quinta-feira, 28 de março de 2024

Novidades em Streaming - Quem Fizer Ganha (Next Goal Wins)

De: Taika Waititi. Com Michael Fassbender,  Kaimana, Oscar Kightley, Elisabeth Moss e David Fane. Comédia, EUA, 2023, 104 minutos.

Vamos combinar que havia tantas subtramas legais a serem exploradas em Quem Fizer Ganha (Next Goal Wins). Tantas possibilidades dramáticas - ou, vá lá, mesmo que a ideia fosse apenas fazer uma comédia que, pelo menos, ela tivesse alguma graça. Porque a obra de Taika Waititi simplesmente não tem. É pra ser uma produção de humor, mas que não resulta em riso. É pra ser uma experiência sobre superação de dificuldades, mas a gente só se depara com estereótipos. Aliás, que em pleno ano de 2024 se construa um conjunto de personagens tão descaradamente unidimensionais como são retratados os habitantes da Samoa Americana, é algo que beira o constrangimento. Sim, hoje em dia todas as pessoas já estão familiarizadas com o evento futebolístico que entrou pra história nas eliminatórias da Copa do Mundo de 2002 quando o País do Pacífico Sul registrou a pior derrota da história em uma partida oficial: um acachapante 31 a 0 pra Austrália. Agora, esse fato autoriza os roteiristas a tratarem os atletas como uma massa de adultos infantilizados apenas aguardando por algum tipo de domesticação?

Porque, ao cabo, a impressão que fica é a de que é exatamente isso que acompanhamos. As supostas diferenças culturais não estão ali para apenas nos divertir. A ideia geral parece ser a de humilhar os habitantes da Samoa, que são apresentados como um coletivo de sujeitos excessivamente ingênuos - mesmo para os padrões de quem leva uma surra no futebol. Porque depois da goleada sofrida e, projetando as eliminatórias para 2014, a Confederação local resolve contratar um novo treinador, que possa dar uma revolucionada na coisa - ou que ao menos permita aos jogadores terem a capacidade mínima de correr, passar, chutar a gol. E é aí que entra em cena Thomas Rongen (Michael Fassbender), um técnico holandês meio turrão e um tanto desacreditado, que é enviado à Samoa Americana para tentar uma missão quase impossível: fazer com que a seleção local consiga fazer um gol que seja. Um golzinho. Que lhe fará quebrar um tabu para entrar pra história. Na chegada, Rongen é recebido com festa, com imprensa, com uma dança típica da cultura local. É pra ser um instante engraçado. Mas que só gera vergonha alheia.


 

Aliás, muito se falou sobre a completa incapacidade de Waititi de filmar as sequências das partidas de futebol. Obviamente não deve ser uma dinâmica muito fácil, já que é um esporte coletivo e cheio de possibilidades - o que sem um mínimo de boa noção espacial pode fazer com que tudo soe excessivamente falso. Que é o que ocorre. Aliás, eu nunca vi um filme sobre esporte tão mal executado nesse aspecto. Só que a meu ver esse, como já dito, não é o maior problema. Dá pra fazer filme debochado, daqueles de rir de dobrar a barriga, mesmo quando as sequências esportivas não são das melhores - e quem já assistiu ao clássico cult do humor Kung Fu Futebol Clube (2001) sabe do que falo. Só que, volto a dizer: não tem graça. Nenhuma, por sinal. Uma piada recorrente é sobre como os habitantes da ilha tem mais de um emprego - o técnico de futebol pode ser garçom ou repórter e por aí vai. Outra é sobre como os moradores desse local paradisíaco são excessivamente religiosos - com direito a parada para a oração durante o treinamento. Sério? E, por mais que isso seja efetivamente verdade, não consigo compreender como isso pode ser algo divertido. Talvez nos anos 80, em um filme da Sessão da Tarde. E olhe lá.

Quem está minimamente familiarizado com a história sabe que a seleção de Samoa Americana não apenas faria um gol naquela eliminatória, como ainda venceria um partida contra Tonga - escrevendo um capítulo interessante que lhe retiraria da lanterna do ranking da Fifa. Aliás, até mesmo quando os jogadores de Tonga entram não parada, eles surgem como os valentões estereotipados, provocadores - tipo os alemães em Jamaica Abaixo de Zero (1993), aliás, um ótimo exemplo de narrativa de volta por cima esportiva, que não necessita aviltar, menosprezar o País da América Central só porque ele não é de Primeiro Mundo, rico ou possui mais recursos do que as superpotências econômicas mundiais. E é exatamente quando essa parte do filme "começa", que ele dá uma sensível melhorada. Há certa comoção na evolução. Que é ampliada também pelo fato de um dos gols ter sido feito justamente pela atleta Jaiyah (Kaimana), a primeira mulher trans a jogar uma partida por uma Eliminatória de Copa do Mundo. 

 

 

Já pensou que baita trama poderia ser essa? Sobre os dilemas de ser trans em um ambiente tão masculinizado? Só que quando Jaiyah surge em cena ela é apenas o lugar comum fetichizado de uma figura do tipo - com seus trejeitos afeminados e necessidade de ajeitar o cabelo o tempo todo. Haveria no combo outras histórias paralelas possíveis, como a do goleiro Nicky Salapu (Uli Latukefu), que foi quem levou os 31 gols do massacre - mas que ressurge para uma história de redenção que beira o inacreditável. Tudo isso fica meio comprimido em uma narrativa centrada em um white savior absolutamente irritante que, de quebra, ainda tem carisma negativo. Às vezes eu fico me questionando se Taika Waititi ainda tem crédito na praça, ou se Jojo Rabbit (2019) foi apenas um delírio coletivo que foi exageradamente alçado a filme da temporada naquela edição do Oscar. Tomara que não, até mesmo porque há sim coisas boas no currículo. Mas aqui fica aquela mancha na temporada "esportiva". Uma goleada em casa e que levará tempo pra recuperar.

Nota: 3,5

quarta-feira, 27 de março de 2024

Cinema - O Homem dos Sonhos (Dream Scenario)

De: Kristoffer Borgli. Com Nicolas Cage, Julianne Nicholson, Dylan Gelula, Michael Cera e Dylan Baker. Comédia / Drama, EUA, 2023, 101 minutos.

Vamos combinar: desde que Nicolas Cage abraçou oficialmente o meme talvez tenhamos, com O Homem dos Sonhos (Dream Scenario), o seu melhor filme. Por que se em Pig: A Vingança (2021) ou O Peso do Talento (2022) era mais a galhofa pela galhofa, ou a mera desculpa pra colocar o astro em algum projeto de gosto duvidoso (ou apenas engraçado de maneira estranha), aqui temos também uma história para contar. Ok, é evidente que não estamos diante de um tratado sobre cultura do cancelamento, fama vazia, instantaneidade do pop de nicho, linchamento virtual e outros temas. Ainda assim não deixa de ser interessante notar como esses assuntos aparecem, aqui e ali, nessa narrativa excêntrica protagonizada por Cage e dirigida pelo ótimo Kristoffer Borgli - do excelente Doente de Mim Mesma (2022). Na trama, ele não poderia ser o sujeito mais comum: um professor universitário de biologia (seu nome é Paul) que sonha em escrever um livro sobre suas importantes descobertas a respeito da vida das formigas - ou outro tema que ninguém dá a mínima.

Só que se já não bastasse uma rotina um tanto ordinária, ele ainda é uma figura de carisma meio negativo. Por mais bondoso e dócil que seja, ele é aquele homem careca - naquele estilo George Constanza, de Seinfeld -, que usa um óculos meio antiquado e que se veste com roupas sem nenhum apelo à moda (geralmente escuras, opacas e com números maiores). Aliás, ele é uma figura tão simplória, tão discreta, que quando todas as pessoas à sua volta começam a simplesmente sonhar com ele, do nada, ele mantém a apatia excruciante inclusive dentro dos sonhos. Quando passa a ser uma espécie de pequena celebridade entre seus alunos, eles relatam os seus sonhos, que são invadidos por um Paul meio distante, no canto do quadro, alheio à narrativa. Em um dos devaneios, um dos estudantes está em fuga de um assassino sanguinário. Em outro, um prédio está em ruínas. Num terceiro, uma casa é invadida por jacarés. Em todos eles o protagonista apenas circula, como se estivesse em um plano de fundo, sem uma participação mais, digamos, direta. Ainda que esteja lá.


