Vou ser sincero: eu nem tinha me ligado que o Charlie Kaufman estava em vias de finalizar o seu novo filme, mas esse trailer de Estou Pensando em Acabar com Tudo (I'm Thinking of Ending Things) me deixou extremamente empolgado. Caso você não esteja ligando o nome a pessoa, Kaufman foi o diretor dos ótimos Sinédoque, Nova York (2008) e Anomalisa (2015), além de ter sido o roteirista de obras-primas modernas como Quero Ser John Malkovich (1999), Adaptação (2002) e Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças (2004). Então, a gente sabe que é garantia de coisa boa. Ainda mais se pensarmos no quão incensado é o livro de Iain Reid, no qual a película é baseada e, bom, já podem anotar no caderninho do Oscar essa provável indicação na categoria Roteiro Adaptado para a cerimônia do ano que vem.
Mas eu queria falar do trailer e ele é simplesmente assombroso! Há toda uma estética soturna, onírica, uma história que parece reservar algumas surpresas em meio a uma narrativa que acontece com um bem-vindo senso de humor meio cínico. No material de divulgação, a trama de conta de uma jovem (vivida por Jessie Buckley) que, apesar de ter dúvidas sobre seu recente relacionamento, aceita um convite do namorado (Jesse Plemons) para conhecer a família dele em uma fazenda. A sensação de isolamento é palpável, o que se amplia com uma tempestade de neve. Os pais, interpretados por Toni Colette e David Thewlis parecem meio estranhos e há todo um questionamento sobre o que, de fato, tá rolando naquele local. Pop e filosófico, excêntrico e curioso, existencialista e sombrio, o filme estreia na Netflix no próximo dia 4 de setembro e nós, por aqui, somos pura expectativa!
De: Martin Scorsese. Com Ray Liotta, Robert De Niro, Joe Pesci, Lorraine Bracco e Paul Sorvino. Drama / Policial, EUA, 1990, 146 minutos.
Numa análise rasa algumas pessoas costumam afirmar que Martin Scorsese glorifica a máfia em seus filmes. Mas, quem faz isso, certamente não assistiu a estas obras com a devida atenção, como comprova a história de ascensão e queda vista em Os Bons Companheiros (Goodfellas) - e que é a evidência cinematográfica de que, no final das contas, o crime não compensa. Na trama acompanhamos a história do jovem Henry Hill (Ray Liotta) que, desde menino, sonha em ser gângster. Pela janela da casa em que mora com os pais e o irmão, no Brooklyn, em Nova York, acompanha a movimentação dos mafiosos em uma pizzaria do bairro, local em que começará a trabalhar, se tornando mais tarde protegido de Jimmy Conway (Robert De Niro), quando passará a atuar na receptação e na venda de cargas roubadas. Não demora para que os golpes se tornem cada vez maiores e mais ambiciosos, com o rapaz sendo tratado como um filho pelo chefão local - um certo Paulie (Paul Sorvino).
Trafegando entre os dois estará o instável Tommy DeVito (Joe Pesci, que faturou o Oscar pelo papel), um sociopata praticamente sem limites, daqueles que atira primeiro para perguntar depois. Será esse grupo de pessoas que assistiremos durante duas horas e meia, período em que acompanhamos três décadas de gangsterismo que evolui para o glamour das roupas chiques, dos restaurantes caros e do dinheiro jorrando fácil, até a decadência que reduz e aniquila o grupo (as mortes em série após um grande roubo de uma carga de drogas, faz com que todos desconfiem de todos). E esse acaba sendo o erro de Henry: incapaz de estabelecer limites para a ambição, se envolve em esquemas nebulosos, regados a cocaína, que não demorarão muito para chamar a atenção do FBI. Aliás, em partes, é possível afirmar que, após uma série de equívocos, Henry só encontrará a salvação ao se tornar informante da polícia federal, onde vira um Zé Ninguém auxiliado pelo serviço e proteção as testemunhas.
