Tesouros Cinéfilos - Doentes de Amor (The Big Sick)

De: Michael Showalter. Com Kumail Nanjiani, Zoe Kazan, Holly Hunter e Ray Romano. Comédia romântica / Drama, EUA, 2017, 120 minutos.

Baseado em fatos reais, Doentes de Amor (The Big Sick) é aquele tipo de filme que vai te ganhando aos pouquinhos. Quando você começa a assistir você não dá nada pela obra e quando vê já está fascinado por ela, torcendo com todas as forças para todos os personagens - e por sua felicidade. E, levando-se em conta que esta é uma comédia romântica, bom, é possível dizer de saída que este já se consiste em um de seus tantos méritos. A trama nos joga para o universo em que convivem os comediantes de stand up, que tentam a sorte em bares e boates com meia lotação. Um deles, o paquistanês Kumail (Nanjiani), chama a atenção da estudante de psicologia Emily (Kazan, que, por sinal, é neta do grande diretor Elia Kazan). Após um flerte meio desajeitado (e cheio de tiradas bem humoradas), ambos percebem ter grande afinidade e, pra resumir a história, acabam se apaixonando.

Só que há um problema meio "Romeu e Julieta" nessa história. Por ser paquistanês, os pais de Kumail jamais aceitariam, de acordo com a sua cultura, o casamento com uma caucasiana. Ou com qualquer outra pessoa que não tivesse as suas origens. Não por acaso, alguns dos momentos mais divertidos da película mostram os esforços da mãe do protagonista - sua família também mora nos Estados Unidos - para lhe arrumar uma pretendente (já que a tradição no Paquistão são os casamentos arranjados). Por outro lado, é possível imaginar o tipo de preconceito - ou, minimamente, de desconfiança - que Kumail sofreria quando fosse apresentado aos pais, aos avós ou aos tios de Emily, uma garota loira, de olhos claros e integrante da família tradicional americana. O conflito, claramente, está estabelecido.

Só que Showalter, é preciso que se diga, jamais pesa a mão em sua abordagem, ainda que a película flerte com temas pesadíssimos, como preconceito racial e xenofobia - o que também passa pelo fato de não estereotipar (ao menos em excesso), o seu protagonista. Ao contrário, o diretor consegue rir da paranoia americana com o terrorismo, como no impagável primeiro diálogo entre Terry (Romano) e Kumail, ocasião em que o primeiro pergunta sobre as mortes ocorridas no 11 de setembro, para ouvir do segundo "é muito triste saber que perdemos 19 dos nossos melhores caras". Aliás, Romano claramente improvisa em várias cenas - talvez inspirado pelo clima dos bastidores -, tornando cada diálogo uma esquete particular e imprevisível, como no momento em ambos divagam, deitados em casa, sobre o amor. Já Holly Hunter está naturalmente hilária, compondo a mãe de Emily como uma figura ao mesmo tempo carismática, enérgica e carinhosa.

Reservando para o terço final o momento mais dramático da obra - Emily acaba acometida por uma infecção de difícil explicação - Showalter conta, assim, a história sobre como se deu a aproximação de Kumail com os pais de Emily e sobre como ambos conseguiram, assim, derrubar as eventuais barreiras culturais que pudessem impedir um relacionamento. E cada pequena conquista nesse sentido - vale também para a família do paquistanês - é celebrada pelo espectador, especialmente por aqueles que acreditam que, no amor, seja possível superar todas e quaisquer diferenças. Divertido, leve, eventualmente despretensioso mas, ainda assim, significativo do ponto de visto do atualíssimo debate, Doentes de Amor talvez merecesse uma melhor sorte no Oscar. Ainda assim a sua única indicação - na categoria Roteiro Original - não deixa de ser uma espécie de prêmio para uma obra assim, tão simpática.

Cinema - Me Chame Pelo Seu Nome (Call Me By Your Name)

De: Luca Guadagnino. Com Timothée Chalamet, Armie Hammer, Michael Stuhlbarg e Amira Casar. Drama / Romance, EUA / Itália / França / Brasil, 2017, 131 minutos.

Existe uma frase que corre pela internet que diz que "apaixonar-se é mais do que correr riscos, é ver os riscos e não correr". De alguma forma, pode-se dizer que esta oração resume o espírito do singelo Me Chame Pelo Seu Nome (Call Me By Your Name), filme de grande beleza plástica - ainda que econômico no que se refere a complexidade (e até ousadia) de sua trama. O roteiro nos joga para o lânguido verão de 1983, na Lombardia, na Itália. No local o jovem Elio (Timothée Chalamet, em papel altamente desafiador e indicado ao Oscar) passa as férias com os pais Anella (Amira Casar) e o senhor Perlman (o sempre ótimo Michael Stuhlbarg), em um ambiente multicultural, em que não apenas várias línguas são faladas de forma fluente - inglês, francês e italiano -, como também são naturais discussões sobre literatura, música e artes em geral.

O ambiente parece convidativo e ideal para isso e o charme dos cenários da cidade histórica quase pula para fora da tela - sensação ampliada pelas personagens e seus figurinos excêntricos, somadas a um desenho de produção inspiradíssimo e elegante e a uma fotografia granulada e propositalmente vibrante. A chegada do estudante Oliver (Armie Hammer) agitará o local. Todos os anos o senhor Perlman convoca um acadêmico para lhe ajudar com as pesquisas sobre cultura greco-romana. Só que Oliver é diferente - alto, louro, com voz firme chamará a atenção de Elio que, aos 17 anos, talvez experimentará pela primeira vez a sensação de, de fato, se apaixonar. Uma paixão que, diga-se, poderá ter data e hora para terminar já que, dali a seis semanas, Oliver retornará aos seus Estados Unidos natal.

O filme não tem pressa em retratar a aproximação entre os dois rapazes. Do toque casual durante uma prosaica partida de vôlei, à parceria de ambos em pedaladas em meio a cenários bucólicos, tudo é retratado com grande placidez, de forma quase entorpecente. O que diga-se, pode-se constituir no único pecado da narrativa, que pode se tornar eventualmente lenta e pouco fluída. Ainda assim, sem tornar o contexto ou o cenário opressivo à ambos, o diretor Luca Guadagnino se aproveita do estupendo roteiro escrito por James Ivory (diretor de pérolas como Vestígios do Dia), para tornar a película uma verdadeira celebração ao amor. O amor eventualmente desajeitado dos jovens, cheio de dúvidas, mas invariavelmente sincero como o dos "adultos". O amor que não escolhe gênero, cor, crença, tamanho, status social e que é apenas amor.