 

Aliás, essa falta de iniciativa é percebida também quando ele tem uma reunião (essa na vida real) com uma antiga colega que anuncia que escreverá um livro exatamente sobre um tema que ele mesmo cogitou escrever - e ele simplesmente será incapaz de confrontá-la. Em outro momento, quando uma agência de publicidade - uma start up cheia de jovens estilo Faria Lima loucos para ganhar uma graninha a custa da imagem alheia -, mostra interesse em contratar Paul (que já viralizou nas redes pelos inexplicáveis sonhos coletivos com ele, uma espécie de "efeito Mandela onírico") para uma propaganda de Sprite ou para algum tipo de parceria com o Obama, ele se recusa. Só há um interesse em sua vida, e que ele tentará capitalizar a todo custo: lançar seu livro completamente nichado, que funcionará mais como exercício egóico do que efetivamente a entrega de algum produto que alguém aguarda ansiosamente chegar ao mercado. Nesse conjunto de situações ele ainda falha miseravelmente ao tentar uma investida na jovem Molly (Dylan Gelula), uma das assistentes da agência - em uma abordagem que só gera constrangimento. Detalhe: ele é casado. E tímido. E muito correto.

E a meu ver esse roteiro poderia dar muito errado se a obra não tivesse graça. E ela é muito divertida, a ponto de em vários momentos me arrancar gargalhadas - seja no instante em que os alunos narram os sonhos (que são filmados de forma criativa, vibrante), seja nas aparições em programas de TV, ocasião em que as mais diversas teorias começam a surgir. [ATENÇÃO PARA SPOILERS] E quando Paul dá uma guinada em certa altura, que o transforma em uma espécie de Freddy Krueger improvisado, que barbariza todo mundo nos sonhos, temos aquela pulguinha que nos fará pensar sobre nosso comportamento diante de famosos nem tão famosos - e sobre como sempre estaremos prontos a julgar e a apontar dedos. E talvez não seja por acaso o surgimento de um sujeito armado, de roupa camuflada - um cidadão de bem -, no terço final, disposto a fazer justiça com as próprias mãos. o que evidenciará também como, em certos casos, as pessoas estarão a isso aqui de distância de enveredar para comportamentos extremistas. Tudo bem que nas aparências é só uma comédia sobre as pessoas sonhando obsessivamente com Nicolas Cage. Ou com um estereótipo dele. Mas ele mesmo já foi vítima dessa cultura do ódio, quando sua carreira entrou em decadência, o convertendo quase num pária em Hollywood. Que ele faça disso a matéria-prima para um projeto tão singular - e hilário - é só a cereja do bolo.

Nota: 8,5


segunda-feira, 25 de março de 2024

Tesouros Cinéfilos - A Comunidade (La Comunidad)

De: Álex de la Iglesia. Com Carmen Maura, Eduardo Antuña e Ane Gabarain. Comédia / Suspense, Espanha, 2000, 109 minutos.

Uma experiência histriônica, excêntrica, exagerada, bizarra. Vamos combinar que não tem como fugir desse tipo de adjetivo na hora de definir A Comunidade (La Comunidad) - filme do diretor Álex de la Iglesia que está disponível na Mubi. Mistura de suspense hitchcockiano e comédia pastelão, com agumas pitadas de Roman Polanski na Trilogia do Apartamento, essa é aquela obra para assistir com a mente aberta e a alma leve. Afinal, é tudo tão anárquico que, em certa altura, só resta abraçar o caos. Na trama, Carmen Maura é Julia, uma agente imobiliária meio decadente, que se ocupa de alugar habitações para clientes abastados. Lá pelas tantas, digamos que ela simpatiza demais com um dos apartamentos mobiliados que deveria vender, e resolve apenas se instalar nele. Ainda que não fosse o certo, a ideia era passar apenas uma ou duas noites ali - ao menos até o momento em que ela leva uma "chuva" de baratas na cabeça (em uma tentativa meio torta de sexo com seu marido não muito hábil).

A invasão das baratas será a deixa para que ela perceba que tem algo muito errado no andar de cima - o que envolve a descoberta do corpo putrefato do antigo dono - um idoso que, pelo visto, guardava uma boa quantia de dinheiro (e despertava o interesse dos demais vizinhos, como ela constatará). A ideia de Julia, quando descobre 300 milhões de pesetas escondidas em meio a um amontoado de lixo, de entulho, de sujeira, será levar a grana dali. Embalada em enormes sacolas. Tarefa que, ela perceberá, não será tão simples assim. Afinal, todo mundo ali vai tentar tirar uma lasquinha do dinheiro e a protagonista terá de fazer um verdadeiro malabarismo pra sair dali - o que envolverá, por exemplo, escapar das investidas de um vizinho sedutor, um cubano que chegará ao ponto de forjar uma festa em seu apartamento como forma de atrair sua atenção (em uma das mais engraçadas sequências da trama).


 

Ao cabo, aqui temos aquele filme de caçada estilo gato e rato, com todos ali tentando se antecipar em relação ao outro - com Julia à frente. Há outros vizinhos esquisitos, como no caso de Charly (Eduardo Antuña), uma espécie de nerdola incel que passa seus dias espionando pela janela, vestido de Darth Vader, enquanto é mimado pela sua preocupada mãe, além de Encarna (María Asquerino), que faz aquele estilo vizinha interesseira/fofoqueira, que tá sempre bisbilhotando pelos corredores. Aqui e ali o projeto quase descamba para a bagunça, especialmente no terço final, quando as coisas saem de controle, com direito a uma perseguição digna de clássicos como Um Corpo Que Cai (1958) e Intriga Internacional (1959). A tensão é interessante, ainda que ela se equilibre bem com a comédia física - com pessoas dependuradas ou se esgueirando pelos ares, enquanto se atacam em um prédio altíssimo, rodeado por majestosas estátuas.

"Hitchcock é como minha mãe e Polanski é como meu irmão", brincou o diretor, à época do lançamento, em entrevista à BBC. No mesmo bate-papo ele elogiou a performance de Maura, sempre tão ligada à Pedro Almodóvar, em especial ao subverter a lógica da mocinha de retidão moral inabalável, uma vez que ela é uma figura totalmente gananciosa - uma anti-heroína que é incapaz de largar a mala de dinheiro, mesmo quando parece a ponto de morrer. Com um sem fim de figuras estúpidas e ambiciosas, que tornam o ambiente do condomínio numa espécie de microcosmo de uma sociedade individualista, sem nenhuma empatia e incapaz de pensar no coletivo (o que torna o nome do projeto paradoxal), a obra diverte na análise exagerada das falhas do capitalismo. Com vitórias nos festivais de San Sebastian, no Goya e no de Mar Del Plata, o filme pavimentaria o caminho para outras obras estranhas do diretor, caso do imperdível Crime Ferpeito (2005), que pode ser encontrado no Belas Artes A La Carte.


Pitaquinho Musical - Adrianne Lenker (Bright Future)

Quem acompanha o trabalho de Adrianne Lenker, seja à frente do Big Thief ou em carreira solo, sabe que suas obras não são daquelas que nos apaixonam de primeira - e não é diferente com o recém lançado Bright Future. Sim, porque a despeito da simplicidade evocativa do violão e da voz enfumaçada, pincelada aqui e ali por um violino ou um efeito eletrônico econômico, o que temos são registros que requerem uma atenção maior do ouvinte. Nem sempre há refrãos fáceis ou as curvas óbvias previstas no pop plastificado da atualidade. Ou no folk encomendado. O caminho, ao cabo, pode ser imprevisível mas sofisticado, instável mas arguto. Basta olhar para os versos, que até divagam sobre cotidiano bucólico e a complexidade das relações humanas, mas sempre com uma dose de boa poesia - algo que fica claro, por exemplo, no single Sadness As a Gift (Estive procurando seus olhos / E tudo que vejo é o céu azul). Ou mesmo em Evol, que explora o conceito de palíndromos.

 

 

Em linhas gerais tudo é muito íntimo e cheio de vulnerabilidade. É como se Lenker simplesmente pegasse seu violão, entrasse em um quartinho fechado de uma casa isolada no meio do mato, rodeada por montanhas e riachos, e dedilhasse qualquer coisa tão sofrida quanto aleatória. Ainda assim é interessante notar como há certo encantamento nesse caráter meio banal da coisa toda - como se houvesse um brilho meio mágico, quase onírico, a cada nota vocal mais alta ou a cada melodia entortada, que se equilibra em perfeita harmonia com o silêncio das brechas. Libélulas, varandas perfumadas, nuvens que passam, framboesas silvestres e macieiras, passeios com o cachorro, lareiras acesas, ventos que arrepiam - há uma felicidade boba no agora, que faz o contraponto a um futuro que, sabemos, não será tão brilhante assim. Só que enquanto o trágico não ocorre podemos dar play para dançar timidamente ao som de Free Treasure, Vampire Empire e Ruined. Certamente valerá a pena.

Nota: 8,5


quarta-feira, 20 de março de 2024

Cine Baú - Disque M Para Matar (Dial M for Murder)

De: Alfred Hitchcock. Com Ray Milland, Grace Kelly e Robert Cummings. Suspense / Policial, EUA, 1954, 105 minutos.