E por mais que seja uma obra brutal, cheia de mortes grosseiras (e até estúpidas), a película mantem um senso de humor meio torto, daqueles em que a gente ri muito mais do absurdo sem sentido daquilo que acompanhamos, do que por alguma piada mais pontual. E, em muitos casos, é um riso de nervoso mesmo, como no caso de praticamente todas as cenas protagonizadas por Pesci. Com seu estilo furioso, a sua figura intempestiva é capaz de causar conflito instantâneo. É um convite para que as coisas saiam do controle, como comprova a inexplicável sequência em que ele assassina a sangue frio um jovem garçom que é incapaz de lhe servir a bebida corretamente. Aliás, são essas atitudes de mafioso de segunda linha, baixas, toscas, de quem não respeita hierarquia alguma, que terminarão por acarretar a morte de um certo Billy Batts (Frank Vincent), um chefão da máfia rival. De certa forma, isto também contribui para o contexto de instabilidade, de insegurança, que resultará no esfacelamento de um coletivo que entra em paranoia - algo exemplificado pela sensação de estar sendo o tempo todo perseguido, com que Henry convive no terço final.
E por mais que todos ali tentem viver uma espécie de idílio familiar, com jantares luxuosos, reuniões em mansões, com farta bebida e gastronomia voluptuosa - as reuniões são completadas por casamentos, filhos, amantes, mentiras, extorsões de todo o tipo, lesões e mortes numa mistura caótica -, a gente percebe que, por mais atrativa que seja a vida fácil, ela é acompanhada de um tipo de perigo que parece sempre pronto a bater a porta. Com um ritmo frenético que se alterna com algumas sequências mais contemplativas, o filme utiliza a sua fotografia granulada e a trilha sonora recheada de standards e de clássicos do rock para transformar o filme em um legítimo representante da cultura pop noventista. Com seis indicações ao Oscar e uma vitória no Festival de Veneza - o diretor recebeu o Leão de Ouro -, a película fortaleceria o nome Martin Scorsese como uma espécie de selo de qualidade cinematográfico. O tema da máfia retornaria com Cassino (1995) e, mais recentemente, com O Irlandês (2019). Todos apontando a vida de fora-da-lei como uma saída em que o sofrimento é praticamente inevitável.
De: Aisling Walsh. Com Sally Hawkins, Ethan Hawke, Gabrielle Rose e Kari Matchett. Drama, Canadá / Reino Unido, 2016, 115 minutos.
Enquanto assistia a Maudie: Sua Vida e Sua Arte (Maudie), me perguntava o por quê de um filme tão bonito e tão bem feito ter passado completamente batido nos cinemas. Bom, antes tarde do que mais tarde a Netflix adquiriu o título para o seu catálogo e, justiça seja feita, trata-se de uma obra com praticamente zero defeitos. A trama conta a história da artista plástica Maud Lewis (Sally Hawkins, em mais uma grande interpretação) que, desde a juventude, conviveu com um severo problema de artrite reumatoide, que lhe causava desconforto e deformações nas articulações do corpo. Tida como inapta - especialmente pela dificuldade de locomoção - conviveu com o abandono da família, sendo acolhida meio aos trancos e barrancos por uma tia. A oportunidade de sair de casa surge quando um pescador brutamontes de nome Everett (Ethan Hawke) lhe contrata para auxiliar nos afazeres domésticos de sua pequena casa, que fica nas redondezas.
"Auxiliar nos afazeres domésticos" é uma forma quase amável demais para indicar aquilo que o sujeito fazia. Sem nenhum pudor Everett humilhava Maud, lhe agredia (inclusive fisicamente), além de fazer diversas exigências relativas ao cumprimento de suas tarefas. Era uma relação truncada, com ambos vivendo as turras. Entre idas e vindas, Maud acaba indo morar no seu local de trabalho. Uma casa suja, bagunçada, acinzentada e sem vida que, aos poucos, passará a receber alguma cor por causa do talento de Maud para a pintura. Um talento escondido, louco para vir à tona. No começo, de forma deliciosamente desafiadora, pinta as paredes da própria casa de Everett. O marrom das madeiras velhas passa a receber o verde, o azul e o amarelo das cores vivas saídas dos pincéis de Maud. Figuras bucólicas, prosaicas - animais, a natureza, objetos diversos. Everett fica ranzinza inicialmente. Reclama, estipula limites. Mas vai sendo dobrado pelo talento da sua "empregada". Pela sensibilidade artística. A mesma sensibilidade que nos transforma, que gera empatia, nos encanta.
