Novidades em Streaming - O Afinador (Tuner)

De: Daniel Roher. Com Leo Woodall, Havana Rose Liu, Dustin Hoffman, Lior Raz e Jean Reno. Ação / Suspense / Drama / Romance, Canadá / EUA, 2026, 109 minutos.

"Afinador, se você precisar ganhar dinheiro de verdade, me liga". Niki (Leo Woodall), o protagonista de O Afinador (Tuner), filme recém chegado às plataformas de streaming para aluguel, sofre de hiperacusia - um distúrbio auditivo que se caracteriza por baixíssima intolerância ou sensibilidade excessiva a sons cotidianos de intensidade moderada ou baixa. Barulhos de trânsito, sons de talheres ou mesmo o ruído normal de uma conversa pode ser insuportável e estressante pra quem sofre da condição. O que faz com que Niki permaneça o tempo todo com fones de ouvido - como forma de atenuar o sofrimento. Só que o mesmo distúrbio faz com que ele seja um habilidoso afinador de piano, ofício que aprendeu com o veterano Harry Horowitz (Dustin Hoffman), um amigo de seu falecido pai, com quem tem conversas aleatórias sobre assuntos de almanaque (como a quantidade de mercúrio presente nos atuns).

Enfim, Harry é como se fosse um segundo pai para ele. Com a van do veterano, a dupla vai para lá e para cá na cidade, afinando pianos de ricaços que nem tanto apreço assim pelo instrumento - aliás, o sonho de Niki era ter sido um músico de sucesso, mas justamente o seu excesso de sensibilidade para sons como o das teclas do piano, o impediu. Certo dia, na casa de um ricaço, Niki é atrapalhado por um trio barulhento de operários israelenses que tenta, em vão, abrir um cofre com furadeiras e outros instrumentos. Nesse contexto, o protagonista se oferece para abrir o compartimento de forma silenciosa, a partir dos discretos ruídos feitos pela roldana da estrutura de segurança do local. Um clique aqui e outro ali e ele alcança seu objetivo - aliás, mais um aprendizado obtido com a ajuda de Harry, que havia esquecido a senha de seu próprio cofre, anteriormente.

 

E, claro, em um filme assim, para que a narrativa avance e desperte algum interesse é necessário algumas conveniências de roteiro. Em uma delas, Niki conhece a talentosa pianista Ruthie (Havana Rose Liu) com quem trava uma espécie de disputa musical que, mais adiante, se converterá em amizade e... paixão, claro (duas pessoas lindas sempre estão desimpedidas em qualquer filme de Hollywood, sabemos bem). Com mais de 80 anos, Harry acaba tendo um ataque cardíaco em outro momento e, como não há SUS num dos piores países do mundo, o tratamento gera uma dívida milionária. Niki mal e mal tem dinheiro pra se manter. Que dirá pra apoiar seu tutor. Quer dizer, há a oferta feita por Uri (o ótimo Lior Raz) e que está na frase que abre essa resenha, que é dita após ele ficar embasbacado com o fato de Niki ser capaz de abrir cofres de forma silenciosa. O que desbloqueia muitas possibilidades para o trio de larápios que, ao cabo, vive de pequenos golpes em casas de endinheirados.

Em linhas gerais, essa é aquela produção bem estruturada, com começo meio e fim bem delineados e que se vale do carisma de seus personagens como uma de suas forças. Niki passa a trabalhar com Uri e seus capangas e não é preciso ser nenhum expert para saber que, mais adiante, a coisa sairá do controle - ainda mais com tantos cofres abertos e tantas joias (como relógios) e grana rolando. Para o jovem protagonista o trambique é eficiente por permitir pagar o tratamento de seu amigo Harry - ainda que a esposa do homem, Marla (Tovah Feldshuh), desconfie de que há um esquema por trás de tanto dinheiro. Com boas surpresas e excelentes reviravoltas no roteiro, a obra ganha um pouquinho mais de força na reta final, especialmente depois do surgimento de Maissner (Jean Reno), um notável maestro que promete um emprego à Ruthie. Bom, o finde tá aí e pra quem procura um filme sem muita invencionice para assistir em família, talvez esse seja o ideal. Tá na Amazon Prime e na Apple TV.