Nesse sentido, Guadagnino preenche a tela com belas e divertidas sequências, como aquela em que ambos se lamentam por não terem se aproximado mais cedo, deixando para os minutos finais da estada de Oliver as experiências mais marcantes. Ou mesmo momentos mais tocantes (e reveladores), como aquele em que o pai de Elio o incentiva a buscar a felicidade de qualquer forma, coisa que ele, no passado, não teria conseguido por força das circunstâncias. É um filme diferente de O Segredo de Brokeback Mountain (2005) já que não há, por exemplo, um conflito em um ambiente excessivamente conservador ou homofóbico. O que não deixa de ser também uma mérito para a obra, que ocupa-se muito mais da paixão entre os rapazes, deixando um pouco de lado os possíveis (e totalmente desnecessários) julgamentos.

Indicado em quatro categorias para o Oscar - além da principal, James Ivory concorre em Roteiro Adaptado (com boas chances, diga-se), Chalamet está por Ator e ainda há uma indicação na categoria Canção Original, com a melodiosa History Of Love, do Sufjan Stevens correndo por fora. Outra curiosidade sobre o filme é o fato de um dos produtores ser brasileiro, no caso o Rodrigo Teixeira (e uma eventual vitória da obra na categoria principal seria a única chance de vermos um brasileiro subindo ao palco para receber uma estatueta dourada). Ainda assim, independentemente de vitórias ou não no Oscar - que ocorre no próximo dia 04 de março - Me Chame Pelo Seu Nome é aquele filme de rara beleza, sobre ritos de passagem, sobre a descoberta do desejo e, como já foi dito, sobre o amor. Vale conferir.

Nota: 8,0

10 Considerações Sobre os Indicados ao Oscar 2018

Como vocês sabem, ontem foram divulgados os indicados ao Oscar, que ocorre no próximo dia 04 de março. Aqui no Picanha a gente faz as nossas tradicionais considerações sobre os nominados desse ano, tomando por base aquilo que já assistimos.

1) Dos nove indicados a Melhor Filme, a equipe do Picanha assistiu apenas quatro, até o momento - e, devemos admitir, não estamos muito esperançosos com essa "safra". Dunkirk é um filme muito bom tecnicamente e importantíssimo do ponto de vista histórico. Mas é confuso - e confesso que até me surpreende a indicação na categoria Montagem. Boa parte das pessoas que assistiram a película tiveram dificuldades para compreender os eventos que ocorrem em três linhas temporais completamente diferentes. Talvez o Christopher Nolan tenha confiado demais na capacidade de interpretação dos espectadores ou vai ver eu é que estava meio desligado mesmo. Me digam vocês. Já o Lady Bird é aquele filme queridinho da temporada, estilo que faz sucesso no Festival de Sundance, meio alternativo, sobre famílias disfuncionais tentando se ajustar a um contexto. Sinceramente: não achamos nada de mais e ficamos meio sem entender o hype que o coloca como um dos mais bem avaliados filmes da história, no IMDB.

2) Já o Corra! é a boa surpresa da temporada. Aquele filme que foi exibido discretamente no meio do ano, e foi ganhando força na reta final para as indicações. Diga-se de passagem, quem quiser iniciar as sessões "Oscar" pode começar por esse, já que a película do diretor Jordan Peele - nossa oitava colocada na lista de 25 Melhores Filmes do último ano - já está disponível em DVD. A propósito, talvez essa seja uma das mais relevantes obras entre as indicadas, com inadiável discussão sobre racismo estrutural.

3) Dos que assistimos, o Três Anúncios Para um Crime é o mais legal. Não sei se é a presença da Frances McDormand, mas a obra tem aquele clima meio Fargo, lembrando MUITO os filmes dos Irmãos Coen. O tema é pesadíssimo - envolve o estupro e assassinato de uma jovem - e uma mãe que exige justiça a qualquer preço. Mas tudo é tratado com uma certa leveza (e até um tom de deboche) e as presenças de Woody Harrelson  e Sam Rockwell contribuem para isso. Aliás, nas bolsas de apostas, o filme do diretor Martin McDonagh pinta como favorito para a estatueta máxima da noite. O mesmo valendo para Frances e para Rockwell em suas categorias. Como McDonagh não foi indicado na categoria diretor, há quem considere o A Forma da Água, do Guillermo Del Toro, o favorito para o prêmio mais alto da noite.

4) A propósito do filme de Del Toro, ele é o que mais nos desperta a curiosidade e estamos ansiosos pela sua estreia - que ocorre por aqui no dia 01 de fevereiro. Os outros filmes também devem ser bons e o que mais dá preguiça de assistir é O Destino de Uma Nação - ainda que o Gary Oldman seja a barbada da noite na categoria ator. Já pode colocar no teu Bolão.

5) Sobre as atrizes, todas que concorrem com a Meryl Streep já sabem que são apenas quatro vagas na categoria atriz. É ela e mais quatro. E interpretar personagem forte em filme do Spielberg é até covardia. Acho que até ela já devia saber que seria nominada novamente. A propósito: The Post - A Guerra Secreta estréia amanhã nos cinemas. Alguma esperança para Lajeado?

6) Ah, o Me Chame Pelo Seu Nome já está em cartaz. E, quem assistiu, curtiu.

7) Alguns filmes que chegaram a figurar nas bolsas de apostas como possíveis indicados para a categoria máxima da noite, perderam força na reta final, caso de Guerra dos Sexos, Mudbound - Lágrimas Sobre o Mississipi, Artista do Desastre, A Grande Jogada, Eu Tonya, Blade Runner 2049, Mother! e Doentes de Amor - ainda que (quase) todos tenham recebido uma ou outra nominação em alguma categoria. A propósito, o Doentes de Amor recebe o prêmio simpatia, até o momento, na temporada. Impossível não se divertir com esse pequeno grande filme!

8) Achamos legal o Logan ser lembrado na categoria Roteiro Adaptado. Não vimos o filme, mas TODO MUNDO MESMO, fala que é um filmaço! Ah, a presença do divertido Em Ritmo de Fuga em algumas categorias técnicas, também nos deixou feliz. É um filme já disponível e muito legal!

9) Uma categoria que SEMPRE vale a pena ficar atento é a Melhor Filme em Língua Estrangeira até mesmo porque, vamos combinar, é certamente ali que estão de fato os melhores filmes. O imperdível filme húngaro Corpo e Alma foi o quarto colocado na nossa lista de 25 melhores do último ano. O russo Loveless foi o décimo oitavo. O favorito do momento é o chileno Uma Mulher Fantástica - até mesmo pela relevância do tema. Mas o que queremos ver MESMO - e já está em cartaz - é o The Square. É o filme que te arrebata já no trailer.