Nos comentários sobre o filme vi muita gente reclamando de ser uma obra parada, sem uma grande história ou reviravoltas marcantes. Mas esse não é o caso aqui, já que esse é um filme plasticamente bonito, que utiliza a parte técnica a seu favor - do uso das cores na sua fotografia, passando pela trilha sonora de notas evocativas, até chegar a escolha das tomadas, que se apropriam de suas lindas paisagens para "transformá-las" em verdadeiras obras de arte. Repare como, por exemplo, muitos dos ângulos escolhidos, bem como os objetos cênicos são parecidos com quadros. Há um diálogo permanente com esse valor tão caro - o da arte - que se sobressai em cada fragmento da película. Maudie aparece muitos minutos pintando. E, de presente, ganhamos da diretora Aisling Walsh (de O Inferno de São Judas), uma coleção de imagens que representam aquele estado de espírito permanente - seja no bucolismo, na introspecção ou na placidez transmitida pelos gestos econômicos de sua protagonista.
Há também o componente "romântico" da narrativa. Conforme vai sendo impactado pelas obras - e pelo universo como um todo de Maudie -, Everett vai se afeiçoando a ela. Aliás, a seu modo se apaixona por ela, que se torna sua esposa. Mais tarde brigará pela sua arte a seu lado, ainda que, aqui e ali, os pequenos conflitos confiram alguma cor (com o perdão do trocadilho) a narrativa. É um filme de sensibilidade palpável, que salta do frio para o calor para nos aquecer juntos, enquanto assistimos aos pequenos e coloridos cartões da artista ganharem vida. Há uma ou outra surpresa de impacto na reta final - que nos farão refletir sobre o tratamento dado as pessoas com deficiência -, mas o que fica mesmo é o reconhecimento tardio da pintora, que quase ao final da vida chamou a atenção da mídia e até do presidente norte americano Richard Nixon. Poético, delicado, contemplativo, Maudie: Sua Vida e Sua Arte é daquelas obras que merecem ser descobertas.
Quem acompanha o Picanha viu que no nosso TBT dessa semana, a gente prestou uma pequena homenagem ao filme A Origem (2010), que completou 10 anos de lançamento ontem. Mais cedo, na terça, já havíamos feito um post sobre o ótimo Amnésia (2000), que chega aos vinte anos de vida neste mês de agosto. Ponto em comum entre as duas obras? Ambas são dirigidas pelo sempre competente Christopher Nolan. Nolan é o nome a frente de outras grandes películas, como O Grande Truque (2006) e Interestellar (2014), além da trilogia Batman: O Cavaleiro das Trevas. Além disso, o badalado Tenet, sua nova empreitada, chega aos cinemas no próximo mês e com um trailer que revela muito pouco. E foi ali nos nossos debates, no grupo de whats do Picanha, que o Henrique, o Bernardo e eu chegamos a seguinte conclusão: por que não fazer um episódio em que passamos "a limpo" a carreira de um dos mais importantes diretores e roteiristas da atualidade? Foi o que a gente fez! Como parte da brincadeira demos notas pra cada um dos filmes e elegemos, ao final, a mais representativa obra da filmografia do Christopher Nolan. Tudo com aquele bom humor de sempre. Tudo como manda o figurino do "sextou caseiro", em meio à pandemia. Bora dar play?
De: James Lebrecht e Nicole Newnham. Documentário, EUA, 2020, 105 minutos.
Hoje em dia não conseguimos conceber a ideia de que prédios públicos não tenham acessibilidade. De que não haja rampas ou outras estruturas que permitam às pessoas com deficiência ou com mobilidade reduzida chegar aos locais. Aliás, não só prédios públicos: hospitais, universidades, igrejas. Atualmente há Lei para isso: ela estabelece que "espaços, mobiliários e equipamentos urbanos, das edificações, dos transportes e dos sistemas e meios de comunicação devem estar ao alcance de cadeirantes, com segurança e autonomia". Óbvio que nem sempre foi assim. No Brasil, por exemplo, ela foi instituída em dezembro de 2000. Como qualquer conquista social, foi fruto de muito debate e muita luta para que se chegasse ao atual estágio. Nos Estados Unidos ela é um pouco anterior. E como se chegou a ela na Terra do Tio Sam é o que o ótimo documentário da Netflix Crip Camp: Revolução Pela Inclusão (Crip Camp), mostra.
Na realidade tudo começou em uma espécie de acampamento de verão em que jovens com as mais variadas deficiências - paralisia cerebral, cegueira, tetraplegia ou paraplegia entre outras -, podiam conviver uns com os outros sem o ambiente superprotetor dos pais, com um pouco mais de autossuficiência e num contexto bem menor de preconceito. Vistos pela sociedade como "diferentes", as pessoas que frequentavam o Acampamento Jened - que funcionou entre os anos 50 e 70 - deixavam de lado um futuro moldado pelo isolamento, pela discriminação e pela institucionalização, em um campo quase utópico - uma espécie de Woodstock em que esportes de verão eram praticados, muita maconha era consumida e música era tocada, enquanto casais apaixonados iam surgindo. "Para nós era um universo que não havia no mundo exterior", comenta uma das participantes, entre uma e outra sessão de maquiagem com as amigas.