[ATENÇÃO: ESSE TEXTO TEM SPOILERS]

Existe um grande bloco de filmes de Alfred Hitchcock que geralmente não são citados de primeira, quando chega a hora de elaborar a relação dos melhores do Mestre. Mas isso não significa que eles não sejam importantes ou não tenham o DNA do diretor. E penso que esse é o caso do ótimo Disque M Para Matar (Dial M for Murder), que foi lançado no mesmo ano de Janela Indiscreta (1954), o mais perfeito suspense que se tem notícia - e que talvez por isso não seja lembrado com tanto carinho. Sim, num primeiro momento a produção estrelada por Ray Milland e Grace Kelly pode parecer apenas uma longa verborragia sobre um psicopata descrevendo os caminhos que lhe levarão a perpetrar um crime perfeito (aliás, um dos muitos assuntos favoritos de Hitchcock). Mas o roteiro é tão engenhoso, os diálogos, ainda que expositivos, são tão espirituosos, e as interpretações tão convincentes que não demora nem quinze minutos para que sejamos absorvidos pela história.

A trama é o Hitchcock raiz: um tenista aposentado de nome Tony Wendice (Milland) descobre que sua estonteante noiva, a socialite Margot (Kelly), está tendo um caso com um escritor americano de thrillers policiais - um certo Mark Halliday (Robert Cummings). Ao invés de confrontá-la a respeito de sua infidelidade, Tony elabora um plano macabro para matar Margot. Para colocar essa ideia tão aterradora quanto absurda em prática, ele chantageia um certo Charles Swann (Anthony Dawson), um antigo colega de faculdade que está envolvido em uma série de golpes - inclusive já tendo sido preso. A ideia da dupla será a de aproveitar um momento em que Margot estará sozinha em casa, para que Swann entre no apartamento - uma chave estratégica será deixada de baixo do tapete, junto a escadaria. Um telefonema chamará a atenção da jovem e esta será a deixa para colocar o estratagema em ação. Só que não seria um filme de Hitchcock se a coisa ocorresse exatamente como o previsto.


 

Em uma das melhores reviravoltas da história do cinema, Margot consegue contragolpear o seu algoz, que tentava lhe estrangular com um cachecol. E ao perceber que seu plano saiu pela culatra, o protagonista precisará recalcular a rota - o que envolverá uma série de mentiras aos investigadores, com direito a provas falsas plantadas pelo apartamento, declarações conflitantes e cópias de chaves perdidas e reencontradas, além de uma grande quantia de dinheiro em uma mala. É tudo muito bem construído, ainda que a trama se passe, assim como ocorre em Um Barco e Nove Destinos (1944), Festim Diabólico (1948) e no já citado Janela Indiscreta (1954), toda em um mesmo cenário. E é justamente esse aspecto que confere um impacto maior à trama - com o ambiente apertado do apartamento, com sua sala pequena e quarto adjacente, ampliando a sensação de claustrofobia e de tensão iminentes.

Como de praxe, o diretor utiliza o seu filme para uma série de pequenas inovações técnicas que vão dos enquadramentos oblíquos, passando por travellings exagerados e closes impactantes. Em certa altura a câmera flana pelo apartamento até repousar em um ângulo um pouco mais baixo em que Tony e Swann aparecem apartados por um abajur. Pode não parecer algo significativo, mas serve para representar um ponto de ruptura que, ali adiante, se consolidará - seja no plano que não sai a contento, seja na morte inevitável do segundo. Em tese há uma suavidade que vai e vem e que reforça a importância dos objetos cênicos - cartas, chaves, malas, casacos -, como se nossos olhos precisassem estar permanentemente atentos a tudo que envolve aquele espaço (e vai ver tenhamos mesmo que estar atentos). E talvez não seja por acaso que o filme tenha sido incluído na lista de 100 Thrillers do American Film Institute (AFI), numa honrosa 48ª posição. Ao cabo este é um suspense sofisticado, carregado de tensão e que reserva uma série de surpresas instigantes até a sua conclusão.


Pitaquinho Musical - Real Estate (Daniel)

Vamos combinar que o Real Estate é a prova viva de que a música pode ser fácil, descomplicada, sonhadora, doce. Sim, a gente já ouviu esse estilo de jangle pop antes - seja em bandas como o Teenage Fanclub ou, mais antigamente, com o The Byrds. Já se vão quinze anos de carreira e, no sexto disco, Daniel, a coisa não mudou muito. Há um apelo nostálgico permanente na guitarrinha primaveril, que combina perfeitamente com os versos flutuantes de Martin Courtney. São canções que aconchegam e que acolhem o ouvinte, mesmo quando eventualmente soam mais complexas do que parecem. É o caso, por exemplo, do single Water Underground, que mergulha nas profundezas da mente, ao usar a imagem da água como uma metáfora para o inconsciente, para a parte mais misteriosa do cérebro. "Você apenas está vivendo sua vida cotidiana e encontra algum tipo de inspiração", divagou Courtney.


 

O expediente se repete em outros momentos simples e belos. Say No More se inspira no clássico Harvest Moon, de Neil Young, em um tipo de canção grudenta, que poderia muito bem estar no álbum Days (2011) sem que houvesse nenhum estranhamento. A estrutura de verso, ponte e refrão é replicada de forma persistente, o que pode soar um pouco cansativo para quem aguarda um pouco mais de elaboração. Mas não dá pra negar que, atualmente, o grupo já possui uma personalidade própria, que permite fácil identificação. "O sol se pôs / Nós permitimos / Nunca estive tão contente", verte em torrente o refrão de Airdrop, antes de um sintetizador inesperado explodir. Em Market Street a estrutura se repete, bem como os temas (As coisas não parecem certas / Banhadas pela luz do sol). Pode parecer apenas banal, talvez cotidiano demais. Mas encontrar magnitude no ordinário também tem seu charme. E ao optar por essa jornada do comum, o Real Estate converte seus temas - e suas angústias suburbanas - em maiores do que parecem.

Nota: 8,5


segunda-feira, 18 de março de 2024

Cinema - A Sala dos Professores (Das Lehrerzimmer)

De: Ilker Çatak. Com Leonie Benesch, Eva Lubau, Michael Klammer e Leonard Sttetnisch. Drama, Alemanha, 2023, 98 minutos.

Em uma das primeiras cenas de A Sala dos Professores (Das Lehrerzimmer), dois alunos da sétima série são interrogados por dois professores da escola em que estudam, a respeito de pequenos furtos que andam estão ocorrendo no educandário. Incapazes de obter uma resposta satisfatória diante da negativa dos pequenos, os docentes instigam os estudantes a apontarem em uma lista de nomes, qual é aquele que, eles acreditam, possa estar envolvido no caso. Essa ocorrência aparentemente corriqueira é acompanhada por Carla (a ótima Leonie Benesch), que está exasperada. Como pode, afinal, duas pessoas mais velhas coagirem dois adolescentes a simplesmente dedurarem um colega? E, pior: sem nenhuma prova? O olhar de Carla é de surpresa. Ela indica que eles não precisam fazer aquilo. Podem ficar em silêncio se preferirem. Mas, acuados, eles fazem. E a culpa recai justamente em um colega do Oriente Médio. Um convite à xenofobia. O que piora aquilo que já não era muito bom.

Carla não parece ser uma má pessoa. Quer dizer, não é que ela seja incorruptível ou moralmente impecável. Mas ela tenta estabelecer algum tipo de ética na relação com os seus alunos - o que faz com que ela permaneça ao lado deles, quando a investigação envolvendo roubos de pequenas quantias de dinheiro ou mesmo de objetos e de materiais escolares, tem início. Ninguém sabe quem está por trás daquilo. Pode ser um estudante? Pode. Mas também pode ser um funcionário ou um outro professor. Só que em tempos de redes sociais, de instantaneidade, de ódio disseminado e de política de cancelamento - todos nós poderemos ser os próximos, afinal -, a protagonista falhará justamente ao tentar auxiliar a escola na investigação. Quando ela posiciona uma câmera escondida junto a sua jaqueta, por estar desconfiada de uma fuuncionária, ela percebe uma mão que invade o bolso da peça para pegar a sua carteira. As evidências sobre o autor parecem claras. Mas dá pra sair incriminando assim, sem mais nem menos? Sem alguma prova mais robusta?


 

Pior do que isso, a professora será acusada de invasão de privacidade, já que faz captura com a câmera do notebook sem o conhecimento dos demais, justamente dentro da sagrada sala dos professores. O que desencadeará uma série de eventos que escalarão para uma sequência de violências em que, aparentemente, ninguém mais se entenderá. Primeiro a suposta culpada pelos roubos será afastada. Só que esse fato também respingará no filho da suspeita, o pequeno Oskar (Leonard Sttenisch), um jovem promissor que é fã de matemática, meio protegido de Carla, mas que ficará perturbado com o desligamento da mãe. E como se tudo não pudesse se tornar ainda mais atordoante, ainda haverá as reuniões com os pais, os grupos de whats, as desconfianças de parte a parte. Carla quis fazer algo que, em sua imaginação, seria para o bem. Mas quando um sistema parece já estar todo corrompido em sua raiz, não haverá mais solução. Por mais que se tente.