10) Não vimos nenhuma das animações indicadas, até o momento: e temos a certeza de que TODAS serão boas. Ah, e entre os documentários, há um que está disponível na Netflix: Ícaro.

Em breve o Picanha segue a cobertura com resenhas sobre os indicados e tudo o mais. =)

Cinema - Verão 1993 (Estiu 1993)

De: Carla Simón. Com Laia Artigas, David Verdaguer, Bruna Cusi e Paula Robles. Drama, Espanha, 2017, 96 minutos.

O "mundo" está em dívida com a pequena Frida (Laia Artigas), que acaba de perder a mãe por complicações decorrentes da AIDS, além de já ter perdido o pai anteriormente, em circunstâncias desconhecidas. Seu novo lar, agora, é ao lado dos tios Esteve (David Verdaguer) e Marga (Bruna Cusi), em uma casa de campo bem afastada de Barcelona, onde residia antes. Com cerca de sete anos, Frida acompanha os acontecimentos do entorno sem entender direito tudo o que está ocorrendo e, a sua maneira, tenta sobreviver ao trauma, brincando com a prima (menor, mas mais madura do que ela) e se relacionando com este novo ambiente. No dia a dia, Marga procura dar a Frida educação semelhante aquela que dá a própria filha, o que desencadeia uma série de pequenos conflitos, já que a sobrinha - agora uma "filha emprestada" - se comporta de maneira infantil e, eventualmente, imatura.

Longe de ser um registro excessivamente melancólico, Verão 1993 (Estiu 1993) adota um estilo naturalista para mostrar uma realidade em que a adaptação é a palavra-chave. Marga certamente não imaginava ter de cuidar de mais uma menina - ainda mais de uma traumatizada pela morte dos pais - e, aqui e ali, mostra até mesmo certo ciúme dos momentos de carinho (e zelo) que Esteve dedica a sobrinha. Já Esteve procura ser o ponto de equilíbrio em meio a tudo o que está ocorrendo, tendo que ele também superar o drama pela perda da irmã. Já Frida, que se recusa até mesmo a amarrar os seus tênis (apesar de já ter idade para isso), faz birra para tomar o café da manhã ou pentear o cabelo e reclama de um presente dado pela avó por não gostar da cor da roupa, certamente é a personagem mais complexa, resultado também do impressionante trabalho da jovem Laia Artigas, capaz de conduzir o espectador para os mais variados sentimentos diante de seu comportamento ao mesm tempo silencioso e provocador.

Diga-se de passagem, o filme da diretora Carla Simón - enviado da Espanha para a categoria Filme em Língua Estrangeira no Oscar desse ano - também é sobre pessoas. E sobre dúvidas. E sobre qual a maneira certa (ou não) de agir diante das circunstâncias. E há maneira certa, especialmente diante de acontecimentos tão impactantes? Marga não quer que Frida seja mimada demais e se irrita quando a filha também passa a adotar comportamento infantilizado, após o início da convivência com a prima. Já a avó de ambas as crianças é zelosa ao extremo - especialmente com Frida -, atendendo a todas as suas vontades como uma forma de, talvez, tentar fazer curar as feridas que, nela, ainda não foram cicatrizadas. Mas qual será o resultado disso? Mesmo com a atenção de todos a sua volta, Frida faz de tudo para chamar a atenção, como nos momentos em que coloca a vida da prima em risco ou "ameaça" fugir de casa (só pra ir até o quintal, dar meia volta e retornar).

Verão 1993 não é um filme "grande", mas é um filme sobre todos nós, tentando fazer o melhor e tentando nos ajustar ao mundo que nos é apresentado - complexo, imprevisível, surpreendente. E, como pano de fundo, ainda apresenta uma realidade que, certamente, foi a de muitas famílias do final dos anos 80 e do início dos anos 90, quando o vírus HIV ainda representava um grande mistério a ser desvendado pela medicina. (e não é por acaso que uma das cenas finais, quando Marga tenta explicar as circunstâncias da morte da ex-cunhada a Frida, é tão comovente) Simples, bucólico, silencioso (o som só é "quebrado" por algumas inserções de Esteve, que tem certos arroubos como músico), com fotografia granulada e primaveril, a obra é daquelas gostosas de ver, recheadas de personagens complexas, eventualmente inseguras e absolutamente verossímeis. Um belo exemplar do cinema espanhol.

Nota: 8,0

Tesouros Cinéfilos - Feitiço do Tempo (Groundhog Day)

De: Harold Ramis. Com Bill Murray, Andie MacDowell, Chris Elliott e Stephen Tobolowsky. Comédia / Fantasia, EUA, 1993, 101 minutos.

Não bastasse ser uma das comédias mais divertidas da história, Feitiço do Tempo (Groundhog Day), ainda é uma obra cheia de possibilidades, de metáforas e de intenções por trás de seu roteiro absolutamente inovador, ainda que leve e gracioso. Na trama, Bill Murray é Phil, sujeito esnobe, presunçoso e egocêntrico que atua como "homem do tempo" em uma emissora de tevê. Escalado para cobrir o Dia da Marmota - que determinará a duração do inverno em uma pequena cidade da Pensilvânia -, ele acaba preso em uma espécie de loop temporal, que faz com que ele reviva o mesmo dia, repetidamente. Só que ele é a única pessoa presa na tal armadilha que tem consciência disso, já que a produtora Rita (Andie MacDowell) e o cinegrafista Larry (Chris Elliot) vivem cada dia como se este fosse o da cobertura televisiva para o qual todos foram escalados. O mesmo valendo para os habitantes de Punxutawney (a cidadezinha em questão).

Intrigado com o que está acontecendo Phil procura, inicialmente, tirar vantagem da situação, o que envolve mulheres sendo seduzidas - já que ele pode descobrir detalhes sobre as suas vidas, o contribuirá para a efetivação da conquista -, pequenos furtos e a adoção de uma vida desregrada no que diz respeito à comida, a bebida e ao respeito às leis. Só que, com o passar do tempo, a repetição de tudo sem nenhuma explicação faz com que o desespero aumente, com o sujeito tentando o suicídio diversas vezes, sem sucesso. (o que resulta em algumas das sequências mais engraçadas da película, já que cada tentativa de acabar com a própria vida, faz com que ele retorne para o mesmo lugar, no mesmo pequeno hotelzinho, com o despertador tocando às 6h da manhã, ao som de Sonny e Cher cantando o inesquecível hit I'Ve Got You Babe).