Mas o que inicialmente eram encontros apenas para diversão e para fuga de um mundo em que todos ali se sentiam totalmente inadequados, seria o embrião de algo maior: o despertar de uma consciência social para a necessidade de mudança. Empoderar pessoas com deficiência era preciso e figuras emblemáticas como a ativista Judy Heumann foram fundamentais nesse processo, em um trabalho que começa "de formiguinha" e que vai ganhando adeptos pelo País entre coletivos progressistas os mais variados - dos Panteras Negras, passando por sindicatos de trabalhadores rurais, até chegar em entidades que lutavam por direitos civis ou nos movimentos antiguerra. Apesar da leveza da narrativa, os diretores James Lebrecht e Nicole Newnham não deixam de mostrar o absurdo que ocorria nas dependências de hospitais psiquiátricos como o de Willowbrook, que escancaravam a necessidade de mudança: até aquele momento os deficientes eram encarados com um misto de medo, pena e aversão e não como... pessoas.
Usando a música e as imagens idílicas cheias de diálogos espirituosos como fio condutor da narrativa, a obra equilibra momentos mais sérios - como os que envolveram os mais de vinte dias em que o coletivo protestou em um prédio do governo, praticamente exigindo do Governo Nixon (um republicano que, claro, complicou tudo), uma posição sobre a Lei da Reabilitação -, até chegar a momentos genuinamente divertidos. Em um deles, um verdadeiro deleite, uma senhora com paralisia cerebral (e mestre em estudos sobre sexualidade humana em pessoas com deficiência), relata como perdeu a "virgindade". Num misto de sinceridade e bom humor, ela menciona uma ida ao ginecologista que lhe diagnostica com uma gonorreia: "nunca me senti tão orgulhosa", ela brinca, sobre aquele que talvez seja um dos maiores tabus entre os PCDs: a discussão da vida sexual. Entre idas e vindas a gente sabe que o final será, em partes, feliz. As rampas estarão lá, posicionadas. Os acessos estabelecidos. Falta agora, a segunda luta a ser vencida: a do preconceito. Essa, certamente, será mais difícil.
Fama às vezes não dá dinheiro Dinheiro compra até fama, uô Difícil mesmo é escolher a coisa certa quando deita na...
Não faz nem um ano que os mineiros do Rosa Neon lançaram o seu autointitulado disco de estreia - aliás, nosso décimo na lista de melhores nacionais do ano passado - e o, agora trio, acaba de disponibilizar um novo single, que vem com um clipe a tiracolo. Mantendo a brasilidade, a energia e o frescor ensolarado do material visto no já citado disco, Fama, a nova música, amplia o aceno para o tecnobrega e para os ritmos populares. Com refrão grudento e letra daquelas pra ficar na cabeça, a canção parece saída de uma espécie de saudável mistura entre Jaloo e Duda Beat, o que exemplifica uma das mais marcantes características do trio composto por Luiz Gabriel Lopes, Marina Sena e Marcelo Tofani: o senso de humor apurado e a capacidade única de mesclar estilos com personalidade e naturalidade. Quase todo em preto e branco, o vídeo dirigido por Vito Soares faz um aceno aos Beatles, em um projeto minimalista que parece confrontar o real sentido de "fama". Enfim, é sempre divertido e, pra quem ainda não conhece, pode ser uma boa porta de entrada!
De: Christopher Nolan. Com Guy Pearce, Carrie-Anne Moss, Joe Pantoliano e Stephen Tobolowsky. Suspense, EUA, 2000, 113 minutos.