Nota: 7,0 

 

Pitaquinho Musical - Kelela (new avatar)

Quando escuto um disco como o new avatar, terceiro registro de inéditas da Kelela, fico imaginado aquele tipo de noite que talvez nunca existiu direito - ao menos fora da minha mente de morador do pequeno povoado do sul global. Classudo, espectral, aconchegante e sofisticado esse é o tipo de projeto que nos joga para as luzes urbanas e cintilantes da cidade enquanto o carro roda; para a pista performática e eventualmente introspectiva das três da manhã e para a solidão do quarto em uma madrugada que já se conecta com o início da manhã. Sim, é meio tentador resumir o trabalho como uma mescla de R&B, soul e eletrônica, mas não deixa de ser interessante notar como Kelela parece disposta a explorar outros terrenos sonoros - o que pode ser percebido, aqui e ali, pela guitarra que emula uma espécie de shoegaze noventista e que, em alguma medida, funciona como justíssima homenagem à precursores do instrumento número um dos "rockistas" (que, verdade seja dita, teve seu embrião na música negra, antes da apropriação por um bando de brancos bem nascidos e que talvez a máxima subversão fosse fumar maconha escondido dos pais).

 

No comunicado que enviou à imprensa e que antecipava o anúncio do álbum, a artista fez questão de lembrar que não deseja que a música seja uma mera distração do que realmente está acontecendo no mundo. "Eu quero que ela faça sentido neste momento louco, enquanto ajuda as pessoas a entrar em contato com a beleza e a alegria que também estão experimentando", afirmou. Não por acaso, a ideia de um avatar como alegoria para a construção de novas formas de existência em meio ao caos político, social, cultural e religioso - com avanço da extrema direita e políticas de opressão à minorias (como no caso das pessoas negras e queer) -, surge como a metáfora óbvia de um trabalho em que a transformação e adaptação parecem estar no centro. O resultado é uma coleção de canções impactantes em sua sonoridade etérea e límpida, com menos refrãos óbvios e mais versos potentes, como no caso da abertura com idea 1 (inspirada na obra da escritora Octavia Butler), linknb (sobre pertencimento cultural) e don't piss me off (a respeito de raiva convertida em resistência). Enfim, um dos grandes discos do ano.

Nota: 9,0 

Tesouros Cinéfilos - A Praga (The Plague)

De: Charlie Polinger. Com Everett Blunck, Kayo Martin, Kenny Rasmussen e Joel Edgerton. Drama / Suspense, EUA / Austrália, 2025, 98 minutos.

Em uma das primeiras cenas de A Praga (The Plague), o jovem Ben (Everett Blunck) está tentando se enturmar com os colegas adolescentes do acampamento de polo aquático em que acaba de chegar. Ele ainda é o novato tímido de olhar curioso e está meio que tateando aos poucos, buscando algum ponto de segurança em um contexto que talvez seja um dos piores do planeta: o de ser o desconhecido em um bando de crianças na faixa dos 12 e 13 anos que, a despeito da falta de maturidade, comportam-se como sujeitos autossuficientes e, eventualmente, arrogantes. Ao chegar com seu prato de comida ele já ouve alguma gracinha sobre ter escolhido o sabor de suco errado (uva ou laranja, há algum que é melhor). Mas tudo piora quando o coletivo se dá conta de que Ben possui um tipo de transtorno de som da fala, que faz com que ele omita certos fonemas (no caso ali, da dificuldade em verbalizar a palavra stop, que vira algo tipo ssóp).