Mas como o velho ditado diz que "se não pode vencê-los, junte-se a eles", Phil resolve encarar essa temporada em uma realidade paralela para se tornar um sujeito melhor, o que envolve aulas de piano, de francês e de escultura em blocos de gelo e muita gentileza para com os moradores locais - e, nesse sentido, vale a pena ver a mudança de comportamento progressiva a cada encontro com o irritante corretor de seguros Ned (o hilário Stephen Tobolowsky), com direito até mesmo a abraço fraterno. O mesmo valendo para o prefeito do lugar, que tem sua vida salva após se engasgar com um pedaço de carne em um restaurante. Nesse sentido, é somente quando Phil "evolui" como pessoa, se tornando um sujeito mais gentil, cordial e agradável - o que culmina na conquista de Rita - que ele consegue avançar, transformando a sua existência repetitivamente miserável em um novo dia de fato.

A metáfora sobre a importância de preencher cada dia de nossas vidas com experiências positivas talvez possa até parecer meio óbvia, mas o caso é que ela nunca foi inserida de maneira tão inteligente, engraçada e charmosa em uma película, como nesse verdadeiro Tesouro Cinéfilo. Se os dias de Phil como um sujeito amargurado e antipático eram sempre iguais, monótonos e sem vida, é somente quando ele dá um verniz de novidade para cada um deles - fruto de sua iniciativa pessoal, de sua vontade, ânimo, enfim - que a redenção ocorre. E, é preciso que se diga, a cereja do bolo fica para a noite com Rita (e Andie Macdowell está magnética na pele da personagem), uma vez que, todos sabemos, um novo amor sempre preencherá nossa existência com novos matizes, nos deixando eufóricos, felizes e prontos para encarar cada dia como se este fosse único.

Prestes a completar 25 anos, Feitiço do Tempo permanece até hoje na memória (e nos corações) dos cinéfilos, seja pela sua edição ágil, pelas interpretações cheias de competência, pelas gags hilárias ou pelo roteiro totalmente original de Danny Rubin e Harold Ramis - que sequer foram indicados para a categoria na cerimônia do Oscar daquele ano, em uma das maiores injustiças da história. A propósito, assim como já ocorreu com outros filmes, a fama dessa pequena obra-prima foi aumentando com o passar do tempo, com o filme recebendo o status de cult - e figurando na quarta colocação entre as 100 Melhores Comédias de Todos os Tempos, de acordo com a BBC. O próprio crítico Roger Ebert, que na época do lançamento da película lhe deu como nota três estrelas (de cinco possíveis), se viu obrigado a, anos depois, se retratar atribuindo a obra uma "genialidade que não pode ser imediatamente perceptível". Não é pouco.

5 Episódios para Começar a Amar Black Mirror

Você abre as redes sociais e não se fala de outra coisa a não ser Black Mirror. Você não aguenta mais o assunto, até quer conhecer, mas não está com saco pra assistir os quase 20 episódios que formam as quatro temporadas da série mais hypada do mundo. Pois nós do Picanha resolvemos te dar uma força! Com a intenção de não deixar você, leitor, de fora daquela conversa animada de fim de tarde com os amigos, ou mesmo nas rodas de bate-papo da faculdade ou do trabalho, selecionamos os cinco episódios que PRECISAM ser vistos e que servirão como porta de entrada para um caso de amor eterno com esses pequenos filmes que discutem tecnologia e a nossa relação com ela! Como os episódios são independentes, eles não necessariamente precisam ser assistidos em ordem, o que facilita o (prazeroso) trabalho!

1) Hang The DJ (S04 E04): o episódio mais legal da quarta temporada nos leva a um futuro em que os aplicativos de relacionamento - tipo Tinder, Happn e outros - funcionam por meio de algoritmos que vão testando as suas preferências e gostos com o objetivo de te colocar, ali adiante, em contato com a tua provável alma gêmea. Mas o caso é que cada novo match tem uma data marcada para ter fim. Por exemplo, conheceu alguém legal agora? Pode ser que você só tenha 36 horas ao lado dessa pessoa, sendo necessário respeitar esse sistema e suas leis. E se você tiver que ficar cinco anos com aquela MALA que você não aguenta? O episódio brinca com o fato de aprendermos a cada relação e com cada pessoa que cruza em nossas vidas, reservando para a conclusão uma das sequências mais tocantes e surpreendentes de todas as temporadas. Hang The DJ!

2) Nosedive (S03 E01): e se houvesse um aplicativo que permitisse dar notas para tudo e para todos o tempo todo, de acordo com as suas experiências pessoais? Por exemplo: foi bem atendido pelo caixa do supermercado? Você pode dar uma nota 5 para ele, que terá sua foto e informações pessoas disponíveis em seu smartphone. Não gostou do seu vizinho ter feito algum comentário maldoso sobre alguém? Duas estrelas para ele! As notas também podem ser dadas via redes sociais semelhantes ao Instagram, por exemplo. Quanto mais alto o seu ranking, maior o seu status e mais lugares interessantes você pode acessar. Empresas trabalham para aumentar os números dos usuários, só que qualquer comportamento mal visto pelos demais pode representar uma "queda livre" na sua nota. E aí? Bom, aí você vai experimentar o preconceito que vivem aqueles que estão a margem da sociedade. Uma crítica feroz ao caráter falso e excessivamente nascisista daquilo que publicamos nas redes sociais.

3) The National Anthem (S01 E01): o primeiro episódio da história de Black Mirror se mantém até hoje como um dos mais perturbadores, ao mostrar o poder do jornalismo sensacionalista diante da curiosidade mórbida das pessoas e da obsessão destas por aquilo que passa na televisão. Na trama, após o sequestro da princesa da família real britânica, o sequestrador pede um "resgate" um tanto curioso: que o primeiro-ministro do País, Michael Callow, tenha relações sexuais com um porco na televisão, ao vivo. Se isto não acontecer no horário indicado pelo criminoso, ele matará a princesa. Temas como papel da mídia, importância da opinião pública e até crítica à arte contemporânea alimentam este episódio, que deixa o espectador em suspense até os últimos segundos.

4) San Junipero (S03 E04): esse é o episódio que caiu nas graças dos nostálgicos (e dos românticos) de plantão. Especialmente pelo sem fim de referências aos anos 80 - dos fliperamas com o jogo Pac Man, passando pelos figurinos multicoloridos, até chegar a trilha sonora que conta com sons dos Bangles, Simple Minds e INXS, entre outros. Por voltar ao passado, este também é um dos episódios mais misteriosos e de andamento menos óbvio. Que realidade será esta em que duas garotas - a extrovertida Kelly e a introspectiva Yorkie - se encontram sempre, uma vez por semana? E quando uma delas para de aparecer, exigindo da outra uma busca desenfreada por aquilo que parecem ser "outras épocas"? A trama bebe na fonte de filmes como Vanilla Sky para apresentar as possibilidades de uma experiência sensorial de "imersão nostálgica". Tocante, o episódio é até hoje um dos preferidos do público.