Vamos combinar que foi um baita cartão de visitas este Amnésia (Memento), filme de estreia do diretor Christopher Nolan (de A Origem, Interestellar e Dunkirk, além da trilogia Batman: O Cavaleiro das Trevas), que pavimentou o caminho para que ele se tornasse um dos mais importantes e celebrados diretores da atualidade. Cada obra do realizador é aguardada, não por acaso, com certa ansiedade pelos fãs, sendo este o caso de Tenet que, em meio a pandemia, já mudou tantas vezes de data de estreia que a gente já tá meio perdido se ele vai ser exibido nos cinemas ou se vai direto para o streaming - nas salas brasileiras (sim, salas), a data oficial é 10 de setembro. Mas o assunto aqui é Amnésia e seu roteiro absurdamente engenhoso, que utiliza a sua narrativa fragmentada e de trás pra frente, para contar a história de vingança de um sujeito que perdeu a mulher (e a sua memória). Trata-se de uma proeza fílmica, um trabalho de edição impecável, inesquecível.
O filme começa com o assassinato meio estranho de um certo Teddy (o ótimo Joe Pantoliano), o que seria, em tese, a resolução do caso. Quem segura a arma que o mata é Lenny (Guy Pearce) que parece finalmente ter descoberto o responsável pelo crime ocorrido no passado - no caso um assalto que resulta na morte já citada da esposa do protagonista e que, de quebra, lhe deixa incapacitado de recordar de eventos recentes - o distúrbio é conhecido como "amnésia anterógrada", que é a impossibilidade de formar memórias novas. Assim, para que não seja traído pelas confusas lembranças, Lenny adota uma série de estratégias: pendura bilhetes em paredes, anda com fotos cheias de instruções nos bolsos - sobre pessoas, sobre objetos, feitas com a sua inseparável polaroide -, além de tatuar no corpo algumas verdades que considera mais definitivas. A intenção é se vingar pelo crime ocorrido no passado, algo praticamente impossível pra que não se recorda do que aconteceu 15 minutos atrás e que vai montando o quebra-cabeças com pistas tão escassas.
Para o espectador, o exercício é muito divertido - e tenso, claro! O filme vai voltando no tempo e adicionando aos poucos mais situações e pessoas que surgem no dia a dia atribulado de Lenny. Ele está em um hotel, mas parece não saber bem por qual motivo. Há na história uma mulher de nome Natalie (Carrie-Anne Moss) que também parece carregar um trauma do passado. O protagonista perambula pela cidade numa espécie de rewind fílmico, em que alguns episódios, se emendam em outros e, com as poucas informações que temos, vamos tentando, também, chegar a alguma conclusão, ainda que nada pareça ser definitivo. Como parte do flashback, cenas em preto e branco mostram que Lenny trabalhava numa espécie de seguradora, em que atendia um paciente que sofria da mesma doença incapacitante com a qual ele convive hoje. É tudo muito misterioso, complexo, claustrofóbico. Quando Teddy aparece não sabemos se ele é um amigo. Ou se tá agindo para prejudicar o protagonista. O mesmo valendo para Natalie.
É, no final das contas, uma daquelas obras de fazer cair o queixo e que nos surpreende a todo o momento, especialmente pela capacidade que a narrativa tem de desagrupar tudo o que estamos vendo para, no instante seguinte, rearranjar tudo de novo, em uma lógica de acontecimentos que vai nos ajudando a compreender o mistério - por mais que, por vezes, pensemos estar distantes de qualquer solução. É o que acontece quando uma personagem surge com o rosto machucado, por exemplo, e a gente imediatamente já tente "lembrar" do que ocorreu, sendo que ainda não assistimos ao ato em si. Pearce, que já apareceu em algumas dezenas de filmes, entrega aqui uma atuação altamente convincente: sua confusão é palpável e sua tomada de decisões parece ser, genuinamente, reflexo de sua desordem. Mas a força da obra de Nolan está, efetivamente, em seu formato narrativo que, amparado por um uso espetacular da parte técnica - tudo é bom, da fotografia à edição de som -, torna essa uma assombrosa e inesquecível obra sobre os mistérios da mente. Vale demais!
"...o bem crescente do mundo depende, em parte, de atos não históricos; se as coisas não vão tão mal para nós como poderiam ter ido, metade devemos àqueles que viveram fielmente uma vida anônima e repousam em túmulos que ninguém visita." (George Eliot) De: Terrence Mallick. Com August Diehl, Valerie Pachner, Sophie Rois e Bruno Ganz. Drama / Romance, Alemanha / EUA, 2020, 175 minutos.