Em alguma medida, esse é um filme sufocante que se utiliza justamente das paredes exíguas e dos ambientes permanentemente fechados de uma escola, para formar o conjunto ideal de uma alegoria sobre violências cotidianas que escalam sem muito espaço para retorno. Em certa altura os alunos convocam Carla para uma entrevista ao fanzine da escola. E a gente já sabe que tudo sairá de uma forma torta. Há nos tempos atuais uma pré disposição para o ódio, para a intolerância, para a incapacidade de entender o outro. De ouvir e ser ouvido. Em certo ponto todos gritam juntos, ao mesmo tempo, na sala dos professores, numa balbúrdia desconexa que é a metáfora perfeita para as fraturas vividas na atualidade. É um microcosmo que serve como um olhar para o todo. É tudo muito seco - da fotografia aos cenários, passando pela trilha sonora de notas inquietantes. Até pode parecer um filme em que não ocorre muito. Mas há algo no seu cerne que fala muito sobre a hostilidade do mundo. Sobre tormentas e questões éticas complexas. E esse é um grande mérito.

Nota: 8,5


quarta-feira, 13 de março de 2024

Pitaquinho Musical - Carne Doce (Cererê)

"Mais uma vez está na hora de partir / Pra ver se a distância pode nos unir". Poucas bandas exploram tão bem a dualidade da experiência humana como o Carne Doce. Em alguma medida é possível afirmar que delicadeza e selvageria caminham lado a lado com o pudor e a perversão, o bucólico e urbano, o amoroso e o sexy - o que é evidenciado não apenas nos versos cheios de dualidades, mas também nas melodias que se alternam entre instantes urgentes e contemplativos. "É uma inclinação dela, dos autores que ela lê, de como ela vê a vida, e que ela acabou aprimorando com o exercício da composição” resumiu em entrevista ao Diário da Manhã, o guitarrista Macloys Aquino sobre sua parceria de grupo - e também de vida - Salma Jô. Nesse sentido as letras eventualmente reflexivas da compositora muitas vezes recebem como complemento uma sonoridade perfumada, primaveril, com guitarras melódicas e um apelo à natureza de sua região de origem, no caso o Centro Oeste.




Sim, sempre foi assim e basta olhar o título e canções da época do primeiro e homônimo álbum de 2014 - Sertão Urbano, Amigo dos Bichos, Fruta Elétrica - para percebermos essa característica. E se naquele momento os goianos produziam um tipo de música mais empoeirado, diluído, com um apelo à uma "psicodelia da floresta", é possível afirmar que aos poucos a sonoridade foi sendo limpa, com destaque para o vocal e um instrumental também mais arredondado e a exploração de temas feministas e de questões de gênero - especialmente após o disco Tônus (2017). Com dez anos de carreira e um cancelamento nas costas - uma acusação de abuso sexual do baterista -, o coletivo chega ao quinto trabalho, Cererê, com suas principais atributos intactos. Um bom exemplo disso pode ser percebido já na arrancada, com o divertido single Noite dos Tristes (olhaí a dubiedade). O expediente se repete em instantes contemplativos, como em Suspiro, que abre esse pequeno texto, e em outras joias como as espetaculares Metagreste, Na Lona, Na Bad e Festa. O melhor nacional até o momento.

Nota: 8,5


terça-feira, 12 de março de 2024

Cinema - Todos Nós Desconhecidos (All of Us Strangers)

De: Andrew Haigh. Com Paul Mescal, Andrew Scott, Claire Foy e Jamie Bell. Drama / Romance / Fantasia, Reino Unido, 2023, 105 minutos.

Vamos combinar que Todos Nós Desconhecidos (All of Us Strangers) é um filme muito fácil de se gostar. Primeiro de tudo tem a dupla de atores que protagoniza a história - e que são no caso o Paul Mescal, que comoveu plateias mundo afora recentemente com o papel de um pai que tenta se aproximar de sua filha pré-adolescente em Aftersun (2022) e Andrew Scott que, entre outros, vive um padre na imperdível série Fleabag. Depois tem o romance queer que, em tempos de luta permanente contra preconceitos e intolerância, sempre será um atrativo a mais. Além disso há uma trilha sonora nostálgica e saborosa repleta de hits dos anos 80 encaixados no momento certo - e eu duvido você não sair emocionado de um instante levemente poético ao som de Build do The Housemartins. E, por último, há ainda a história cheia de idas e vindas e de boas surpresas, com discussões potentes sobre luto, memória, aceitação e problemas familiares.

Ao cabo esse é um combo bastante efetivo, que ainda é completado por um certo ar de mistério que acompanha a narrativa - o que nos leva a desconfiar de eventos e refletir sobre acontecimentos episódicos. Na trama, Mescal e Scott vivem Harry e Adam, que são os dois únicos moradores de um enorme complexo de apartamentos. Adam é um roteirista de vida solitária que está empenhado em escrever uma história sobre seus pais - que perderam a vida em um trágico acidente quando ele tinha apenas 12 anos. Em certo dia ele é perturbado por Harry, que surge bêbado em sua porta, com uma proposta um tanto indecente. O caso é que esse começo meio torto resultará em romance. Ao mesmo tempo em que Adam começa a colocar o projeto no papel - o que envolve também uma série de seguidas visitas à antiga casa de seus pais, atualmente desabitada. 

 


 

Só que no local o sujeito terá uma série de visões de seus familiares. Mais do que isso, ele poderá interagir com eles, confrontando o passado, os traumas, as dores - como no caso do momento em que sua mãe (Claire Foy) "descobre" que ele é gay. Em alguma medida o projeto dirigido por Andrew Haigh - de 45 Anos (2015) -, tem uma fluência levemente contemplativa, sem pressa. Intercalando momentos da relação entre Harry e Adam com outros dos encontros com os pais do segundo, a narrativa nos conduzirá de lá para cá entre o romance e a incerteza, entre os anseios e os temores. Há um certo amargor aqui e ali que tem a ver também com as dificuldades geracionais, especialmente quando os pais emergem de um espectro mais conservador. O que não impedirá a existência de um sem fim de sequências tocantes, com tentativas de reconciliação atrapalhadas entre lágrimas e mágoas.

Em um dos instantes mais bonitos, Adam retorna para uma noite de Natal - uma memória inegavelmente positiva -, enquanto sua mãe canta em voz alta a versão do Pet Shop Boys, de Always On My Mind (Talvez eu não tenha tratado você / Tão bem quanto deveria / Talvez eu não tenha te amado / Tão frequentemente quanto poderia). Enquanto assistia ao filme só conseguia pensa em como o Oscar é uma premiação de indústria, de campanha, de lobby e de outras coisas mais porque é simplesmente inacreditável que Scott não tenha sido sequer lembrado entre os indicados para Ator. Sua performance é delicada, mas potente, sutil mas vigorosa. Aliás, o projeto não foi indicado em nenhuma categoria! E como se não bastassem tantos predicados, a obra ainda reserva para o seu instante final uma surpresa angustiante, que faz com que o filme fique em nossa mente por muito tempo depois dos créditos subirem. E isso sempre faz valer a pena.

Nota: 8,5


sexta-feira, 8 de março de 2024

Apostas Oscar 2024

A premiação máxima do cinema rola no próximo domingo (10/03) - a transmissão, como de praxe será na TNT - e estamos com ótima expectativa para a edição desse ano. Primeiro porque a safra está muito boa, a despeito de eu ter abominado com todas as minhas forças o Zona de Interesse, que é uma espécie de unanimidade da crítica. No mais, algumas categorias parecem certas, outras gerarão dúvidas até o último instante e é assim mesmo. Aqui a gente faz as nossas apostas, mas o caso é que não conseguimos assistir tudo de todas as categorias - há uma vida real pra viver, afinal. Mas mesmo assim a gente se arrisca e pitaqueia em tudo, baseado em prévias, em outras premiações, em bolsas de apostas e por aí vai. Uma ótima premiação a todos!

 


 

FILME

Me parece que só se houver um cataclismo Oppenheimer não vence a categoria máxima da noite. Um erro. Um desvio de rota. Nas bolsas de apostas das bets da vida a odd é 1,01 pra vitória da obra de Christopher Nolan. Significa que é o melhor filme de fato? Claro, essa é uma questão subjetiva, mas que eu acharia o máximo ver a Academia premiando uma obra ousada e excêntrica como Pobres Criaturas, ah, isso eu acharia. Só que Oppenheimer venceu Bafta, Sindicato dos Atores e dos Produtores e outros termômetros. É bem diferente do que rolou ano passado quando, até o último segundo, não daria pra cravar com certeza na vitória de Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo. Esse ano deve dar a lógica. Pra alegria do fã clube do Nolan.