Claro que isso já será motivo pra muita gaitada - com a frente desse bullying ainda preliminar sendo puxada pelo pequeno Jake (o ótimo Kayo Martin) que, a despeito de seu tamanho diminuto e da pouca idade, possui uma alta capacidade de uso de deboche e de ironia. E a coisa só não é pior para os lados de Ben porque existe um outro aluno - seu nome é Eli (o também excelente Kenny Rasmussen), que é o alvo principal do grupinho ali. Chamado pelos demais de praga - por conta de um severo problema dermatológico que descama a sua pele -, Eli vive isolado pelos colegas, mas sem necessariamente se impactar com isso (o que talvez sugira que ele tenha algum outro tipo de transtorno, como, talvez, de espectro autista). Ele segue sua vida meio que normalmente, ignorando os demais - e não deixa de ser divertido perceber como o roteiro brinca com essa ambiguidade envolvendo a complexidade de sua personalidade por meio da inclusão de detalhes simples, como o uso do clássico musical noventista Run Away de Real McCoy, que escapa de seu fone de ouvido.

 

Aliás, importante dizer que a trilha sonora, nesse filme de estreia do diretor Charlie Polinger e que ainda não chegou às plataformas de streaming, é um espetáculo à parte, com suas notas cortantes, experimentais, frias e desconfortáveis. É ela que, em muitos momentos da narrativa, funciona como uma espécie de fio condutor das tensões, que parecem sempre prontas a emergir (mesmo que essas ocorrências nunca pareçam maiores do que uma risadaria abobada por um comentário torto ou até por uma ereção inesperada de um colega). Em certa altura, por exemplo, após resolver auxiliar Eli a passar uma pomada em suas costas, auxiliando-o na alergia, Ben é isolado pelos demais da forma mais cruel que pode haver quando o assunto é a prática esportiva: nas disputas de polo aquático, ninguém passa a bola pra ele. A mão esticada permanece vazia, no vácuo, reforçando a ideia de solidão em meio aos demais.

Porque o bullying, verdade seja dita, em muitos casos não é agressão constante ou apupo o tempo todo. É sutileza na arte de abalar a moral do outro - o que pode ser perturbador e trágico para quem está amadurecendo, formando sua personalidade e também a ideia de masculinidade. Aliás, uma obra como essa pode não ser uma bandeira tão ostensiva ao apontar o dedo para o problema da cultura redpill que coopta jovens inceis pelo mundo, mas funciona como uma espécie de embrião a deixar os adultos - aqui representados pelo treinador Wags (Joel Edgerton) - sempre atentos. Hábil, a produção não converte aqueles jovens em sujeitinhos maniqueístas que são bons ou maus o tempo todo, sem nenhuma variação no traço de comportamento. Jake pode até ser o mais pestinha, mas isso não faz com que ele ignore completamente o novato ou ensaie algum tipo de amizade meio desajeitada com ele. Já Ben, mesmo sendo um jovem vulnerável e candidato óbvio da humilhação e das intimidações vindas dos demais, nunca é apresentado como coitadinho. O que é evidenciado por sua complexa relação com Eli. Ao cabo, aqui temos uma obra que respeita a inteligência do espectador, sem entregar todas as respostas de mão beijada. "Você acha que pode ser você mesmo e não dar a mínima para que os outros pensam?", argumenta um revoltado Ben quase ao final do filme? É a reflexão que fica.

 

Novidades em Streaming - A Última Casa (The Last House)

De: Louis Leterrier. Com Wagner Moura, Greta Lee, Riley Chung e Noah Alexander Sosnowski. Ficção Científica / Suspense / Drama, EUA / França / Reino Unido, 2026, 112 minutos.