Quem gosta da filmografia de Terrence Mallick (de A Árvore da Vida) vai se deleitar com Uma Vida Oculta (A Hidden Life), afinal, todas as características das obras do diretor estão lá - do clima vagaroso e envolvente da narrativa até os cenários vivos e bucólicos o filme é, ainda, um primor do ponto de vista técnico. Há, como de praxe, um carinho todo especial por aqueles personagens que acompanhamos, com a câmera trafegando entre eles como se fosse uma espécie de bem-vindo observador a espionar seus comportamentos afáveis, seus diálogos espirituosos, num indo e vindo em que campos verdejantes de trigo se alternam com crianças pequenas correndo nos potreiros. Aliás, a forma de Mallick criticar a aspereza do mundo - e, aqui, neste caso mais específico, o absurdo da guerra -, é sempre elegante, contemplativa, sem pressa. Como se a brutalidade estivesse instalada em um outro local e que valesse o empenho em favor de uma vida elegíaca, em um cenário idílico, longe da morte, do sangue e dos conflitos sem sentido. A vida em família ideal: com ternura, carinho, compaixão, empatia, abraços, beijos e afagos.
Baseada em fatos reais, a obra volta para a Áustria rural do final dos anos 30, no período em que se inicia a Segunda Guerra Mundial, para mostrar uma família de agricultores que vive em perfeita comunhão com a natureza, produzindo alimentos para sobreviver em meio a um cenário de florestas, rios, montanhas e estradas, casinhas, estrebarias e igrejinhas, que formam o combo de uma vida quase idealizada. Só que o nazismo se avizinha e os homens das famílias têm sido convocados para lutar ao lado do exército alemão, sendo exatamente este o caso de Franz (August Diehk), que deverá deixar a esposa Fani (Valerie Pachner) e os três filhos para trás para participar do projeto genocida imaginado pelo Führer. Só que, para Franz, isso significa ir contra tudo aquilo que ele acredita e que demonstra em seu comportamento afável em todo o filme. O resultado? Ele se recusa a aceitar a convocação, tornando-se preso político para ser condenado, mais adiante, por traição à Pátria.
De forma bem resumida, Uma Vida Oculta pode ser encarado como um belíssimo líbelo antiguerra, que ainda traz uma importante mensagem sobre a manutenção das convicções na tentativa de tornar este um mundo minimamente melhor para quem nele permanece. Franz poderia ter sucumbido as pressões e estaria livre. Mas sob qual preço? Oprimir judeus? Matar minorias? Assassinar estrangeiros ou aqueles tidos como diferentes? No pequeno povoado em que vive, o protagonista acaba se tornando uma espécie de pária momentâneo: a comunidade lhe renega. Ele e sua família são proibidos de, sequer, entrar na capela - aliás, não chega nem a surpreender o comportamento da Igreja na guerra, que, sem cerimônia, se coloca ao lado do regime nazista. Quando o prefeito aparece, é para lhe pressionar. Todo esse clima de inconstância vai sendo instalado aos poucos na narrativa, numa série de pequenas sequências com vizinhos e parentes que não hesitam em demonstrar sua contrariedade, enquanto a família permanece convicta em suas crenças. Sabe quando você mora em uma cidade em que a maioria das pessoas votaram no Bolsonaro, são adeptas da extrema-direita mais abjeta e você é uma pessoa progressista, de esquerda? Guardadas todas as proporções - estamos falando da guerra, afinal -, o sentimento é exatamente esse.
Uma das maiores críticas ao filme tem sido a sua longa metragem de quase três horas e eu admito que uma pequena passadinha na ilha de edição poderia ter ajudado Mallick a não conceber tantas sequências repetitivas e até excessivamente expositivas. Mas, confesso, a mim, a mensagem acabou por ser ainda mais fortemente "martelada", com a espera infinita por alguma notícia (ou mesmo pelo anúncio do fim dos conflitos), gerando um sentimento ainda mais revoltante diante do absurdo daquilo que acompanhamos. Em certa altura Fani renova suas esperanças, dizendo que eles são apenas agricultores e as pessoas do mundo "precisam comer, não?". Sim, precisam. Mas se você for contrário ao regime, não importa se é agricultor, médico ou padre: nos regimes totalitários parece haver apenas um destino. "Melhor sofrer as injustiças do que promovê-las", se esforça em anunciar a mãe do protagonista a certa altura, tentando esfregar para quem talvez não tenha entendido, qual o lado certo naquele contexto de abuso. E se há algo a celebrar enquanto as lágrimas escorrem ao final do filme, é o fato de que a luta silenciosa de muitos anônimos, pode ter contribuído para que, na atualidade, a gente sofra menos do que naqueles tempos. O sino toca. As pessoas despertam. É um filme belo, poético, potente e necessário.
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