Quem vence: Oppenheimer

Vou curtir demais se vencer: Pobres Criaturas


DIRETOR

Aqui deve dar a dobradinha com Nolan também vencendo nessa categoria. E a lógica é a mesma da anterior. O diretor de Oppenheimer venceu absolutamente todas as prévias importantes - de Bafta a Sindicato dos Diretores, passando por Critics Choice e Globo de Ouro. Essa tá de barbada também, nas bolsas de apostas. Seria justo se Martin Scorsese ganhasse por Assassinos da Lua das Flores? Seria. Até mesmo porque o trabalho no filme é impecável. Mas seria uma surpresa e tanto. O Yorgos Lanthimos eu nem comento, porque ele tem o componente esquisitice e, por mais que a Academia esteja se modernizando, não sei se chega a tanto.

Quem vence: Christopher Nolan por Oppenheimer

Vou curtir demais se vencer: Yorgos Lanthimos.


ATOR

Nessa categoria a coisa tá mais equilibrada entre Paul Giamatti por Os Rejeitados e Cillian Murphy por Oppenheimer. Eu sou um giamatter então torço muito pelo primeiro - e Os Rejeitados é um filme muito bacana, seria uma forma de também reconhecê-lo. E de reconhecer o próprio Giamatti, que já foi esnobado em oscares mundo afora vinte anos atrás. Quanto as prévias, foram vitórias de parte a parte. Murphy, por exemplo, faturou o Bafta e o Sindicato dos Atores. Já Giamatti pegou o Critics Choice e o Globo de Ouro. Por fora, corre o Jeffrey Wright por Ficção Americana, um filme cheio de carisma e que deu ao seu protagonista prêmios como o Spirit Awards. Uma das categorias mais disputadas, com certeza.

Quem vence: Cillian Murphy por Oppenheimer (por uns milésimos de segundos)

Vou curtir demais se vencer: Paul Giamatti por Os Rejeitados.

 


 

ATRIZ

Nos bastidores me parece haver uma campanha pra converter Annette Bening em vencedora, já que ela está em sua quinta indicação, se posicionando como a veterana das indicadas. Seria uma forma de reconhecê-la pela primeira vez. Certamente mais pelo conjunto da obra do que por Nyad, que é um filmezinho bem meia bomba e que sequer chegou à categoria principal. E como se já não bastasse tudo isso, ainda há dois pequenos probleminhas chamados Emma Stone e sua companheira da família Stone, a Lily Gladstone que não apenas entregaram tudo em Pobres Criaturas e em Assassinos da Lua das Flores, como ainda faturaram todas as prévias. Emma pegou o Bafta, Globo de Ouro (em Comédia ou Musical) e o Crtics Choice. Já Lily faturou o Globo de Ouro (em Drama) e o Sindicato dos Atores. Lily tem ainda um componentezinho que talvez a coloque milímetros na frente: em tempos de Oscar repaginado e valorização das minorias, talvez seria um belo momento ver uma atriz nativa americana subindo ao palco pra receber a premiação. Será?

Quem vence: Emma Stone por Pobres Criaturas (por dois mililitros de vantagem)

Vou curtir demais se vencer: Lily Gladstone por Assassinos da Lua das Flores


ATOR COADJUVANTE

Sim, a gente sabe Ryan Gosling estava ótimo em Barbie, mas vamos combinar que pegou bem mal essa coisa de ele ter sido indicado e a Margot Robbie não. No mais, tem também o fato de Robert Downey Jr., um dos mais carismáticos da nossa geração, tá passando o rodo nas prévias, por seu papel em Oppenheimer. Sim, eu tenho restrições com o filme do Nolan, mas vou ter que aceitar o fato de que haverá muitas subidas ao palco em vitórias suas. No mais, como fã de Pobres Criaturas adoraria ver Mark Ruffalo, que sempre tem - assim como Downey Jr. -, ótimos discursos, vencendo.

Quem vence: Robert Downey Jr. por Oppenheimer

Vou curtir demais se vencer: Mark Ruffalo por Pobres Criaturas

 

ATRIZ COADJUVANTE

Talvez aqui esteja uma das maiores barbadas da noite, já que Da'Vine Joy Randolph papou tudo quanto é prévia por seu comovente papel em Os Rejeitados. Seria uma das maiores surpresas da história ela não vencer o Oscar. 

Quem vence: Da'Vine Joy Randolph por Os Rejeitados

Vou curtir demais se vencer: America Ferrera por Barbie


ROTEIRO ADAPTADO

Aparentemente aqui está a maior chance de Ficção Americana não sair de mãos abanando, já que o filme ganhou alguns prêmio prévios que merecem ser considerados - entre eles o Bafta e o Critics Choice. Barbie corre por fora, ainda que no Critics tenha concorrido (e vencido) na categoria Roteiro Original. Uma curiosidade nesse ano: o prêmio do Sindicato dos Roteiristas ocorre após o Oscar, então não será possível contar com esse balizador.

Quem vence: Ficção Americana

Vou curtir demais se vencer: Barbie 


ROTEIRO ORIGINAL

Nas prévias, com Barbie fora do disputa e em outra categoria, o caminho parece aberto para uma justíssima de Anatomia de Uma Queda. O filme de Justine Triet faturou o Bafta e o Globo de Ouro. E, verdade seja dita, por mais que os indies estejam apaixonados por Vidas Passadas, a história não deixa de ser bastante convencional se comparada com Anatomia. O fato de ser o vencedor da Palma de Ouro de Cannes também fortalece a campanha do filme francês - que, inexplicavelmente, não foi selecionado por seu País para a disputa de Filme Internacional.

Quem vence: Anatomia de Uma Queda

Vou curtir demais se vencer: Segredos de Um Escândalo, que é um filmaço


ANIMAÇÃO

Devo admitir que me dediquei pouco às animações esse ano - por mais que goste da categoria, foquei em outras. O resultado é que não assisti nem Homem Aranha: Através do Aranhaverso e nem O Menino e a Garça - aliás, duas propostas bastante distintas que devem embolar a votação até o último minuto. De coração eu adoraria ver o filme de Hayao Miyazaki vencendo. Mas essa coisa de ele ser meio recluso em festivais deve pesar na decisão. Talvez. Vai saber. os dois que vi me apaixonei, no caso Nimona e Meu Amigo Robô. E o que for pra ser será.

Quem vence: Homem Aranha Através do Aranhaverso

Se vencer vou curtir demais: Nimona


DOCUMENTÁRIO

Nesse ano essa categoria está bastante disputada já que nas prévias a maioria dos candidatos tiveram alguma vitória em alguma premiação - sendo uma das mais expressivas o Bafta para o pesadíssimo 20 Dias em Mariupol (que terá resenha em breve por aqui). Tem uma outra coisa estranha e que segue estranha até hoje que foi a esnobada da Academia à Still: Ainda sou Michael Jackson - e vitórias como a do Critics Choice tornam tudo ainda mais esquisito. Em resumo: é uma categoria difícil de apontar com Bobi Wine: O Presidente do Povo e a A Memória Infinita correndo por fora.

Quem vence: 20 Dias em Mariupol

Se vencer vou curtir demais: A Memória Infinita


FILME EM LÍNGUA ESTRANGEIRA

Se a França tivesse enviado Anatomia de Uma Queda era só correr pro abraço que a vitória estaria consolidada. Mas não foi o caso. E se há uma lógica que costuma funcionar muito bem nessa categoria é aquela que envolve a indicação dupla - nesta e na categoria principal. Se isso ocorre é praticamente certo de que o vencedor este será decretado o vencedor. E esse é o caso de Zona de Interesse que, de quebra, ainda faturou o Bafta - o que lhe coloca à frente de A Sociedade da Neve e Dias Perfeitos, que correm por fora.

Quem vence: Zona de Interesse

Se vencer vou curtir demais: Dias Perfeitos


CURTA LIVE ACTION

Essa costuma ser uma das categorias "derruba bolão", ainda que a Netflix esteja em campanha forte para alçar The After à vitória. Só que tem um probleminha no caminho chamado Wes Anderson  - e seu A Incrível História de Henry Sugar, que também tem um aparato forte de campanha por trás (da própria Netflix) e muito mais apelo com a popularidade dos nomes envolvidos. A tendência é de ficar entre os dois, com os demais correndo por fora - entre eles o meu preferido, Knight of Fortune.

Quem vence: A Incrível História de Henry Sugar

Se vencer vou curtir demais: Knight of Fortune

 


 

ANIMAÇÃO EM CURTA METRAGEM

A vitória no Annie Awards sempre é um bom termômetro e esse é o caso do comovente War Is Over! Inspired by the Music of John & Yoko, que saiu com o prêmio na categoria curta. No mais é meio imprevisível. Particularmente o francês Paquiderme é o que mais me pega - tem uma história potente que contrasta com os traços meio impressionistas. Mas não sei se é suficiente pra mudar o cenário.