5) Be Right Back (S02 E01): e se fosse possível trazer de volta a "vida" algum ente querido já falecido? Esse é o caso desse episódio que nos apresenta a protagonista Martha que, devastada pela morte do namorado Ash em um acidente automobilístico, resolve adquirir uma nova tecnologia capaz de simular a voz e a personalidade do morto, em um aparelho celular, a partir do cruzamento de dados deixados na "nuvem", nas redes sociais e em outros locais da internet. Uma versão mais atualizada do sistema possibilitará a jovem a compra de uma réplica corporal quase idêntica do rapaz, feita de um tipo de material sintético. A euforia (e a curiosidade) inicial pela "presença" do ex na casa, logo dará lugar a frustração, especialmente quando Martha perceber que um robô não substitui uma pessoa. E que mesmo os defeitos - e eles estarão presentes em TODAS as relações, até nas mais saudáveis - farão MUITA falta.

E pra você? Algum episódio deveria fazer parte dessa relação? Comente conosco!

Na Espera - Franz Ferdinand (Disco)

O ano mal começou e a expectativa já está a mil para a "safra" de discos de bandas e artistas internacionais que devem ser lançados em 2018. MGMT, Grimes, Vampire Weekend, CHVRCHES, Jack White e Arctic Monkeys são apenas alguns dos nomes que já acenaram com a possibilidade de entregarem material novo em breve. Já o Franz Ferdinand está com o Always Ascending - o sucessor do divertido Right Thoughts, Right Words, Right Action, de 2013 - no forno. O grupo capitaneado por Alex Kapranos já lançou dois singles, o primeiro com a faixa-título e o mais recente da pegajosa canção Feel The Love Go, que teve um vídeo em áudio liberado nesta semana.

Pelo que se pôde ouvir até o momento, o quinteto escocês mantém aquele clima de boate roqueira/cool, com canções que parecem ter nascido para as pistas e que dialogam com épocas tão distintas como os anos 70 - especialmente pelas guitarras marcantes - e os anos 80 - por conta dos onipresentes sintetizadores. O disco chega ao mercado no dia 09 de fevereiro pelo selo Domino Records. Aqui no Picanha, como não poderia deixar de ser, já estamos Na Espera!

Pérolas da Netflix - Vizontele: A Confusão Está no Ar (Vizontele)

De: Ömer Faruk Sorak e Yilmar Erdogan. Com Yilmar Erdogan, Altan Erkekli e Cezmi Baskim. Comédia dramática, Turquia, 2001, 105 minutos.

Em épocas de Black Mirror e de novas tecnologias sendo apresentadas ao mundo de maneira exponencial, assistir a um filme como o ingênuo Vizontele: A Confusão Está no Ar (Vizontele), não deixa de ser uma experiência divertida. Aliás, é uma verdadeira pérola escondida em algum canto da Netflix, ideal para aqueles que procuram um filme leve, despretensioso e, ainda assim, surpreendente. A trama nos joga para uma comunidade no interior da Turquia - mais precisamente na Anatólia -, onde residem tipos diversos, como o técnico em eletrônica com problemas mentais, o dono de loja mão-de-vaca metido a conquistador, o feirante que tem suas melancias seguidamente roubadas por um grupo de moleques travessos, o clérigo gago e o prefeito (Erkekli) que tenta atender os munícipes, em meio as confusões promovidas pela sua própria família.

O anúncio da chegada da primeira antena de televisão (e do equipamento) na região coincidirá com a ida dos jovens para a guerra. E desencadeará uma onda de curiosidade entre os moradores do local. Aqueles que já ouviram falar sobre o eletrônico garantem ser como "o rádio, mas com fotografia", sendo possível assistir ao cantor preferido ao mesmo tempo em que se ouve ele. Outros ficam mais céticos, como o ambicioso dono do cinema local, de nome Latif (Baskim), que acredita que esta não passará de uma moda passageira. Ainda assim, todos os moradores da comunidade se reúnem no dia da primeira exibição pública de TV que, como não poderia deixar de ser, dá errada, numa das sequências mais divertidas da trama (e que envolve a equipe da prefeitura escalando os maiores morros do entorno, na busca por um melhor sinal de captação para a antena).

Nesse sentido, os diretores Ömer Faruk Sorak e Yilmar Erdogan são pródigos ao tratar a obra - que trafega no limite do nonsense - sem nenhum tipo de cerimônia, transformando cada sequência em uma mini-esquete que busca fazer o espectador rir (como se a surpresa dos moradores pela novidade tecnológica que os alcança, já não fosse engraçada o suficiente). Aqui e ali, no comportamento (ou mesmo no figurino) curioso de cada um, é possível encontrar ecos de cineastas distintos como Jean Pierre Jeunet ou mesmo dos Irmãos Coen. Ainda que tudo ocorra em meio a aridez do Oriente, evidentemente, e conte, ainda, com uma forte crítica ao secularismo reinante no País. E, ainda assim, não deixa de ser divertido perceber que, mesmo cenas batidas, como a do jovem que cai de cima de um telhado após acordar (!), se tornam hilárias pelas mãos da dupla de realizadores.

Aliás, a graça do filme, ainda que este possa soar excessivamente conservador, está mesmo em "fazer graça", como na cena em que os alunos imitam a gagueira do rabino durante as aulas de Alcorão ou mesmo quando o prefeito elogia os grosseiros óculos de um dos moradores locais. Com cortes curtos e curiosos ângulos de câmera - repare na montagem durante uma das primeira cenas, em que o eletricista Emin (o próprio Erdogan), desce uma lomba de bicicleta - a obra apresenta, ainda, um melancólico choque de realidade no terço final, quando a televisão funciona, de fato, pela primeira vez. Nela são exibidas as notícias do dia e, como sabemos até os dias de hoje, elas nem sempre serão as melhores. O equipamento cumpre o seu papel e a realidade, dura para com todos que ali residem, será bem diferente dos filmes exibidos no cinema por Latif.

Músicas Gêmeas - Elton John x Lady Gaga

Foi uma das notícias do dia no mundo da música: o Radiohead está processando a Lana Del Rey por um suposto plágio envolvendo a canção Creep. O que era um rumor foi confirmado pela própria cantora em um tweet publicado em sua conta no último final de semana. A faixa em questão é Get Free, que integra o último trabalho da artista, intitulado Lust For Life - nosso terceiro colocado na lista de 25 Melhores Discos Internacionais de 2017. E, diga-se de passagem, ela de fato tem uma estrutura e uma sonoridade que lembram bastante o grande hit dos ingleses, lançado num agora longínquo ano de 1993, como parte do álbum Pablo Honey.