Devo admitir que foram dois os motivos que me fizeram dar play neste A Última Casa (The Last House) - a despeito da maior carinha de "melhor filme dos últimos tempos da última semana", que daqui mais ou menos um mês mais ninguém lembra que sequer existiu. Primeiro de tudo a presença do Wagner Moura - e não tem como não ficar curioso em vê-lo atuando, ainda mais em Hollywood, após a bem sucedida temporada de premiações de O Agente Secreto (2025). Depois, a temática, já que adoro essas ficções científicas especulativas, em que imaginamos realidades alternativas e como nos comportaríamos frente a elas - sendo aqui, no caso, a ideia de uma família forçadamente presa dentro de sua própria casa por forças malignas, como numa junção entre filmes de terror B e o cinema, com uma boa dose de boa vontade, de Luis Buñuel. Tá, admito que forcei porque não tem como uma produção da Netflix de 2026 ter o caráter alegórico e crítico à elite endinheirada do realizador de O Anjo Exterminador (1962) e O Discreto Charme da Burguesia (1972). Talvez não caibam nem na mesma frase.

Na trama de pegada ambientalista - como muitas da atualidade, aliás -, uma chuva persistente meio que joga todo o mundo pra dentro de suas próprias casas, já que a perspectiva é de temporal feio (e como gaúchos moradores do Vale do Taquari, sabemos bem o temor que isso pode representar). Entre essas pessoas está Jason (Wagner Moura), um engenheiro desempregado que ocupa seus dias pescando e que, após se resguardar de uma tempestade ao lado da esposa Ann e dos filhos Graham (Noah Alexander Sosnowski) e Ruth (Riley Chung) se vê impossibilitado de abrir qualquer porta ou janela de sua residência típica de subúrbio estadunidense. O estranhamento inicial joga o quarteto para um grande janelão da sala, onde, num modo meio Janela Indiscreta (1954) - mas sem um crime acontecendo - eles constatam que seus vizinhos estão meio que na mesma. Ninguém pode sair por quadras a fio, como se todas as casas estivessem seladas pela própria água, que adquire um efeito isolante.

 

Com uma boa relação entre si, o casal e os filhos ficam inicialmente preocupados, mas nunca exasperados - já que imaginam que, em algum momento, a coisa será desbloqueada. Só que os dias passam e, como não poderia deixar de ser, sem poder ir no mercadinho da esquina ou na farmácia, os estoques de comida, de medicamentos e de outros itens de abastecimento básico, vão aos poucos escasseando. E junto com eles surge também o estresse que, inevitavelmente, nos remete aos tempos pandêmicos - na metáfora mais inicialmente óbvia, ainda que soe um tanto tardia e deslocada no tempo, vamos combinar. E tudo piora quando, pouco a pouco, os Delgado (sim, o sobrenome tem essa pegada meio espanhola, já que, onde já se viu o povo da Terra do Tio Sam entender que brasileiro fala português, né?) percebem que não podem mais chegar tão perto assim das portas e das janelas em dias de chuva já que parece haver criaturas meio malvadonas do lado de fora, sentimento reforçado por um brutal ataque a uma vizinha que se vê inesperadamente na rua.

Esse medo que não se sabe bem do quê e que é sugerido no transcorrer da narrativa - Governo? Alienígenas? Grandes corporações? Tecnologia? Devastação ambiental? Especulação imobiliária? - poderia ser melhor explorado em um roteiro um pouco mais imaginativo, que não fosse centrado apenas na rotina da própria família em uma tentativa desesperada de sobrevivência. O que faz, aliás, com que a solução final pareça apenas pálida, lembrando o que ocorre em filmes como os do M. Night Shyamalan, que nunca são ruins, mas que dificilmente conseguem ser completamente satisfatórios. Lá pelas tantas há um cansaço na repetição de ideais - de sustos, de sistemas integrados para a sobrevivência (com a criação de hortas domésticas improvisadas e "pescaria" de animais convenientemente capturados pelo hábil engenheiro Jason). Há, aqui e ali, um ensaio de algo que poderia dar bom, como no instante em que Jason e um de seus vizinhos investem em uma comunicação improvisada por placas - que poderia reforçar a crítica ao individualismo e à falta de senso coletivo de nossos tempos, que faz com que nos isolemos cada vez mais. Ou mesmo no momento em que a família recorre aos DVDs e aos discos de vinil como um aceno ao básico pra ser feliz - com direito a um belo instante ao som Close To Me, do The Cure. Mas, em geral, fica tudo meio que no quase, sem nunca empolgar de fato.