Quem vence: War Is Over! Inspired by the Music of John & Yoko

Se vencer vou curtir demais: Paquiderme


DOCUMENTÁRIO EM CURTA METRAGEM

Particularmente sou apaixonado por O ABC da Proibição de Livros - e toda essa história de O Avesso da Pele, livro do Jeferson Tenório que deixou a gadaiada agitada nesta semana, fez fortalecer ainda mais a minha paixão por essa pequena obra. Só que na hora de apontar quem ganha nesta ou naquela categoria é importante agir sem paixão. E o caso é que... sinceramente eu não sei! The Last Repair Shop é uma joia. The Barber of Little Rock também. E o que dizer de Nai Nai e Wài Pó? A famosa categoria que ninguém dá bola tá espetacular nesse ano. E tudo pode acontecer.

Quem vence: The Last Repair Shop

Se vencer vou curtir demais: O ABC da Proibição de Livros.


DESENHO DE PRODUÇÃO

Aqui também temos uma categoria disputada com Pobres Criaturas, Barbie e Oppenheimer polarizando a disputa. Talvez o filme de Yorhos Lanthimos ainda esteja um dedinho na frente, afinal é realmente assombroso o trabalho de desenho de produção da obra - que, não por acaso, foi agraciada com o Bafta e o prêmio do Sindicato de Direção de Arte. Ok, Oppenheimer também venceu esse último na categoria Filme de Época, o que embola a coisa. Resta aguardar.

Quem vence: Pobres Criaturas

Se vencer vou curtir demais: Barbie


FIGURINO

E aqui temos mais uma disputa imprevisível, com Barbie e Pobres Criaturas, que faturaram uma série de prévias polarizando a disputa. Ambos venceram o Costume Design Guild em suas categorias batendo ótimos concorrentes nessa caminhada. No Critics deu Barbie. No Bafta Pobres Criaturas. E boa sorte na aposta de vocês.

Quem vence: Barbie

Se vencer vou curtir demais: Pobres Criaturas


SOM

Aqui a tendência de vitória de Oppenheimer é gigantesca, até mesmo porque se tem uma coisa que é boa no filme do Nolan é esse aparato técnico por trás. Além disso, as vitórias em prévias importantes colocam a obra alguns passos adiante de Maestro e Zona de Interesse, que correm por fora - este último com a vitória no Bafta.

Quem vence: Oppenheimer

Se vencer vou curtir demais: Sinceramente? Uma das categorias que menos me empolga.


FOTOGRAFIA

Com a vitória na Sociedade dos Diretores de Fotografia, Oppenheimer larga na frente novamente. E as conquistas no Critics e no Bafta aumentam as possibilidade. A odd deve ser de 1,01 aqui também. Ia achar lindo O Conde ou Pobres Criaturas ganhando? Ia. Mas não vai rolar.

Quem vence: Oppenheimer

Se vencer vou curtir demais: Pobres Criaturas


EDIÇÃO

Me dá uma leve broxada pensar que Oppenheimer vai passar o rodo nessas categorias técnicas, mas o caso é que depois das vitórias no Critics, no Bafta e no Sindicato não tem muita escapatória. E se for falar bem a verdade, com as idas e vindas do roteiro, a edição é, de fato, uma das marcas positivas do filme do Nolan.

Quem vence: Oppenheimer

Se vencer vou curtir demais: Assassinos da Lua das Flores


EFEITOS VISUAIS

Aqui a gente dá um tempinho pro Oppenheimer que não foi lembrado nessa categoria e se diverte com as possibilidades. Depois da comovente comemoração da equipe de Godzilla Minus One, que viralizou no dia do anúncio dos indicados, imagina o que eles não serão capazes de fazer em caso de vitória. A torcida é total! Só que pra isso eles vão ter de superar a equipe do Resistência, que venceu o prêmio da Sociedade de Efeitos Visuais. Não custa torcer! Até mesmo porque o primeiro ´filme é infinitamente melhor que o segundo.

Quem vence: Resistência

Se vencer vou curtir demais: Godzilla Minus One


MAQUIAGEM

Com uma campanha tão intensa do Bradley Cooper e de sua galera, alguma coisa Maestro precisa ganhar, né? E o prêmio de consolação talvez esteja aqui - com o aval do Sindicato. Pobres Criaturas ganhou o Bafta e coorre por fora.

Quem vence: Maestro

Se vencer vou curtir demais: Pobres Criaturas


CANÇÃO ORIGINAL

Uma das categorias menos carismáticas do Oscar deve dar o prêmio pra alguma canção do filme Barbie, depois de todo o bafafá. A favorita é What Was I Made For da Billie Eilish.

Quem vence: What Was I Made For de Barbie

Se vencer vou curtir demais: I'm Just Ken de Barbie

 


 

TRILHA SONORA ORIGINAL

Bafta, Critics, Globo de Ouro e uma cacetada de prêmios pra Oppenheimer. Pode colocar sem medo, no bolão. Ainda que a melhor trilha disparadamente seja a de Pobres Criaturas.

 Quem vence: Oppenheimer

Se vencer vou curtir demais: Pobres Criaturas 


Uma ótima premiação pra todos!

quinta-feira, 7 de março de 2024

Cinema - Pobres Criaturas (Poor Things)

De: Yorgos Lanthimos. Com Emma Stone, Willem Dafoe, Mark Ruffalo e Ramy Youssef. Drama / Ficção Científica / Comédia, EUA / Reino Unido, 2023, 141 minutos.

"Agora você só sabe ler, Bella? Assim parece que você está perdendo algo de sua ingenuidade, da sua forma de falar!" Vamos combinar que a cena em que Duncan Wedderburn (Mark Rufallo) se desespera ao perceber que sua amada Bella Baxter (Emma Stone) não é mais aquela figura infantilizada e inocente da qual ele tinha total domínio, talvez seja uma das melhores de Pobres Criaturas (Poor Things). E, em alguma medida, é nesse instante que, como espectadores, percebemos também o quão importante é o conhecimento como um caminho para a autonomia, para as tomadas de decisão, para as escolhas pessoais, para sair das amarras. Os homens reacionários que ainda habitam esse mundo nos dias de hoje normalmente possuem extrema dificuldade em lidar com mulheres de personalidade, empoderadas ou que não estão ali apenas para servi-los. Sim, os tempos estão mudando e talvez não seja exagero examinar a obra de Yorgos Lanthimos como uma alegoria feminista sobre a importância da sororidade, da igualdade entre gêneros e da luta por direitos.

Estou vendo demais nesse filme que parece um encontro de Jean Pierre Jeunet em Delicatessen (1991), com o body horror de David Cronenberg? Talvez. Mas cinema é isso mesmo e um projeto com tantos elementos, tão cheio de complexidades e de metáforas permite, ao cabo, uma série de leituras. E o caso é que estou completamente fascinado com esse projeto - o que só reafirma Lanthimos, diretor de Dente Canino (2009), O Sacrifício do Cervo Sagrado (2017) e de A Favorita (2018), como um dos melhores de nossa geração. Que uma obra tão excêntrica tenha chegado de forma tão forte ao Oscar, com boas condições de vitória em algumas categorias? Um ponto muito positivo. Cinema é entretenimento, mas também é sair da zona de conforto. E uma experiência ousada e provocativa como essa - que tem em sua premissa o componente animalesco do sexo como parte inerente à natureza humana (pra desespero dos tiozões conservadores) -, torna tudo ainda melhor.


 

A trama se passa em uma espécie de universo paralelo que parece uma mescla da Londres do século 18, com um futuro em que a tecnologia incerta - especialmente do ponto de vista da anatomia e das incisões cirúrgicas no corpo humano -, avançou bastante. É nesse espaço que o cirurgião Godwin Baxter (Willem Dafoe, como um Frankenstein às avessas) contrata o jovem estudante de medicina Max McCandles (Ramy Youssef) para ser seu assistente. O objetivo é o de que ele faça anotações a respeito da evolução de Bella, uma jovem com corpo adulto mas mentalidade infantil, que teve seu cérebro substituído pelo de um bebê, após um episódio traumático. Só que conforme Bella evolui, Max vai se apaixonando por ela. Se encantando. Ela, afinal, é uma figura cheia de vida e, pra usar uma metáfora usual, uma espécie de esponja que absorve tudo a sua volta. Tudo, mas tudo mesmo. Inclusive o sexo em todas as suas possibilidades. Em tudo aquilo que ele tem de prazeroso. Um cenário que atrai Duncan que a rapta, levando-a para, supostamente, conhecer o mundo. E ela conhece. Sai da bolha. Explora tudo que dá. Para desespero do homem.