É verdade sobre o processo. Embora eu saiba que minha música não foi inspirada em Creep, o Radiohead sentiu que foi e quis 100% [dos lucros] da publicação — ofereci 40% nos últimos meses, mas eles só aceitam 100. Seus advogados foram implacáveis, então nós vamos lidar com isso no tribunal, escreveu Lana no último domingo (07/01). Enquanto o imbróglio não se resolve nós, do Picanha, resolvemos auxiliar os artistas a começarem a processar uns aos outros, identificando possíveis plágios em canções - mesmo no caso em que AMBOS sejam amados por nós, como neste quadro de estreia. Até mesmo por que, se o Elton John quiser, pode tentar levar parte dos royalties da música Hey Girl da Lady Gaga, que imita direitinho os acordes de Bennie and the Jets, do inglês. Duvida? É só clicar e conferir!

Cinema - 120 Batimentos Por Minuto (120 Battements par Minute)

De: Robin Campillo. Com Nahuel Perez Biscayart, Arnaud Valois, Adéle Haenel e Antoine Reinartz. Drama, França, 2017, 143 minutos.

Em certo momento do ótimo 120 Batimentos por Minuto (120 Battements par Minute) ocorre uma campanha de prevenção em uma escola de ensino médio, com o objetivo de alertar para os riscos de contrair um vírus como o HIV. Uma das alunas, ao ser abordada por um dos integrantes do coletivo que organiza o ato e que pretende lhe entregar um folheto sobre o assunto, responde sem pestanejar: "eu não preciso disso, eu não sou viado". A desoladora sequência ilustra bem a falta de conhecimento - pra não dizer ignorância completa - que reinava, quando começaram a surgir os primeiros casos de AIDS ao redor do globo. Como se estivesse atrelada exclusivamente aos chamados "grupos de risco" - homossexuais ou usuários de drogas - a doença não estava exatamente na ordem do dia do debate público, sendo relegada aos bastidores ou as entidades independentes, que lutavam para chamar a atenção para o tema.

A obra - representante da França na corrida pela estatueta de Melhor Filme em Língua Estrangeira (já fora da pré-lista, assim como o nosso Bingo - O Rei das Manhãs) - volta no tempo, mais especificamente para o final dos anos 80 ou início dos 90, para mostrar os bastidores de uma Organização Não Governamental chamada Act Up, que procurava das visibilidade para a questão. A França, na época governada por François Miterrand, sofria com um aumento alarmante do número de pessoas infectadas com o vírus, condição que a colocava no primeiro lugar na Europa, em relação ao número de novos casos. E, mesmo com esta condição, o que parecia haver era o descaso dos governantes que, por preconceito ou negligência, não destinavam recursos, não organizavam campanhas e não apresentavam políticas públicas suficientes com vistas a conscientizar a população.

Assim, o Act Up acabava sendo esse organismo de "divulgação". Que, muitas vezes, ia para as ruas para protestar ou mesmo invadia conferências sobre o assunto para se manifestar. Ocorre que, em muitos casos, as coisas saíam completamente do controle, como no episódio que envolve a ocupação de um andar inteiro do escritório de uma indústria farmacêutica. Ainda que a intenção fosse das melhores, havia a preocupação dos líderes do grupo - entre eles Sophie (Haenel) - em transformar cada ato, ainda que eventualmente violento, em algo positivo. Ou ao menos capaz de gerar uma imagem favorável junto a opinião pública. O que nem sempre ocorria, como no episódio em que, num ato de destempero, um dos jovens integrantes do coletivo arremessa uma bexiga com "sangue" (falso) em um palestrante, durante um simpósio sobre novidades em relação as pesquisas sobre o HIV.

A propósito desse episódio, os debates dentro da sede da ONG, ou mesmo a forma como esta se organiza para transformar o seu esforço em algo significativo - especialmente para uma causa que certamente não será a deles (e sim das futuras gerações que também sofrerão com a doença) - são alguns dos motivos que tornam 120 Batimentos por Minuto tão importante. Ainda que o assunto seja sério - e o diretor Robin Campillo não alivia nas cenas mais pesadas envolvendo os doentes ou mesmo os efeitos colaterais de drogas hoje consideradas ultrapassadas - a obra nunca descamba para a pieguice ou para a excessiva melancolia. Ao contrário, em meio aos dias de luta, os jovens do coletivo se divertem, vão a festas, transam e até comentam sobre outros integrantes do grupo de forma engraçada, como na impagável sequência em que dois jovens analisam as excêntricas poses de um fotógrafo presente em uma manifestação.

É um filme realista, urgente, e até mesmo divertido sobre um período turbulento e sobre uma doença que, até hoje, gera dúvidas. E também sobre o poder do ativismo. E a abordagem de Campillo sobre o tema, trazendo os diversos ângulos do debate, busca nunca demonizar ninguém, ainda que o vilão poderia ser, vá lá, o Governo, que talvez pudesse destinar um esforço maior nas campanhas de prevenção. Ou mesmo a indústria farmacêutica que poderia não pensar apenas no quão rentável seria o lançamento de uma nova droga em um evento internacional que ocorrerá dali a alguns meses (enquanto jovens morrem nas filas de espera por medicamentos melhores). Ah, e quase ia esquecendo, a interpretação do argentino Biscayart como o protagonista Sean é daquelas capaz de nos levar do riso as lágrimas em poucos segundos. Impossível não ter empatia.

Nota: 8,5

Artigo - Framboesa e a Zoeira Sem Limites

Os cinéfilos foram pegos de surpresa na tarde de ontem com a divulgação da pré-lista com os piores do ano, que concorrerão ao Framboesa de Ouro, no dia 03 de março. Surpresa não pela divulgação em si da relação daqueles filmes, atores e atrizes que nem precisariam ter existido, mas sim pela presença de (pasmem) Mãe!, do Darren Aronofsky, e do Roda Gigante, do Woody Allen, na corrida pela estatueta mais vergonhosa do cinema. O Mãe!??? Cês tão de brincadeira? É possível até não gostar do filme, mas colocar ele entre os piores, ignorando as suas tantas virtudes? E o do Woody Allen? Tá, é fato que a obra está bem longe de alcançar a qualidade daquelas que consagraram o nova-iorquino. Mas piores do ano? Ao lado de desgraças reais como Baywatch, Pai em Dose Dupla 2 e Cinquenta Tons Mais Escuros?