Nota: 5,5 

 

Pitaquinho Musical - The XCERTS (i think i want to go home now)

Vamos combinar que o mundo tá muito no erro quando uma banda bacana como o The XCERTS é simplesmente ignorada por tanto tempo. Bom, na lista de melhores discos de 2026 que você não ouviu, i think i want to gome home now (com minúsculas mesmo), o sexto registro de inéditas dos escoceses, tem lugar cativo. Com uma mistura saborosa de power pop e indie rock, com pitadas de noise e punk, o grupo faz música direta e sem firulas, que jamais soa apenas derivativa ou sem personalidade. Há ali uma urgência, um vigor que a gente quase esquece ser possível nos tempos atuais, em que gêneros musicais parecem tão mesclados (e que bom) e sem uma linha de divisão mais clara. Sim, sim, sim, não vai reinventar a roda e todos nós já ouvimos esse tipo de música melodiosa, que parece meio afogada em dor com seus vocais gritados e refrãos grudentos mas, verdade seja dita, é sempre bom ver a coisa bem feita já que, convenhamos, quem ganha é quem dá o play.

 

Repleto de letras existenciais e divagações contemplativas que, na real, sempre foram a marca registrada da banda - especialmente em discos de melodias mais atmosféricas, como no caso do ótimo Hold on to Your Heart (2018), que parece extraído da mesma fileira do The War On Drugs -, o álbum tem uma certa catarse em seu DNA. O que pode ser percebido, por exemplo, na desconfortável e pegajosa do it to myself, com sua letra urgente e vulnerável sobre admitir o sentimento de fragilidade (Quero saltar dentro do teu coração / Então eu posso desmoronar com segurança). Já a enérgica pretty ugly é naturalmente pesada, o que pode ser percebido para além da sonoridade, com seus versos sobres traumas familiares, decorrentes do diagnóstico de câncer do pai do vocalista Murray Macleod. Em linhas gerais, talvez esse seja um trabalho que não alcança o brilhantismo do inexplicavelmente esnobado There Is Only You (2014), que conta com as assombrosas Shaking in the Water e Teenage Lust. Mas chega perto. 

Nota: 8,0 

Novidades em Streaming - Hit Para Dois (Power Ballad)

De: John Carney. Com Paul Rudd, Nick Jonas, Marcella Plunkett e Peter McDonald. Comédia, EUA / Irlanda, 2026, 98 minutos. 

Vamos combinar que casos de plágio, cópia ou apropriação de melodias ou letras, no mundo da música, não chegam a ser novidade. Recentemente, por exemplo, após a apresentação da Shakira na Copa do Mundo, voltou à baila a discussão sobre ela ter, supostamente, pego para si o famoso refrão da canção Waka Waka (This Time for Africa) que bombou em 2010 - e até aí estava tudo bem ao menos até a banda camaronesa Golden Sounds reivindicar os direitos autorais que envolvem a música Zangalewa, lançada em 1986 (e vale procurar na internet porque as semelhanças são impressionantes). Bom, disputas jurídicas à parte, ambos os lados chegariam mais tarde a um acordo, com a colombiana meio que jurando de pé junto que a apropriação não foi deliberada e que, sim, foi resultado de um processo criativo envolvendo um sem fim de experiências culturais e influências sonoras mundo afora.

Bom, corta pra 2026 e temos Hit Para Dois (Power Ballad), filme de temática semelhante, com um quezinho de Letra e Música (2007) - ao menos no que diz respeito ao carisma dos envolvidos -, em que sai o integrante da banda dos anos 80 decadente (o ótimo papel de Hugh Grant) e entra o músico Rick Power (Paul Rudd), que nunca aconteceu no mainstream, até mesmo por causa de suas escolhas pessoais e de vida. Com uma filha pra criar e casado com a ex groupie Rachel (Marcella Plunkett), Rick é um celebradíssimo vocalista daquelas típicas bandas covers de casamento, que fazem sucesso cantando, entre outras, Celebration do Koll and the Gang e Maneater, da dupla Hall and Oates. Mas no íntimo dele, ele ainda parece sonhar com algum tipo de estrelato - o que culmina na constrangedora sequência inicial, em que eles cantam uma canção genérica e autoral de rock anos 90 meio Soul Asylum e que meio que ninguém pediu, se deparando com o inevitável esvaziamento da pista de dança logo após.