Pobres Criaturas é aquele tipo de filme completo porque não é só bem costurado do ponto de vista do roteiro, que conta com diálogos divertidos e cheios de comentários sociais sobre temas importantes e até filosóficos - códigos morais, ética na vida em sociedade, filtros sobre o que é correto ou não em termos de comportamento, de educação -, mas também na parte técnica. Bella sai de alguém que se diverte sacolejando o pênis de um morto para alguém que, conscientemente e para ganhar dinheiro juntando a fome com a vontade comer, se prostitui. O corpo é dela e ela faz o que quer, né? O filme nos apresenta isso. Mas Duncan é alguém que não aceita essa liberdade toda. Em uma cena graficamente simbólica ele prende a jovem dentro de um baú, enquanto uma trilha estridente, cheia de guinchos, que poderia estar num disco do Radiohead fase A Moon Shaped Pool (2016), toca. "Você quer me aprisionar no mar?", desafia Bella. Ele se esforça pra dizer que não, mas está destruído por dentro, em suas entranhas.


 

Assim como ocorre com a trilha sonora, o desenho de produção é de uma perfeição assombrosa. Do começo em preto e branco que funciona como uma forma de demarcar as limitações intelectuais de Bella, até os cenários do próprio barco ou das cidades visitadas, tudo é evocativo, delirante, onírico. É uma obra experimental mas também fluída, daquelas que nunca cansa. Que nos surpreende a cada instante e que tem reviravoltas absolutamente satisfatórias e sofisticadas. Claro que nem tudo serão flores na jornada de amadurecimento de Bella: pobreza, roubos, pessoas querendo passar a outra para trás. E homens insatisfeitos com mulheres independentes. Em tudo quanto é canto. "Com licença, você está me tapando o sol", responde Bella após o comentário de Duncan que abre essa resenha. Como uma aventureira que desbrava o mundo, a nossa protagonista será pouco a pouco dotada de uma maior capacidade de tomar decisões por si própria. De refletir. De tomar consciência. "Eu estou aqui pra te salvar!", implora Duncan quando descobre que ela trabalha num prostíbulo de Paris. "Salvar de quê?" a gente pensa, na condição de espectador. O caso é que nessa altura do campeonato ela já se salvou. Ela sabe disso. E não haverá chance de retrocessos.

Nota: 10

quarta-feira, 6 de março de 2024

Cinema - Zona de Interesse (The Zone of Interest)

De: Jonathan Glazer. Com Sandra Hüller, Christian Friedel e Freya Kreutzkam. Drama, Reino Unido / EUA / Polônia, 2023, 144 minutos.

Uau, os nazistas também eram pais de família, que cultivavam jardins floridos, se reuniam para festas em família e afagavam as cabeças de cachorrinhos fofos. Sério? Que surpreendente! Sinceramente, assim que subiam os créditos de Zona de Interesse (The Zone of Interest) eu só conseguia pensar que devia ter visto o filme errado. Ou vai ver talvez esteja passando da hora de abandonar esse ofício amador de crítico de cinema improvisado. E eu confesso a vocês que a minha expectativa era enorme. Era. Porque a obra de Jonathan Glazer me pareceu tão problemática de tantas maneiras, que quase não consegui concluí-la - e eu me recuso a ler as resenhas positivas para não ter as minhas impressões contaminadas. Um filme antinazista que não mostra um cadáver sequer, talvez pra não glorificar a violência? Ok, entendo. Mas não encontrar um rosto judeu em meio ao pior período do holocausto? Questionável. E o processo de desumanização de quem esteve no campo de concentração é só um dos equívocos. Não mostrar os prisioneiros de Auschwitz pra que a coisa fique menos perturbadora? Hum.

Em alguma medida já dá pra imaginar essa obra sendo longamente discutida em alguma disciplina do Curso de Cinema, em que alunos bem nascidos que sonham em trabalhar na área discorrem longas teses sobre a banalidade do mal, com seus livros de Hannah Arendt servindo de texto de apoio. "Vivemos tempos sombrios, onde as piores pessoas perderam o medo e as melhores perderam a esperança" já teria dito a filósofa no passado. E, sim, acho que em tempos de ascensão da extrema direita, de populismo reacionário, de Netanyahu, de Órban, de Trump, de Bolsonaro, de Milei e de vovós reaças dispostas a destruir inimigos políticos, pouco depois de fazerem um pudim de sobremesa para os netos, já deu pra entender que o mal do nazismo e do fascismo não virá acompanhado do sujeito militarizado, fardado, com bota e arma na mão - por mais que esse estereótipo ainda ocorra, aqui e ali, entre os patriotas. Afinal hoje em dia a gente sabe que, sob a superfície higiênica do cidadão de bem, pode haver alguém disposto às conveniências do mal. E, de novo pergunto: onde está a novidade?


 

Quase duas horas de uma Sandra Hüller zanzando em um espaço idílico junto ao pior campo de concentração que se tem notícia - um casarão nobre separado por muro altos e cinzas s e arames farpados -, enquanto organiza a rotina como dona de casa, passa carraspanas nas criadas, cuida das crianças. As flores ordinariamente coloridas. A horta que parece fornecer o melhor dos alimentos orgânicos. A piscina convidativa, o gramado sempre verdinho. No outro lado, aquele lado em que ninguém vê, ouve-se barulhos diegéticos de trens, de maquinários, de tiros, de bombas, de gritos agoniados. Tudo meio distante, fora do alcance. Não se enxerga nada nem ninguém. "Mas o trabalho de edição de som" talvez alguém questione. Até isso parecerá uma masturbação técnica pasteurizada, sem muito sentido e de pouco ou nenhum impacto. Um horror que a gente não vê parece apenas perder força. Por mais que choquem sequências como a do grupo de generais e de empresários que discute o quão tecnológica e moderna será a construção de uma nova câmara de gás - muito mais precisa e eficiente -, mais adiante já teremos esquecido esse instante de barbárie. Aliás, esse em partes é um mérito, já que nunca paramos pra pensar no aspecto logístico de um "empreendimento" desses.

No mais e ao cabo esse parece ser um filme apenas ordinário. Que não resolve nada. Não amplia a discussão política a respeito do tema. E ainda apresenta uma série de obviedades - por mais estilística que possa ser a cena em que um punhado de cinzas (provavelmente humanas) polvilham o jardim de flores. Aliás, que coisa mais indigesta tentar fazer "poesia" com isso. Alguns críticos que se aventuraram a apontar defeitos na obra - poucos, por sinal -, salientaram o fato de que Glazer abrandou o romance de Martin Amis, escrito em 2014, no qual o projeto se inspira. Com que intenção se retira a barbárie de um documento que invoca justamente a barbárie desses tempos? Em alguma medida, talvez o ponto positivo seja justamente o da noção geográfica do todo - quando percebemos o quão próximas ficavam as residências de generais e comandantes nazistas e seus familiares, do espaço onde ocorriam os horrores. No mais? Uma abertura longamente aborrecida? Cortes estranhos? Interlúdios em preto e branco quase sem sentido? Excessos de planos médios que tentam tornar interessante a esposa de um nazista dobrando roupas? Ok, eu não aguardava um grande tratado sobre o holocausto. Mas ao sair do absoluto nada pra lugar nenhum, essa se torna uma experiência apenas simplória.

Nota: 3,0


segunda-feira, 4 de março de 2024

Curta Um Curta - Ninety-Five Senses

Um curta metragem de animação levemente esotérico, que serve como uma oportunidade de reflexão para as escolhas que fazemos na vida - e que, aqui e ali, podem resultar em arrependimentos. Quem nunca? Na trama do ótimo Ninety-Five Senses - um dos indicados ao Oscar em sua categoria e bastante premiado em festivais mundo afora -, um idoso no corredor da morte (a narração é de Tim Blake Nelson) realiza uma espécie de monólogo interior em que volta ao passado para uma espécie de autoexame. Em sua manifestação, por mais que o seu comportamento levemente rabugento possa sugerir o contrário, ele passa a recordar sobre a beleza dos nossos sentidos. Da visão, da audição, do olfato, do paladar, do tato. E de como estando encarcerado, ele se vê limitado em relação aos pequenos prazeres proporcionados por eles. Um aroma agradável. Um sabor gostoso. As cores do mundo.


 

Em entrevistas de divulgação, a dupla de realizadores Jerusha e Jared Hess explicou que o curta foi inspirado em narrativas reais de presos que estavam no corredor da morte. Com diversos estilos de animação - uma para cada etapa da vida do protagonista -, não deixa de ser notável a coesão do projeto, que conecta o trabalho de cinco desenhistas diferentes. Ao cabo esse é um filme pequeno, de apenas treze minutos, mas que envolveu uma grande equipe. Muita gente em início de carreira, inclusive. "E o mais legal sobre este filme é que todo mundo leva algo diferente dele. Algumas pessoas assistem e experimentam a própria dor de ter perdido um ente querido. Outros são movidos pela presença física de sentir-se dotado dos seus sentidos", comentou  Jerusha em entrevista para o Borrowing Tape. Para quem tem acesso, está disponível no Documentary+. E também na internet, dando aquela vasculhada!