Bom, não é de hoje que o Framboesa tem lá a sua predileção por avacalhar! Diga-se de passagem, uma das histórias mais clássicas sobre o absurdo das indicações, envolve a primeira edição da distinção, ocasião em que, acreditem, Stanley Kubrick foi nominado na categoria Pior DIRETOR por O Iluminado. Sério, tu não nomina o sujeito que já tinha realizado Dr. Fantástico (1964), 2001 - Uma Odisséia no Espaço (1968) e Laranja Mecânica (1971) nem que ele tivesse, sei lá, feito um musical só com sertanejo universitário! Aliás, foram duas indicações para o filme (a outra foi a Shelley Duvall como pior atriz) - que, hoje, restabelecida a sanidade e o senso de justiça no mundo, é considerado uma obra-prima do terror. Outra história bizarra envolve a indicação de Brian de Palma também na categoria Pior Diretor, por Scarface. Aliás, De Palma tem seis indicações para os Razzies. SEIS!

O Framboesa, todos sabemos, foi criado pra tirar um sarro daquelas produções de duvidosas qualidades artísticas. Mas a presença de algumas obras entre as nominadas têm soado quase como uma afronta. Uma provocação! Nesse sentido, não chega a surpreender o caso que envolve a atriz Sandra Bullock que conseguiu a proeza de, nas premiações de 2010, ser agraciada com o Oscar - por Um Sonho Possível (2009) - e com o Framboesa - por Maluca Paixão (2009) -, NO MESMO ANO. Um caso de esquizofrenia que, agora, Mãe!, tá bem próximo de alcançar, já que, além de estar nas "semifinais" pelo prêmio de pior, ele aparece em vários sites que trabalham com apostas para o Oscar, entre os possíveis indicados a Melhor Filme. E, isto sim, seria algo inédito: uma obra concorrendo a pior e melhor no mesmo ano.

Anthony Hopkins, Al Pacino, Marlon Brando, Michael Caine, Faye Dunaway, William Friedkin, Henry Mancini, Julianne Moore, Johnny Depp... esses e tantos outros artistas consagrados já tiveram seus nomes entre os indicados - e alguns até "ganharam" a premiação. O mesmo ocorreu com filmes que, mais tarde, receberiam uma revisão (e aqui também pode ser citado o caso de A Bruxa de Blair, que ensinou o mundo a fazer as obras em found footage). Como qualquer pessoa pode fazer parte dessa distinta "Academia" - basta pagar US$ 40 -, em nem ter precisado ter visto todos os filmes, a tendência é a de que muitos nomes consagrados e talentos reconhecidos apareçam nesta, que é uma festa que ninguém quer participar. Só não precisa forçar a barra! Mãe! pode ser um filme confuso ou complexo para alguns. Mas tá bem longe de ser um dos piores do ano.

Cine Baú - Consciências Mortas (The Ox-Bow Incident)

De: William A. Wellman. Com Henry Fonda, Dana Andrews, Frank Conroy, Leigh Whipper e Jane Darwell. Faroeste, EUA, 1943, 75 minutos.

Em um mundo cheio de intolerância, de ódio e de "bandido bom é bandido morto" como o que vivemos hoje em dia, um clássico como Consciências Mortas (The Ox-Bow Incident) não poderia ser mais atual. Lançada há 75 anos, a obra-prima do diretor William A. Wellman leva os filmes de faroeste a um outro patamar ao discutir com propriedade o tema da ineficácia da justiça com as próprias mãos e da importância do cumprimento das leis como forma de preservar a manutenção da vida em sociedade. A trama nos joga para o ano de 1885, numa pequena cidade do estado de Nevada. No local, se espalha a notícia de que um fazendeiro da região teria sido assassinado por de ladrões que, de quebra, ainda teriam roubado o rebanho. Na ausência do xerife local, um grupo resolve ir atrás dos bandidos com o objetivo de acertar as contas no modo "olho por olho, dente por dente".

Em sua jornada, o grupo de "justiceiros" - capitaneado pelo major Gerald Tetley (Conroy) - encontra o trio que teria cometido o crime. Todos são interrogados e o líder do grupo, de nome Donald Martin (Andrews), garante não ter nada a ver com o assunto, reforçando o fato de que as vacas que conduzem em seu comboio teriam sido compradas (ainda que a ausência de uma nota de venda torne tudo mais nebuloso). Tetley e seu grupo não acreditam na história, ainda que alguns sujeitos como o pastor negro vivido por Leigh Whipper tentem, em vão, demover os linchadores de seus objetivos. O dia amanhece com o trio sendo morto por enforcamento pela turba enfurecida, instantes antes de o xerife (Robertson) encontrar o grupo para revelar que o rancheiro estava vivo e que os ladrões de gado que invadiram a sua propriedade já haviam sido capturados.

Ainda que curta - a obra tem apenas 75 minutos -, a película frequentemente é lembrada como um dos maiores líbelos da história moderna contra a estúpida ideia do linchamento público e da justiça com as próprias mãos. Palpável, o sentimento de vergonha de todos os participantes dessa jornada em busca de "isonomia", se torna ainda maior quando o caubói Gil Carter (Fonda) lê a carta que Martin endereça a sua esposa (ele também tem duas filhas), como um de seus últimos atos. Em desespero, tenta entender o que move os homens que pretendem lhe retirar a vida, tendo a certeza de que, mais tarde, conviverão com a culpa, após a revelação da verdade. Da mesma forma não deixa de ser tocante o desespero do personagem vivido por Francis Ford, um velho com problemas mentais que repete, como num mantra, a frase "eu não quero morrer".

É um filme sem final feliz, desalentador, melancólico e que fala, de forma direta, sobre a estupidez humana diante da urgência do sentimento de justiça. Mas de que maneira o assassinato sem prova alguma de qualquer delito pode representar a redenção? Wellmann enche a tela com personagens secundários interessantes - como aquele vivido por Jane Darwell, uma inabalável criadora de gado. Já Fonda constrói Carter como um sujeito de personalidade múltipla - e se no começo do filme nutrimos certa antipatia por ele, que mostra certa rebeldia em uma briga de bar, ao final estamos ao seu lado, na defesa dos inocentes - ao menos até que se prove o contrário. Indicado ao Oscar na categoria principal na cerimônia de 1944, o filme só foi perder para um certo... Casablanca. Mas em termos de impacto, de relevância e de magnitude, essa pequena obra-prima - que aparece no livro 1001 Filmes Para Ver Antes de Morrer - segue sendo insuperável.