 

E se na produção de Marc Lawrence tínhamos uma Drew Barrymore irresistível, que ajudava o protagonista a retornar ao estrelato, deixando para trás as apresentações em feira agropecuárias, aqui temos Danny Wilson (Nick Jonas, que interpreta alguém que talvez dialogue um pouquinho a mais com a sua persona da vida real do que o imaginado, já que ele nunca retornaria aos anos de ouro dos Jonas Brothers), um cantor famoso por integrar uma boy band no passado e que agora está empenhado em construir uma carreira mais sólida como um músico mais... sério, por assim dizer. Em um encontro meio despretensioso em um casamento em que Danny era amigo do casal, ambos não apenas cantam juntos no palco improvisado da festa - em um vídeo que viraliza -, como se juntam na mesma madrugada para uma sessão de maconha regada ao compartilhamento de trechos de músicas, fragmentos, letras espalhadas e refrãos diversos. Nada muito sério, ao menos até ali, que não fossem dois músicos bebendo e se divertindo.

Hábil na construção das cenas que envolvem a concepção musical - suas melodias, ritmos, composições -, o diretor John Carney, que tem uma longa tradição de filmes com temáticas sonoras, se alonga de forma confortável nesses instantes íntimos, de músicos dedilhando violões, mostrando trechos ou partituras e outros elementos que poderiam passar batido por quem não se liga tanto nesse campo. E é em um desses momentos que Rick mostra um pedacinho de How to Write a Song (Withou You), que tinha potencial para ser um hit e nunca foi, por essas vicissitudes da vida. Meses após, Rick está em um shopping center e tem a impressão de ouvir uma melodia bastante conhecida no rádio e que... parece bastante a música dele mesmo! Divertida e charmosa, a obra acerta por não vilanizar em excesso nenhum dos lados - talvez, assim como Shakira, Danny não tenha feito algo deliberado - não deixando de evidenciar como o desejo por fama pode fazer com que esqueçamos das coisas simples, ou daquilo que realmente importa. E, honestamente, não pensei que fosse concluir a sessão com lágrimas nos olhos. E aconteceu. Mérito de um projeto pequeno, que tem seu valor.

Nota: 7,5 

 

Novidades em Streaming - 8 Décadas de Amor (8)

De: Julio Medem. Com Ana Rujas, Javier Rey, Alvaro Morte e Carla Díaz. Drama, Espanha, 2025, 126 minutos. 

Quando concluí a sessão de 8 Décadas de Amor (8), o mais recente projeto do espanhol Julio Medem e que está disponível na Reserva Imovision, resolvi, de curioso, revisitar a resenha escrita por mim para Os Amantes do Círculo Polar (1998) - talvez o filme do diretor mais querido pelo público cinéfilo. Na primeira frase do texto, a seguinte sentença: "Coincidências, acontecimentos aleatórios, situações inesperadas. O mundo que parece às vezes dar uma volta inteira pra retornar ao mesmo lugar" - e, verdade seja dita, não deixa de ser interessante perceber como essas ideias seguem em vigor, quase 30 anos depois, nas obras do realizador. Em 8 Décadas de Amor - uma generosidade de quem concedeu o título em português, porque o correto seria nomear o filme de 8 Décadas de ÓDIO -, um casal tem suas vidas atravessadas por mais de oitenta anos de conflitos políticos, sociais, culturais, religiosos. Que nunca parecem solucionados - especialmente quando se está em espectros ideológicos (por assim dizer) opostos.