Cinema - Meu Amigo Robô (Robot Dreams)

De: Pablo Berger e Sara Varon. Animação / Drama, Espanha / França, 2023, 98 minutos.

Uma linda fábula sobre amizade (e amor). E sobre as marcas que as pessoas - ou os robôs e os cachorros - deixam em nossas vidas. Independente da estação do ano, seguir vivendo sempre será preciso. Sim, a gente vai sonhar, vai devanear, vai fantasiar. Tudo será meio estranho e de difícil explicação. Mas a vida é assim: com o tempo iremos superar. Vamos combinar que é quase estranho ser tão filosófico ou existencial quando o assunto é apenas uma carismática animação - no caso Meu Amigo Robô (Robot Dreams), uma das indicadas ao Oscar em sua categoria. Mas esse é o tipo de projeto que nos faz refletir sobre tudo isso. Sobre como viver é uma grande experiência cheia de altos e baixos, de alegrias e de tristezas e até de incertezas diante de tudo. As memórias, assim como no caso da nostálgica e pegajosa música September do Earth, Wind & Fire são pra sempre.

Ao cabo, esse é aquele tipo de filme que talvez passasse meio despercebido não fossem as premiações. E que bom que ele apareceu em nossas vidas. Ok, não há grandes revoluções aqui, para além da completa ausência de diálogos (que nem é algo tão inovador assim). Talvez nada que não tenhamos visto antes. Mas a dupla de protagonistas é tão magnética que é meio difícil de resistir. E como se já não bastasse a simpatia natural da coisa toda, a trama ainda se passa nos anos 80, época de tecnologia incipiente, de jogos como Pong servindo de passatempo para aplacar o tédio, de cartazes de Dark Side of the Moon do Pink Floyd na parede. Enfim, a vida de Cão parece ser meio solitária. Todas as noites o mesmo prato de comida - feito no microondas. E a triste rotina de quem não tem alguém para compartilhar as alegrias e as angústias da vida - e espiar um apaixonado casal vizinho, por meio de sua janela, não ajudará tanto.


 

Só que a coisa muda de figura quando ele vê na TV um anúncio de um robô, que se torna a oportunidade ideal de simplesmente adquirir um novo "amigo". E é assim que a coisa acontece. Quando Robô chega ele o monta, convertendo-o, após algum tipo de estranhamento inicial, na sua companhia mais do que ideal pelas ruas da Manhattan de décadas atrás. Tudo vai mais ou menos bem - com as visitas ao parque, fast food como alimentação e os banhos de mar -, até o dia em que Robô fica, literalmente, empacado na areia da praia. O caso é que depois de ser molhado, suas engrenagens simplesmente enferrujam, o que impede Cão de levá-lo consigo (por ser muito pesado). E como desgraça pouca é bobagem tudo piora quando ele retorna no dia seguinte e a praia está fechada, totalmente lacrada, sendo possível acessá-la apenas no próximo verão. E ele até tentará entrar no local. Mas será em vão. Terá que aceitar sua sina, enquanto seu amigo metálico acolhe comoventemente o seu destino: o de ficar deitado no mesmo lugar por tempo indeterminado.

Elaborada com um traço vivíssimo, a obra contrasta as cores vibrantes e quentes, com a melancolia meio subjacente que é evocada pelo cenário apresentado. Apartados, os dois amigos (ou amantes, nunca fica exatamente claro, mas bem que poderia ser) tocarão suas vidas, viverão outras aventuras, conhecerão outras "pessoas" (no caso bichos) e sonharão. Sim, surpreendentemente, Robô é capaz de sonhar. Como se fosse um Homem de Lata de O Mágico de Oz ele imagina as próprias aventuras, enquanto Cão se ocupa em passar seus meses entre resorts, estações de esqui e até empinando pipa. Em alguma medida esse é um trabalho tão simples, que parece que estamos sempre esperando um grande acontecimento. Mas como já comentei, esse é um filme em que menos é mais. É sobre como ruminamos pensamentos enquanto aguardamos dias melhores. Ou de como esperamos o inverno simplesmente passar para o verão chegar. Ou ainda sobre o vazio da solidão forçada sendo substituído ali adiante pelas casualidades dos novos e inevitáveis encontros. Que um projeto tão aparentemente infantil elabore tudo isso, é algo apenas emocionante.

Nota: 8,5


sexta-feira, 1 de março de 2024

Novidades em Streaming - Ninjababy

De Yngvild Sve Flikke. Com Khristine Thorp, Nader Khademi, Arthur Berning e Tora Dietrichson. Comédia / Drama, Noruega, 2021, 103 minutos.

"Eu não quero filhos. Sim, é algo terrível a se dizer. Talvez egoísta pra caramba, mas é isso, talvez eu seja uma egoísta de merda". Provavelmente um dos melhores e mais sinceros filmes sobre maternidade indesejada. Sem romantização. Sem reviravoltas, soluções fáceis e redenções óbvias. Assim podemos resumir a experiência com o norueguês Ninjababy - filme lembrado em diversos festivais, entre eles o de Berlin, e que finalmente estreou na plataforma Mubi. Na obra dirigida por Yngvild Sve Flikke a partir de uma graphic novel, somos apresentados a Rakel (Khristine Thorp) uma jovem desenhista cheia de objetivos na vida, sendo que nenhum deles envolve gerar um filho. Só que, num certo dia de mal estar e após cerca de seis meses de menstruação meio desregulada, aumentos dos seios e outros sinais, sua melhor amiga Ingrid (Tora Dietrichson) sugere que ela faça um exame de gravidez. O que faz com que ambas constatem o óbvio: sim, há um bebê a caminho.

Só que Rakel argumenta o fato de já fazer um punhado de meses que não transa - por sinal, suas últimas experiências sexuais envolvem o carismático instrutor de artes marciais Mos (Nader Khademi) e um sujeito que leva o curioso apelido de Dick Jesus (Arthur Berning) que, aparentemente, parece ter uma jeba gigantesca ao passo que guarda uma excêntrica semelhança com Cristo "em pessoa". Após o exame, Rakel convoca Mos - que por uma coincidência do destino reaparece na sua vida -, para uma ida ao ginecologista. A situação é pior do que ela imagina: com uma gestação que já avança para além dos seis meses, a despeito da barriga diminuta, ela está impossibilitada de fazer um aborto (o que só é permitido no País, com bastante naturalidade, por sinal, até as doze semanas). E mais do que isso: ela não se preocupou muito com uma possível gravidez nas últimas semanas, se entregando ao esporte favorito de jovens de vinte e poucos anos da área artística, no caso o combo bebedeiras, drogadição, noitadas e outros.

 

 

E todo esse contexto meio que bate forte na cabeça de Rakel. Dá um ruim. A ponto de ela procurar o pai - no caso o Dick Jesus -, para comunicá-lo sobre (e claro que, num primeiro momento, ele se desespera) e também iniciar a negociação para uma possível entrega para a adoção, já que ela realmente não pretende criar uma criança. Em paralelo, ela aciona a sua meia irmã que tem tentado engravidar em vão, para sondá-la sobre uma possível adoção. Em meio a esse conjunto de situações, a protagonista segue em suas divagações - que envolvem desenhos em suas pranchetas. E é deles que brotará uma espécie de feto animado - o Ninjababy do título -, que passará a dialogar com Rakel. A argumentar sobre seu futuro, sua existência e a necessidade de ele ter um lar pra chamar de seu. Sim, esse componente meio exótico que remonta a obras literárias como Enclausurado, de Ian McEwan, adiciona um charme adocicado pra coisa. Com interações divertidas, como no instante em que Ninjababy pede que sua mãe o entregue a Angelina Jolie, famosa por sua prole de adotados.

Entremeando instantes cômicos, com outros mais comoventes, essa obra destemida e pulsante promove uma reflexão sobre o papel da mulher na sociedade, expectativas que recaem sobre as futuras mães (que nunca podem ser autorizadas a verbalizar o quanto a maternidade lhes dói) e tabus relacionados ao aborto. Se fosse um filme dos anos 90, talvez esse aqui não fugisse da armadilha óbvia de entregar ao espectador o final feliz que, muito provavelmente, envolveria um namoro (e certamente um casamento) com Mos, que assumiria o filho de Dick e ambos vivendo felizes para sempre. Mas graças à Deus estamos em 2024 (a produção é de 2021) e Rakel, por mais atormentada que esteja, jamais deixa de pensar a respeito do futuro dessa criança que está por vir. Um futuro que, julgue quem quiser julgar, ela não deseja que seja com ela. Certo? Errado? No fim das contas o desfecho não poderia ser mais feliz: tanto que é impossível não se emocionar ao ver Rakel realizando seu grande sonho. Que será celebrado não apenas por ela, mas por aqueles que ajudaram a construí-lo.

Nota: 8,5