Lançamento de Videoclipe - Vanguart (E o Meu Peito Mais Aberto Que o Mar da Bahia)

Com Beijo Estranho, o Vanguart lançou um dos discos mais legais desse ano - ele aparece logo abaixo na nossa lista de melhores álbuns nacionais de 2017. E, como forma de divulgar o excelente registro, o quarteto disponibilizou, recentemente, um clipe para a canção E o Meu Peito Mais Aberto Que o Mar da Bahia. A música, uma das melhores do ano, tem letra altamente otimista e aquele instrumental que já abre num clima meio "programa de auditório dos anos 80". Ainda assim o vídeo - dirigido pela dupla Couple Of Things - alterna momentos mais introspectivos com outros mais alegres, em que a banda aparece toda junta na praia. O que forma a rima perfeita para a leveza da canção. No fim das contas é o Vanguart que tanto amamos e com um refrão que é quase impossível sair da cabeça - Ah ah ah / Quem diria que seria tão bonito assim viver?. Clica pra conferir!

Cinema - Roda Gigante (Wonder Wheel)

De: Woody Allen. Com Kate Winslet, James Belushi, Justin Timberlake e Juno Temple. Comédia dramática, EUA, 2017, 102 minutos.

Costumo dizer que os filmes do Woody Allen são mais ou menos como o cinema francês: mesmo os menos legais são bons de ver. Se Roda Gigante (Wonder Wheel) não chega a ser um um Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977), um Zelig (1983) ou mesmo um Meia Noite em Paris (2011), por outro lado é uma experiência bacana e que tem nas interpretações uma de suas maiores forças. Especialmente a Kate Winslet que parece confirmar a cada filme, por menor que seja, a sua ampla capacidade para a concepção de personas as mais diversas. Na trama ela é Ginny, uma atriz frustrada que trabalha como garçonete em um parque de diversões localizado na praia de Coney Island, em Nova York. No segundo casamento - com o operados de carrossel Humpty (James Belushi) - ela ainda sonha com um "papel" que possa ser maior do que que aquele apresentado pela vida real, que bate a porta, a obriga a fazer a janta, cuidar do filho, entrega boletos e a esgota permanentemente.

Essa esperança por dias melhores ressurge quando entra em cena o salva-vidas Mickey (vivido de forma apaixonada por Justin Timberlake) - que, a propósito, é o narrador da história. Mickey sonha em ser poeta e escritor e conhece Ginny na praia, em um dia de chuva, ocasião em que a "salva". E, além de salvá-la, passa a ter um caso com ela. Tudo vai correndo mais ou menos bem nessa história de adultério até o momento em que ressurge na vida de Ginny e Humpty - que moram no parque em que trabalham - a jovem Carolina (Juno Temple), filha do primeiro casamento do personagem de Belushi. Não bastassem as ligações da jovem com a máfia italiana - motivo pelo qual ela foi renegada pelo pai na juventude - ela ainda viverá as turras com Ginny, situação que só piorará quando ela se mostrar extremamente empolgada por ter conhecido... Mickey! Sim, como em muitos dos filmes de Allen, as questões centrais envolvem relacionamentos e pessoas buscando a felicidade a partir deles.

É uma trama simples, mas ao mesmo tempo tempo cheia de nuances mostrando pessoas que, de alguma forma, tentam sair do lugar que estão mas sem conseguir - numa metáfora perfeita para a roda gigante que dá nome ao filme e que inicia a sua volta para, inevitavelmente, retornar para o mesmo lugar. Também é um filme escolhas e sobre como elas determinam aquilo que se seremos (ou poderíamos ter sido), em nossas vidas. São personagens inquietos e inseguros vivendo em um contexto que força uma ou outra reflexão. Como de praxe nas obras de Allen, além das citações literárias (aqui, em especial, à obra de Eugene O'Neill), a tradicional cartela de abertura, a trilha sonora de jazz, os diálogos bem-humorados e a quebra da "quarta parede" (dessa vez Timberlake é o alter-ego do diretor) fazem com que este se torne mais um genuíno exemplar da obra do nova-iorquino.

Passada nos anos 50, a película recria bem a cenografia e os figurinos da época, chamando a atenção também pelo grande número de "extras" - o que pode ser visto já na primeira cena do filme, ocasião em que um travelling nos apresenta a centenas de pessoas que curtem a praia (e isso que Allen é famoso por não gastar muito). Já a fotografia de Vittorio Storaro - que já havia trabalhado com o diretor no divertido Café Society (2017), seu filme anterior - é um show a parte. Utilizando-se cores vivas (e quase estouradas), o diretor de fotografia reforça o aspecto multicolorido de um parque de diversões para também utilizar as cores para mostrar o estado de espírito daqueles que vemos em cena. Reparem como mesmo em uma sequência noturna - cpmo aquela que mostra Ginny e Mickey transando à luz do luar no cais do porto - conta com uma paleta vibrante e de tons variados. O mesmo vale para a melancolia da personagem de Winslet, especialmente no terceiro ato, que é reforçada por uma paleta mais simples, ou mesmo de cores monocromáticas.

A propósito de Winslet, o show, no fim das contas é dela mesma - e não chega a surpreender a grande capacidade de Allen de criar mulheres fortes (e não por acaso, muitas atrizes, como Diane Keaton, Penelope Cruz e Cate Blanchett já faturaram o Oscar em "suas mãos). A atriz transforma Ginny em um poço de nervos capaz de, em questão de segundos, passar da euforia da paixão quase juvenil para a raiva profunda quando as coisas não saem como ela espera - como na cena em que ela presenteia Mickey com um relógio. Da mesma forma, não deixa de ser divertido o exercício metalinguístico como no caso em que a vemos "ensaiando" falas que seriam ditas ao salva-vidas e que soam quase artificiais, mesmo para quem se pretende ser atriz (e a nossa percepção dessas pequenas inflexões que a diferenciam, servem apenas para reforçar a qualidade da interpretação de Kate). [SPOILER ALERT] Mas, nesse sentido, nada supera aquilo que vemos no terço final quando, frustrada, Ginny se transforma em uma espécie de Norma Desmond - personagem mítica vivida por Gloria Swanson em Crepúsculo dos Deuses (1950). Vociferando frases de forma verborrágica (e quase sem sentido) sobre como Mickey deveria amá-la ou não e sobre como agora seria tarde para ele ir atrás dela para tentar reconquistá-la, ela transforma a sequência quase em uma alucinação surrealista - pra não dizer filme de terror! E tudo isso com a maquiagem borrada que, somada ao caminhar desorientado, serve apenas para acentuar o seu (aparente) desequilíbrio psicológico. Uma verdadeira aula de interpretação.

Nota: 7,5