O amor nos tempos do cólera pode ser bastante complicado, já diria Gabriel Garcia Marquez. Mas não é diferente do amor nos tempos de guerra - ainda mais no caso da Espanha que, após a proclamação da Segunda República veria o País entrar em uma dura guerra civil que, de forma muito resumida, culminaria na ascensão ao poder do general Francisco Franco, que governaria a nação com mão de ferro de 1939 à 1975 (em uma ditadura complexa e repleta de controvérsias). Na trama, os personagens centrais Adela (Ana Rujas) e Octavio (Javier Rey) nascem no mesmo dia 14 de abril de 1931, uma data bastante simbólica já que esta marca justamente a proclamação da Segunda República Espanhola. Em lados políticos opostos - ele de família abastada e militar (que se tornaria adepta do franquismo), ela filha de professor e de origem humilde -, ambos terão seus destinos cruzados ainda na infância, quando o pai de Adela, integrante de um grupo revolucionário, assassina o pai de Octavio, durante uma pescaria.

 

Aliás, a frase dita pelo pai de Octavio - "para pescar algo bom é preciso paciência e esperança" -, meio que funciona como uma guia mestra para a narrativa. Uma metáfora para a nossa própria existência, com suas vicissitudes, medos, incertezas, desejos, anseios, coisas que ficam pelo caminho e sonhos que se concretizam ou não. Em linhas gerais um projeto que poderia ser cansativo e até confuso, dada a grande quantidade de saltos temporais, acontecimentos e reviravoltas, nunca deixa a peteca cair. Um mérito que também envolve o belo aparato técnico, com seus longos planos sequência, fotografia que se alterna entre o preto e branco dessaturado do passado e as cores vivas quase almodovarianas do presente, e o desenho de produção que parece bastante adequado a cada década apresentada. Com saltos no tempo entre os anos 40 até a atualidade, as vidas de Adela e Octavio se mesclarão em meio às feridas da ditadura franquista, traumas familiares que se espalham, transformações políticas e suas consequências e arrependimentos no que diz respeito à decisões tomadas.

E vale comentar que é só na quarta parte, já na década de 70, que o casal de conhece verdadeiramente, ainda que suas vidas já tenham sido cruzadas antes. Ela, em um casamento meio de fachada com um militar machista, ensaia uma outra vida possível em um trecho que, simbolicamente, é marcado por um momento em que ela dirige livremente ao som de uma versão de Be My Baby, das Ronettes, após fugir da Igreja (o feminismo se espalha em tempos de minissaia como alegoria para a revolução sexual). Ele, também insatisfeito com os rumos da vida, tenta de toda a forma se desvencilhar do militarismo tão traumático (ele estava no pátio de arma em punho no dia do fuzilamento do pai de Adela, em mais uma das tantas coincidências) e da ideologia de extrema direita com pendor reacionário, que tanto devasta sua família (sua mãe, por exemplo, tem um treco quando o rádio anuncia a morte de Franco). E sempre que tentam seguir em frente, o destino parece aproximá-los - com direito a um filho juntos, que também terá sua vida afetada por disputas políticas dos anos 90, que alcançam até ambientes supostamente lúdicos, como os do futebol. A cena final, em um almoço de família que termina em uma longa (e até engraçada) discussão, é a cereja do bolo de uma produção que aponta que, quando o assunto é o debate político, talvez só mude o País. Ou a década. Ou o século. E assim será eternamente.

Nota: 7,5

 

Novidades em Streaming - Uma Infância Alemã (Amrum)

De: Fatih Akin. Com Jasper Billerbeck, Laura Tonke, Lisa Hagmeister e Diane Kruger. Drama, Alemanha, 2025, 93 minutos.

