? Será que vence em sua primeira nominação da história?

7) Importante comentar: havia a chance, mas nenhuma das duas produções brasileiras que figuravam nas short lists foram lembradas - nem Sideral de Carlos Segundo, na categoria Curta-Metragem, nem O Território, coprodução entre Brasil, Estados Unidos e Dinamarca, que corria por fora na categoria Documentário. Mais uma vez assistiremos a maior premiação do cinema de "fora", sem chance alguma. Ao passo que os nossos hermanos chegam bem cotados pelo excelente Argentina, 1985 que, não custa sonhar, pode tirar a vitória de Nada de Novo no Front na categoria Filme em Língua Estrangeira.

8) Aliás, sobre a categoria Filme em Língua Estrangeira, aqui talvez esteja o maior esnobe de todos: no caso o do coreano Decision to Leave. Bom para o singelo A Menina Silenciosa, que acabou abocanhando a vaga. Havia uma forte especulação na mesma categoria sobre a presença do badalado Bardo: Falsa Crônica de Algumas Verdades. Mas também ficou de fora.

9) Sobre a categoria documentário é até meio normal haver surpresas: agora, jamais poderia imaginar Moonage Daydream de fora. Uma baita - e inesperada - surpresa.

 

10) Em Fotografia também foi meio inesperada a ausência de Top Gun: Maverick que, em algumas bolsas de apostas era dada como presença certa. Aqui rolou um prêmio de consolação pra Bardo: Falsa Crônica de Algumas Verdades e Império da Luz - este último fotografado por Roger Deakins (o que é sempre um diferencial).

11) E o Brian Tyree Henry lembrado na categoria Ator Coadjuvante? Acho que nem o maior fã do filme Passagem poderia esperar tamanha surpresa.

12) Muito se falou sobre a canção original do Pinóquio de Guillermo Del Toro, Ciao Papa, que acabou de fora da lista final. Mas a disputa entre Lady Gaga (Top Gun: Maverick) e Rihanna (Pantera Negra: Wakanda Para Sempre) deve dar o que falar.

13) Havia comentaristas, como o ótimo Dalenogare, que acreditavam que o Treze Vidas: O Resgate, da Amazon, poderiam aparecer em alguma das categorias - inclusive de Filme. Se havia essa possibilidade, o resultado, com nenhuma indicação pode ser considerado apenas um fiasco. Que só confirma a dificuldades da Amazon na hora de fazer campanha.

Indicados

Melhor Filme

   Nada de Novo no Front
   Avatar: O Caminho da Água
   Os Banshees de Inisherin
   Elvis
   Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo
   Os Fabelmans
   Tár
   Top Gun: Maverick
   Triângulo da Tristeza
   Entre Mulheres

Melhor Ator

    Austin Butler (Elvis)
    Colin Farrell (Os Banshees de Inisherin)
    Brendan Fraser (A Baleia)
    Paul Mescal (Aftersun)
    Bill Nighy (Living)

Melhor Atriz

    Cate Blanchett (Tár)
    Ana de Armas (Blonde)
    Andrea Riseborough (To Leslie)
    Michelle Williams (Os Fabelmans)
    Michelle Yeoh (Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo)

Melhor Atriz Coadjuvante

    Angela Bassett (Pantera Negra: Wakanda Para Sempre)
    Hong Chau (A Baleia)
    Kerry Condon (Os Banshees de Inisherin)
    Jamie Lee Curtis (Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo)
    Stephanie Hsu (Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo)

Melhor Ator Coadjuvante

    Brendan Gleeson (Os Banshees de Inisherin)
    Brian Tyree Henry (Passagem)
    Judd Hirsch (Os Fabelmans)
    Barry Keoghan (Os Banshees de Inisherin)
    Ke Huy Quan (Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo)

Melhor Direção

    Martin McDonagh (Os Banshees de Inisherin)
    Daniel Kwan e Daniel Scheinert (Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo)
    Steven Spielberg (Os Fabelmans)
    Todd Reid (Tár)
    Ruben Ostlund (Triângulo da Tristeza)

Melhor Animação

    Pinóquio por Guillermo del Toro
    Marcel the Shell with Shoes On
    Gato de Botas 2: O Último Pedido
    A Fera do Mar
    Red: Crescer é uma Fera

Melhor Curta Animado

    The Boy, The Mole, The Fox and the Horse
    The Flying Sailor
    Ice Merchants
    My Year of Dicks
    An Ostrich Told Me The World is Fake and I Think I Believed It

Melhor Roteiro Original

    Os Banshees de Inisherin
    Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo
    Os Fabelmans
    Tár
    Triângulo da Tristeza

Melhor Roteiro Adaptado

    Nada de Novo no Front
    Glass Onion: Um Mistério Knives Out
    Living
    Top Gun: Maverick
    Entre Mulheres

Melhor Curta em Live-Action

    An Irish Goodbye
    Ivalu
    Le Pupille
    Night Ride
    The Red Suitcase

Melhor Design de Produção

    Nada de Novo no Front
    Avatar: O Caminho da Água
    Babilônia
    Elvis
    Os Fabelmans

Melhor Figurino

    Babilônia
    Pantera Negra: Wakanda Para Sempre
    Elvis
    Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo
    Sra. Harris vai a Paris

Melhor Documentário

    All That Breathes
    All the Beauty and the Bloodshed
    Fire of Love
    A House Made of Splinters
    Navalny

Melhor Documentário em Curta-Metragem

    The Elephant Whisperers
    Haulout
    How Do You Measure a Year?
    The Martha Mitchell Effect
    Stranger at the Gate

Melhor Som

    Nada de Novo no Front
    Avatar: O Caminho da Água
    Batman
    Elvis
    Top Gun: Maverick

Melhor Direção de Fotografia

    Nada de Novo no Front
    Bardo, Falsa Crônica de Algumas Verdades
    Elvis
    Império da Luz
    Tár

Melhor Edição

    Os Banshees de Inisherin
    Elvis
    Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo
    Tár
    Top Gun: Maverick

Melhores Efeitos Visuais

    Nada de Novo no Front
    Avatar: O Caminho da Água
    Batman
    Pantera Negra: Wakanda Para Sempre
    Top Gun: Maverick

Melhor Maquiagem

    Nada de Novo no Front
    Batman
    Pantera Negra: Wakanda Para Sempre
    Elvis
    A Baleia

Melhor Filme Internacional

    Nada de Novo no Front (Alemanha)
    Argentina, 1985 (Argentina)
    Close (Bélgica)
    EO (Polônia)
    The Quiet Girl (Irlanda)

Melhor Trilha Sonora Original

    Nada de Novo no Front
    Babilônia
    Os Banshees de Inisherin
    Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo
    Os Fabelmans

Melhor Canção Original

    Diane Warren – “Applause” (Tell It Like a Woman)
    Lady Gaga – “Hold My Hand” (Top Gun: Maverick)
    Rihanna – “Lift Me Up” (Pantera Negra: Wakanda Para Sempre)
    M.M. Keeravaani e Chadrabose – “Naatu Naatu” (RRR)
    Ryan Lott, David Byrne, Mitski – “This Is a Life” (Tudo em Todo o Lugar Ao Mesmo Tempo)