Existe um filme da diretora australiana Cate Shrotland chamado Lore (2012), que conta a história de uma adolescente criada nas entranhas da ideologia nazista e que precisa atravessar uma Alemanha devastada após a guerra, com seus irmãos mais novos à tiracolo. Naquela obra, a protagonista se vê obrigada a encarar o abismo entre o mundo em que ela foi obrigada a acreditar - seu pai, um oficial nazista, e sua mãe, fogem após a queda de Adolf Hitler - e a realidade que ela encontra pelo caminho. Especialmente após o surgimento de um misterioso judeu em fuga, pelo caminho. Em alguma medida, esse nazismo lateralizado, que surge menos como o espetáculo histórico visto em tantos clássicos do cinema, mas mais como uma presença que mina as relações familiares, o cotidiano, e mesmo a formação moral e ética das pessoas, reaparece no excelente e recém lançado para aluguel nas plataformas de streaming Uma Infância Alemã (Amrum).

Com um fiapo de história que quase alude ao cinema iraniano - o que distancia, aliás, o sempre versátil diretor Fatih Akin dos dramas intensos sobre identidade e pertencimento, como Contra a Parede (2004) ou Em Pedaços (2017); da comédia calorosa de Soul Kitchen (2009) e da brutalidade suja e quase insuportável de O Bar Luva Dourada (2019) -, aqui, acompanhamos o adolescente integrante da juventude hitlerista Nanning (o ótimo Jasper Billerbeck) em uma peregrinação particular, em busca de pão branco, manteiga e mel. Um conjunto alimentar difícil de ser encontrado - ainda mais na isolada aldeia de Amrum, na costa norte de Alemanha, em um contexto de escassez gerada pelo conflito -, mas que permitirá alimentar a sua severa e ideologicamente fanática mãe Hille (Laura Tonke), que acaba de dar à luz, mas que está em uma espécie de greve de fome pessoal desde que a morte do führer foi anunciada no rádio. Um luto que ela ela tem dificuldade em aceitar.

 

Em suas andanças, Nanning vaga pela ilha, atolando os pés em bancos de lama, costeando o litoral e percorrendo estradas de terra em encontros espaçados com vizinhos, tios e outras figuras adultas que lhe permitam acessar os ingredientes que atendam os anseios gastronômicos da mãe. Como o menino que realiza uma jornada solitária pelo Irã rural de Onde Fica a Casa de Meu Amigo (1987) de Abbas Kiarostami, aqui temos um jovem em conflito entre as crenças familiares que formarão sua identidade e o entorno tensionado por outros pontos de vista políticos, sociais e culturais. Sendo a vizinha Tessa (Diane Kruger), uma produtora de batatas para quem Nanning trabalha, a representante máxima desse ponto de vista divergente. "A maldita guerra de Hitler está finalmente acabando" brada ela ao se deparar com a passagem de um grupo de refugiados poloneses que margeia a sua horta. Para desespero de Hille, que denuncia a mulher para os militares.

Apostando na sutileza, Akin constroi uma obra de fluidez narrativa lenta, em que a temática é tratada com grande sensibilidade e sem excesso de maniqueísmo - a ponto de nos comovermos e até torcermos, em alguma medida, não pelo pequeno nazista em si, mas para que o mundo seja capaz de moldá-lo para que ele tenha uma atitude positiva em relação a ele (como, inclusive, parece desejar seu pai, em uma carta direcionada ao jovem, após a tomada de Berlim). Em contrapartida, Hille é a figura histriônica que verbaliza um patriotismo de araque e um orgulho da "linhagem" da família, que não faria feio nas fileiras dos bebedores de Ypê (aliás, quando o assunto é o extremismo de direta e o comportamento das famílias de bem só muda o País - ou o século). O auge do auge é a mulher reprimindo o menino choroso, com um "seja homem", seguido de um "perdemos a guerra por causa de fracos como você". Quando a gente vive em uma bolha - seja uma ilha no norte da Alemanha ou uma comunidade rural do interior do RS - talvez seja difícil olhar para além do que ocorre a um palmo do nariz. Ainda mais quando o processo educacional familiar se retroalimenta em humilhação, violência, autoritarismo patriarcal e repressão emocional. Isso sim capaz de produzir sujeitos particularmente vulneráveis (pra não dizer fracos) à lógica fascista. 

Nota: 8,5